Que sabes de Arte

El artista

2012-01-20T22:34:00.003-03:00

Si uno quiere saber el nivel de un artista , medir su poder , hay que ver como se desempeña en la pintura de género.

Serie simbolista

2011-07-02T18:36:00.003-03:00

"La hoguera de las vanidades ", acrylic on canvas, 97 x 130 cm.,year 2007

Declaración de artista. (de la serie simbolista)

El movimiento simbolista fue una reacción romántica al racionalismo del realismo y el impresionismo a finales del siglo 19, los simbolistas no se agruparon como pasó en los otros movimientos sino que es nuestra necesidad de entender las raíces de lo que se pinta ahora lo que los unió.

El simbolismo fue de alguna forma una de las grandes bifurcaciones del romanticismo , la más lírica e imaginativa que junto a las otras dos el realismo y el impresionismo más racionales y formalistas fueron los antecedentes de las vanguardias modernas y la raíz para entender el arte del siglo 20 y el de hoy.

Creo ver en las obras de esta serie, no la ironía y o la cita postmoderna, sino una intención profundamente simbolista y moderna, la intención de narrar y describir mundos interiores , fantásticos y místicos como si nunca antes se hubiera hecho, como una gran novedad que necesita ser revelada.

Mi intención en estas pinturas es no perder esa voluntad del pintor moderno, la intención romántica de crear un mundo totalmente nuevo e individual, ejercer esa extraordinaria libertad y aún así no perder la búsqueda de una belleza escondida, el hallazgo de una verdad oculta que sólo se puede intuir.

Pinturas rockeras

2011-06-24T20:49:00.005-03:00

"Charly García", 2010

Sobre la serie Rock and pop:

http://www.diegomanuel.com.ar/music/music1/index.html

Declaración de artista:

Al principio retraté las estrellas del rock más legendarias, como Elvis Presley o las grandes bandas de Rock como los Rollings , hasta que incluí estrellas argentinas como Charly, Andrés Calamaro, el Indio Solari y Federico Moura. Cada uno de estos personajes tiene algo nostálgico, son artistas de los '70 y '80, de cuando estaba empezando el rock en la Argentina y que significan algo para mí, son los que a mí me gustan, los que escucho, aunque todavía faltan muchos. He escuchado su música a determinada edad y tengo algo emocional con estos músicos, no sólo que me pueda gustar o no su obra, sino algo que tiene que ver con mi época de juventud, las primeras salidas nocturnas, las fiestas y todo lo que se escuchaba, por eso lo de rock y pop. Yo empiezo por esa memoria interior y después busco material, veo cual es la postura que, por ejemplo, tiene Charly en las entrevistas o en el escenario. Los bocetos llevan muchos días, hasta que encontrás algo, un retrato me puede llevar un mes, hasta que llego a lo que me interesa y después lo paso a la tela, y hay que tratar de reproducir la fuerza del boceto en una obra más grande.

También está el color, en estas pinturas utilicé un color más quebrado, no tan puro. Está quebrado con grises, porque yo estoy buscando la luz de la noche, la luz de cuando uno sale a un boliche y hay como un claro oscuro de sombras grises. Así fue la búsqueda de la paleta, que tiene que ver con el tema.

Estoy buscando imágenes que no son de ahora, sino de cuando tenía 20 años, luego me conecto sensiblemente con ellas, creo que para hacer una obra genuina lo más importante es engancharte emocionalmente, porque sino el trabajo es frío, esa parte tiene que estar siempre, en cualquier obra, tiene que haber una historia tuya, algo que es parecido a lo que hace el músico cuando escribe una canción.

Exposiciones de esta serie:

“Rock and Pop digital”, Museo Azzarini , La Plata. Durante el mes de junio (2010).

“Rock and Pop digital”, Centro Cultural Lopez Merino, Municipalidad de La Plata, mes de agosto (2010).

Publicaciones sobre esta serie:

Reportaje en el Diario Diagonales de La Plata 10/8/2010

Reportaje en el diario Diagonales de La Plata, 18 febrero de 2011

2011-02-19T12:26:00.002-03:00

Reportaje en el diario Diagonales de La Plata, 18 febrero de 2011.

Sobre la muestra de pinturas en el Museo Municipal de Arte de La Plata, que se inauguró el mismo día.

Con su nueva muestra Gente, el artista Diego Manuel apuesta a obras realistas

Fue contra la corriente de sus propias inclinaciones para no repetirse, utilizando cosas que no le son “fáciles”. Así encaró su nueva exposición Diego Manuel, que desde hoy a las 20 mostrará sus pinturas en tres salas del MUMART (7 y 49).

Gente es el título que eligió el artista platense, justamente con la idea de abarcar “muchas cosas”, para que el espectador “encuentre las distintas intenciones que tienen las obras, que son escenas de reuniones, de fiestas, de comidas en un restaurant. Esas distintas miradas y situaciones tienen algo de narrativo, de como se comportan las personas, por eso decidí utilizar la palabra gente a propósito, porque no quería indicar de qué se iba a tratar, sino que quería que el público encuentre lo que yo quiero decir o que complete la obra”.

Son 36 los cuadros que conforman esta exhibición y 10 los años que Diego Manuel lleva preparando estas piezas: “hace rato que vengo trabajando en esto pero en los últimos dos años hice más obras porque encontré el estilo que yo quería plasmar para decir esto. Es una serie que vengo haciendo desde hace mucho, que deriva de otra serie que se llama Milongas. De esas escenas que estaban atrás del baile, escenas que mostraban a gente comiendo y charlando, las puse hacia delante, en primer plano y salieron estas nuevas pinturas”.

–¿Cuál diría que es ese estilo que alcanzó con este trabajo?

–Yo tengo otras series con otros estilos y ahora encontré el estilo que me parece más acorde, más interesante para decir mejor lo que quiero decir. Es un estilo realista pero con cierta distorsión elegante, cierto impresionismo, me pareció adecuado para esta oportunidad, que haya cierta ironía, un dibujo con expresividad humorística, con la deformación de los gestos, de las personas. Fue todo un desarrollo, pero finalmente lo pude plasmar en esta serie.

–Otra de las cosas importantes en su obra es el color…

–Sí, siempre trato de darle color a las obras para darle cierta cosa narrativa. Los colores dicen algo, le dan cierta emoción a lo que se está viendo, me van diciendo cosas: yo contrasto una risa contenida y cara pálida, o una risa fuerte, los colores tienen que ver con esa narración. Y yo desde siempre tengo tendencia al color, mi paleta es de mucho color y a veces, a propósito, me impongo pintar en blanco y negro para cortar. Lo mismo me ocurrió con la serie, que es realista, aquí traté de cortarme con esa facilidad que tengo de lo imaginativo, y a veces hago cuadros monocromáticos para que se vean otras cosas. Estoy tratando de no usar cosas que me son fáciles, estoy yendo contra la corriente de mis inclinaciones para no repetirme.

Temprano. Diego Manuel se volcó a los estudios del color y la forma cuando a los 7 años ingresó a una escuela de arte para niños en la ciudad. Continuó formándose en el Bachillerato de Bellas Artes y en 1996 se recibió de Licenciado en Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP.

En 1988 participó por primera vez en una exposición (en el Salón Trienal Provincia de Buenos Aires) y en 1993 realizó su primera muestra individual en la Fundación Centro de Artes Visuales de nuestra ciudad.

–Tiene su página de Internet desde 1999, ¿lo considera un espacio fundamental para difundir sus trabajos?

–La página es un poco mi taller abierto. Todos los que ingresan pueden ver el proceso creativo, las series están abiertas, estoy constantemente subiendo cuadros, es una especie de bitácora de mi trabajo, es como ver mi estudio. Yo lo utilizo para organizarmey también para que vea el proceso la gente. Considero que tiene su costado riesgoso, porque lo ideal sería poner las mejores obras, pero hace mucho que trabo así, porque me interesa el feedback con la gente, que me dice cual le gusta, comentan cosas y eso me sirve para implementarlo, porque yo hago la obra para ver como rebota en la gente. Todo ese intercambio está bueno y con Internet lo tenés continuamente. Eso pasa ahora, antes uno tenía que hacer una muestra para saber qué repercusión iba a tener y ahora lo tenés accesible y en todo el mundo.

Su muestra Gente ya estuvo colgada en la Alianza francesa de Buenos Aires, pero fue una versión “reducida”, que contenía sólo 18 cuadros. En esta oportunidad, serán 36 las pinturas que Diego Manuel colgará en las tres Salas del MUMART, y que se podrán visitar desde hoy hasta el 6 de marzo, de lunes a sábados de 9 a 21 y los domingos de 14 a 21.

El buen coleccionista

2010-08-29T11:59:00.002-03:00

Si un artista es un productor constante de pinturas y objetos de arte, se puede decir que el coleccionista tiene la misma constancia en adquirir arte.

El buen artista va moldeándose poco a poco hacia obtener la maestría, el buen coleccionista también necesariamente va formándose y transformándose en un experto de su colección, de cada obra y de lo que expresa el conjunto de sus obras. Además de la información histórica de los autores y sus obras, la “convivencia” con las obras, le dará una información única que será inspiración para nuevas adquisiciones, hacia la perfección del grupo de obras elegidas, con un sentido íntimo del propio gusto, pero también consciente o inconscientemente con un mensaje artístico para dar, que es el aporte del coleccionista hacia la evolución o por lo menos el constante cambio que manifiesta el arte.

Como en el artista, en el coleccionista va creciendo la conciencia de la importancia de la conservación de la obra más allá de las circunstancias de la vida y de la importancia de que la obra sea admirada, vista, estudiada por cada vez más gente. En esta cuestión el coleccionista es un colaborador del artista para que su obra pueda transcurrir el tiempo y pueda ser valorada y revalorada por las nuevas generaciones. Los museos modernos en su mayoría están formados por la obra recopilada por los grandes coleccionistas de la historia, y hay colecciones que por su importancia y por supuesto por la prevención del coleccionista, tienen su propio edificio y museo.

Las grandes colecciones y coleccionistas tienen su nombre en la historia del arte y esto no es una exageración, la elección final de una colección, de una exposición es determinante para la suba o baja de los artistas, estilos y formas de arte. Ese antiguo sujeto del arte, el mecenas, el coleccionista, hoy también el curador de una muestra, una galería , un museo , una bienal, se ha transformado en el gran elector y también en el gran representante del público, esa elección e influencia no solo llega al público y a las colecciones, se puede decir que es una influencia para el arte en general, tanto o más que los propios artistas, porque también directa o indirectamente influirá en la nueva obra de los artistas, en los nuevos artistas y en los que están por venir.

¿Cómo nace el coleccionista? Es posible que con la adquisición de la segunda obra. Quizás cuando se empieza ver y vivir el arte, poder ver como esas dos obras “dialogan” dentro de nuestras sensaciones, notar como sus parecidos y diferencias se potencian y brillan más, cómo cambia la habitación donde se encuentran, sólo el arte puede hacer que un interior de arquitectura sencilla y aburrida se convierta en el lugar más maravilloso, la prueba más magnífica de esto podría decirse que es la capilla Sixtina.

A menudo se piensa que un coleccionista debe ser rico, en realidad se puede ser uno con un presupuesto reducido, y con buen ojo adquirir pequeños tesoros de nuevos artistas, yendo a las exposiciones de los artistas de la ciudad y tratar personalmente con ellos, también buscar en las exposiciones online, hoy día casi todos los artistas tienen webs o blogs, contactarse directamente con ellos puede reducir los costos de un compra.

Vivir la verdadera experiencia del arte sólo es posible con una obra original en frente, poder verla todos los días, los cambios que ella provoca en uno , la felicidad de ver como nuestros sentidos se afinan y son cada vez más sutiles, como crece nuestra capacidad de comprensión, poder ver los pequeños detalles, el color , textura, los cambios que le producen las luces de los distintos momentos del día, por momentos sorprenderse como una escena figurativa bien lograda parece cobrar vida, o las formas y colores de un cuadro abstracto vibran de forma ideal y perfecta transportándonos a un posible universo de belleza que sólo se puede imaginar.

El arte ha venido al mundo con la utópica tarea de tratar de equilibrarlo y hacer que sea más fácil vivir en el.

Ojos en las pinturas

2009-12-12T20:57:00.008-03:00

REMBRANT, Harmensz van Rijn.
Retrato de la hermana Lisbeth van Rijn, 1633
Museo nacional de Bellas Artes, Buenos Aires

La primera vez que recuerdo sentirme emocionado viendo lo que realmente se podía hacer dibujando ojos en el arte fue al ver un dibujo en sepia hecho por Rubens, en este boceto de un retrato de una joven el genial pintor le había agregado algo más a la mirada de la muchacha, una textura especial , vidriosa, que le sumaba una profunda emoción y verdad al retrato, algo que sólo un gran maestro maneja en su justo punto, con resultados siempre frescos y novedosos a pesar de los años que han pasado de realizada la obra.

También recuerdo en mis primeros años de estudiante de Bellas Artes algo asi como un aturdimiento causado al ver por primera vez un retrato que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, es la pintura de una mujer joven, con el cuerpo y cabeza en tres cuarto perfil, que solamente “mueve” sus ojos para vernos, aparentemente es lo único que tiene movimiento , eso le da una gran potencia a la mirada del retrato. Lo maravilloso después es lo que hace Rembrandt con uno de los ojos del retrato, ubica el ojo izquierdo justo en el centro superior del cuadro, que desde ese lugar a la vez preponderante y estático irradia una fuerza extraña, que parece iluminar como una linterna el rostro de la mujer. Rembrandt juega una y otra vez con lo estático y lo dinámico. La mirada del retrato fijamente hacia el espectador plantea la paradoja del observador observado y una suerte de espejo entre la realidad, la vida, y ese aparentemente inmóvil mundo del plano poético, que día a día pide nueva vida al público.
Quizás en muchos de mis cuadros de la serie surrealista se ha perdido el resto del retrato y sólo los ojos han quedado en la obra, testimonio de los ojos del pintor revelados en la tela que ahora dentro de ella miran hacia afuera.

Las tres partes

2009-12-05T18:43:00.008-03:00

El Hombre de Vitruvio , dibujo de Leonardo da Vinci

Es una posibilidad de composición dividir la obra en tres partes: una mayor, una mediana y una menor, siguiendo una lógica de proporción de crecimiento, como pasa en algunos casos en la naturaleza, por ejemplo en la espiral del caparazón del caracol o en las nervaduras de hojas de los árboles.

Entonces el plano en la pintura se puede ordenar dividiéndolo en tres porciones, como también dentro de la perspectiva es interesante delimitar tres lugares principales en el espacio o se puede ordenar los colores y valores en tríadas: un color dominante un segundo asociado y un tercero como acento.

En la antigüedad y después perfeccionado por los renacentistas se uso el número algebraico Phi como la llave de esta proporción, una perfecta combinación de las partes que se repite tanto en la naturaleza como en el Arte, que se llamó número áureo o número divino.

En el proceso artístico lleno de irracionalidad y en trance inspirativo es difícil que se pueda introducir esta cifra o proporción perfecta, en cada curva, ángulo y forma, pero sí es posible usar el recurso sencillo de dividir en tres partes proporcionadas los diferentes componentes y ordenar el espacio para luego sobre esa base empezar a trabajar de alguna forma contradiciéndolo.

Pinturas místicas

2009-10-23T16:43:00.000-03:00

En blanco y negro

2009-09-29T19:54:00.001-03:00

Me gusta como se ven las pinturas con este efecto de película antigua

Videos

2009-09-27T13:39:00.002-03:00

De todos los intentos de hacer videos con mis pinturas, estos dos últimos son los que más me gustan.

Entrevista para un trabajo de la Universidad

2009-07-06T09:16:00.010-03:00

Tres semanas atrás me llama una alumna de la Facultad de Bellas Artes, solicita una entrevista para un trabajo de la facu, en medio de una mudanza le pido por favor si la entrevista es por email, este es el resultado:

1-Ubicación temporal, fecha de nacimiento, estudios cursados/ autodidacta.
Influencias recibidas: docentes, movimientos, artistas.

Fecha de nacimiento: 23 de Diciembre de 1969.
Primero cursé el Bachillerato de Bellas artes de la UNLP, después la Facultad, soy Licenciado en Artes Plásticas, Universidad Nacional de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, egresado en el año 1996. Y concurrí al taller del escultor Aurelio Macchi, Capital Federal (1993/94)
En la facultad me ha ayudado mucho Rubén Elósegui (escultura) y en menor medida porque no era mi orientación principal, Aníbal Carreño (pintura) . Después aprendí muchos conceptos artísticos de Aurelio Macchi, (escultor).
Cada cosa que uno aprende debe ganárselo, de alguna forma es doloroso, porque las ideas deben hacerse carne en nuestra forma de ver, que en gran porcentaje debe ser intuitiva, cada línea , cada trazo, necesita una velocidad de ejecución que no podría pensarse con ninguna lógica, en ese sentido el arte se emparienta a un deporte, es necesario aprender una “habilidad” importante de ejecución.
Después movimientos y artistas, todos, si nombro algunos me olvidaría de la mayoría, los clásicos , los de vanguardias, y hoy en día conozco y me influyen muchos artistas cuya obra exploro por Internet, muy conocidos por ser de países centrales , solamente conocidos en sus países o emergentes .

2-Técnicas y géneros elegidos. Cambios o permanencia en ellos.

Siempre me ha gustado las técnicas al agua, témpera, acrílico, temple.
Géneros, los tradicionales, paisaje, naturaleza muerta, retrato, desnudo.

3-Motivos de la elección de las técnicas y tema, ¿existe una variación en las temáticas a medida que se afianzo como artista?

Las técnicas al agua son más rápidas, y van con mi carácter impaciente, creo que es más fácil empezar pintando paisajes mientras nos acercamos poco a poco a la figura humana o a la figura.

4-¿Trabaja solo o en grupo?¿Cuales son las ventajas de uno y otro comportamiento?

Trabajo solo, me gustaría trabajar en grupo, pero no soy muy dócil, tendría que ser yo el director.
Aunque, me parece interesante hacer exposiciones grupales y que los artistas nos apoyemos mutuamente.

5-Realizar de acuerdo a la producción un análisis breve de la misma teniendo en cuenta el proceso de creación, producción, las técnicas elegidas, materiales empleados y las temáticas desarrolladas.

Eso se lo dejo al espectador, de todas formas pueden leer algunos comentarios míos sobre mi obra en mi blog: http://quesabesdearte.blogspot.com/

6-En base a la trayectoria del artista, tener en cuenta exposiciones realizadas, en medios convencionales - No convencionales, como se da el acceso al circuito, concursos, premios.

Quizás tendríamos que ponernos de acuerdo que son medios no convencionales y convencionales, por ejemplo aquí en La Plata no hay una galería de Arte privada de trayectoria, las galerías siempre fueron emprendimientos efímeros que tarde o temprano fracasaron, entonces lo no convencional en nuestra ciudad sería una galería de Arte, lo que en otra ciudad es lo más convencional y establecido.

7-Para la difusión y venta de su obra, ¿lo hace en forma personal, o, a través de galeristas que lo conecten con el mercado?.

La mayoría de las veces vendo directamente, además tengo un representante en una especie de villa artística en Carmel-by-the-Sea , en la costa de California.

8-¿Utiliza la venta de su obra como medio de sustento?

Sí, aunque tiene sus vaivenes, como todo.

9-¿Qué obras a vendido y por que razones cree que fueron compradas?

He vendido obras de casi todas las series que voy pintando, ¿por qué se vendieron? , la respuesta puede ser muy complicada pero la voy a hacer simple, la obra les gustó y tuvieron la necesidad de poseerla, de verla todos los días, de vivir un poco cada día la experiencia del Arte, que sólo se puede al 100 % con una pieza original en frente.

10-¿Qué difusión tiene su obra?¿La ha publicitado a través de los medios masivos?

Esta muy difundida en Internet

11-¿Cree que el acceso al circuito es importante?¿Por qué?

¿A que llaman circuito? , creo que en nuestro país no hay tal circuito, quizás hay lugares que si uno los ocupa es más fácil ser conocido o aceptado, pero en lo que se refiere a lo que es un mercado de arte esta todo en pañales, y eso hace casi imposible vivir de esto. Sin un coleccionismo más aceptado y practicado por la clase media y alta es imposible, la mayoría de los artistas viven de la docencia, de su taller, de trabajos paralelos, de la venta a coleccionistas del exterior donde sí hay mercados, de la venta en plazas de San Telmo o La Boca
Todas las galerías nuevas que surgieron en San Telmo, Palermo, etc, o son alquila paredes o tienen buenas intenciones pero dan muy poco apoyo a los artistas que supuestamente son de la galería.
Igualmente en el último tiempo se ve más movimiento de ventas locales, la gente poco a poco se está animando a poner algo distinto en las paredes para variar del tradicional tapiz alpino, o el póster de torero del viaje a España, además un cuadro de un artista local se puede conseguir por 500 $, un valor similar al de una reproducción enmarcada.

12-En cuanto al publico,¿Qué reacción tiene frente a su obra?¿Lo ha observado?

Es muy gratificante, en general la gente ve y dice siempre cosas acertadas, detalles que me sirven mucho para comprender más que hago en las pinturas.

13-¿Piensa que el comportamiento del publico esta estrechamente relacionado: con la venta, la interacción o conectividad del mismo, la asistencia a las exposiciones, lo lúdico, el detenerse ante su obra?

No sé el porqué del éxito o del fracaso, es un gran misterio, nadie sabe realmente por que se vende una obra, sólo sé que a largo plazo la obra se sostendrá por su propia calidad, la publicidad o las personas influyentes que inflan una carrera tienen fecha de vencimiento, las obras seguirán y si son buenas tendrán con que defenderse, y sobrevivirán.

14-¿Ha explorado otros campos?

La escultura, y ahora estoy escribiendo algo , apuntes teóricos, comentarios sobre mi obra, etc, lo pueden leer en mi blog quesabesdearte.blogspot.com.

15-¿Le gustan las obras por encargo?,¿con una temática determinada?

En mi caso los encargos no son usuales, la gente elige la obra ya pintada, de todas formas si es un encargo prefiero un tema que me dé el máximo de libertad posible.

16-¿Cómo se participa de un concurso?,¿Cómo se enteran del mismo?, ¿en qué consiste en los premios?.¿Cuáles son las formas de inserción en el mercado del arte?

Los concursos son la mejor forma de inserción en el arte, y si los jurados no te quieren mejor que tu obra de veras sea buena.

17-¿Qué importancia cree que tiene el color en la obra?

Un 50%

18-¿Ve al arte como representación de la realidad?¿Cuál es su propuesta?

Quizás de la no-realidad, o de la realidad interior.

19-La especialidad, la forma, el color, la temática, los personajes.¿Cuales de estos ejes tiene mayor importancia en la organización plástica de su producción?

La temática

20-¿Que papel juega lo social en su obra?¿La afectan las crisis que se registraron en nuestra sociedad?

Me interesa que la obra sea popular, o retratar lo popular, el Arte trasciende la coyuntura, es una mirada de largo alcance, el hombre y su circunstancia, la finitud, la búsqueda de las grandes preguntas, así dicho parece algo elitista, pero son las preguntas que en algún momento todos nos hacemos o nos vamos hacer, y hasta la no pregunta o su negación , esa aparente alegría de carnaval que a veces tratamos de vestir conlleva la presencia de esa angustia existencial que desde que nacemos debemos llevar.
Hablando de nuestro país, parte de nuestras crisis está explicada por una falencia espiritual, nuestra sociedad hace mucho (quizás desde siempre) que está inmersa en una continua pelea por cosas materiales, de esa forma todo ha quedado cuantificado, y eres alguien en cuanto vendas o lo que haces produce dinero, esa es la raíz de nuestra decadencia, una sociedad que deja en el último escalón la cultura , la ciencia, no será trascendente en la historia, y merece ser olvidada.

21 -Opiniones sobre la carrera, la facultad, los medios de desarrollo, en el medio local, nacional e internacional.

De la Facultad mucho no puedo hablar, me recibí en 1996, y no he vuelto a ir, no se como están las cosas en las cátedras, creo que ustedes saben más que yo.

22- Consejos a estudiantes en el inicio de sus carreras.

-Hay que trabajar las 24 horas por día para tratar de ser un artista.
-que sean muy ambiciosos,
-que se comparen con los grandes para saber cuanto falta,
-que siempre duden de los que les dice el profesor, aunque sean amables con él , tengan en cuenta que el maestro junto con el público adepto serán las personas más a favor de este medio que conocerán
-Sean simpáticos, las primeras exposiciones se logran muchas veces por contactos de amistad.
-Lo importante es la obra, si es débil a la larga no prevalecerá, la obra tendrá que rendir examen por siempre, los grandes nombres pueden caer y los desconocidos surgir, la historia es dinámica, así que todo el esfuerzo para mejorar la obra.
-Nunca regalen obra, aunque sea muy poco algo hay que cobrar, sino nunca tendremos un mercado y además la mayoría de la gente no valora lo regalado.

Las alumnas que trabajarán con estas respuestas son: Rocío Gabachs y Magali Dotta.

La caricatura

2009-06-11T16:19:00.004-03:00

Históricamente en el Arte el humor no ha sido del todo admitido, ha sido un condimento muy reservado donde su exceso era para lenguajes menores o “populares”, la misma palabra “caricatura” muchas veces se usa como menosprecio de un estilo de dibujo inferior.

Decir algo sobre lo retratado es de alguna forma rehacerlo, recomponer la estructura del objeto, cambiar su contexto.

Es en la modificación de la composición geométrica y cambio de las proporciones del modelo, cuando se busca remarcar situaciones, diálogos formales, gestos, que el objeto se parezca más a sí mismo.

En una mirada clásica toda trasgresión a las bellas proporciones es peligrosa aunque si buscamos con detenimiento, podemos ver caricaturas sutilmente escondidas también en las obras de los grandes maestros.

La pintura de finales del siglo 19 y principios del 20 ha tenido grandes transgresores de la belleza tradicional y cultores de un cierto exagerado humorismo y dramatismo entrecruzados, ¿podemos decir caricaturistas?. Por nombrar algunos: Toulouse Lautrec, Honoré Daumier, Oskar Kokoschka, Edvard Munch, Vincent Van Gogh, que han sido muy importantes para la generación de artistas posteriores.

Ese primer ejercicio de cuestionamiento a lo establecido es posible que haya sido la base desde donde se pudo realizar el salto de después, la libertad que da el humor en todas sus vertientes (humor tragicómico, grotesco, humor ingenuo, absurdo) puede ser usada como emulsionante para mezclar estilos, culturas e ideas tan diferentes como fue necesario en los intentos de las Vanguardias.

El humor, tiene la importante propiedad de relativizar y cuestionar las verdades inamovibles, sirve como anestesia que permite tocar los lugares más sencibles, su naturaleza nos descoloca y produce un caos que permite recomponer los pedazos y vislumbrar nuevos caminos y nuevas combinaciones.

"vaca argentina 5", acrylic on canvas, 44 x 30 cm.

Reuniones sociales

2009-05-16T18:15:00.009-03:00

"Reunion social 3", acrylic on canvas, 100 x 130 cm. 2009

La serie “Reuniones sociales” deriva de tres series pictóricas anteriores.

Tomo de la serie “Gente de la calle” los primeros dibujos y pequeños retratos expresionistas como bocetos previos para investigar sobre gestos, actitudes y síntesis de rasgos.

Los fondos de gente en mesas y bares de la serie de “ Milonga ” en las nuevas pinturas pasan a primer plano.

Por último de “ Imágenes dantescas ” y sus pinturas con multitudes atemporales rescato el concepto de retrato grupal o más bien de acción grupal de los personajes, donde cada uno actúa como engranaje de una única y abarcadora acción.

En estas escenas de banquetes los personajes están en una especie de bar o restaurante, que estén sentados refuerza gestos de rostros y manos, la gesticulación está bien marcada, casi como exagerada, subrayando así una teatralidad que busco instintivamente.

Es posible entonces que estos seres sean actores involuntarios de un juego compulsivo, que concientes o irreflexivos juegan frenéticamente para no mirar una verdad que espanta. Es posible que todos jueguen el juego social para escaparle al aburrimiento, o lo que es peor a los espacios en blanco donde es inevitable mirar el reloj y ver que todavía falta mucho para irse y el tiempo parece detenido.

Los personajes escapan del tedio hacia la amnesia que les provoca jugar los distintos juegos de la vida, viajan a lugares, asisten a fiestas, se juntan se separan, la vida hace que el tiempo corra a toda velocidad. Veloces, amnésicos, narcotizados por el aparente movimiento de una calesita tratan de olvidarse del espanto de ese momento en que despiertan y revisan nuevamente su reloj.

El boceto como partitura

2009-03-22T08:33:00.006-03:00

boceto de la pintura: "Cena de fin de año"

El tamaño en un cuadro es importante, puede cambiar intenciones y mensajes. En un pequeño boceto a lápiz el mensaje surge claro y limpio, cuando se pasa de centímetro a metro cambia lo que dicen los colores y surgen nuevos espacios. Para que no cambie la idea esencial el dibujo se transforma y al final todo cambia.
Pasar de lo pequeño a lo grande es un arduo oficio, un trabajo continuo y paciente de artesano, aunque pareciera repetitivo es todo lo contrario, lo que en el boceto se ve en sombras e insinuaciones hay que imaginarlo y completarlo.
Como en una partitura musical o un texto teatral el boceto se reinterpreta reafirmando lo esencial y se limpia lo demás, así se desechan pequeños caminos quizás interesantes para fortalecer la coherencia del discurso, el estilo y lo que decimos, todo lo que decimos, porque cuando se habla de mensaje, para ser exactos en el Arte son muchos mensajes, el objeto artístico es una especie de caja con muchas preguntas para completar, quizás con nuevas preguntas.
Entonces en el pasaje a la tela definitiva se limpia los trazos fundamentales de lo accesorio, es lo más importante, tratar de que la pequeña obra tenga algo de la fuerza de la grande y la grande algo de la sencillez de la pequeña.

Gusto por lo exagerado

2009-02-03T14:47:00.038-02:00

"El verano " , acrylic on canvas, 42 x 42 cm. year 2008

El peligro de caer siempre está cerca. Además decir cosas sobre temas fundamentales ( el amor, la muerte, el deseo) es andar por una fina cornisa.

Algunas de mis últimas pinturas son exageradamente románticas, simbolistas, narrativas, con reflejos ingenuos, medievalistas. Una geometría sencilla y visible, los objetos y situaciones en una caja, como en una escena de teatro.

Las imágenes están entre antiguos vapores, rozan retóricas ya usadas. Un arte de mensajes y no de efectos, de pequeñas sorpresas escondidas, una sobreabundancia de afirmaciones que necesita de la complicidad del espectador, de su militancia, de una fina observanción de las sutilezas.

Body painting

2008-11-09T21:51:00.008-02:00

Esta pintura es la continuación de una serie de pinturas semi-abstractas que había iniciado en el año 2007 de contornos de figuras femeninas e interior geométrico. En estas pinturas nuevas, el tratamiento es más figurativo, la luz es realista, explica los volúmenes del cuerpo, y las formas geométricas quedan subordinadas a la forma volumétrica de la figura, reforzando lo epitelial de la forma, su superficialidad.

"Chica tatuada" , acrylic on canvas, 100 x 61 cm. , 2008

Sencilla abstracción

2008-11-08T23:29:00.016-02:00

Sencilla abstracción
" corazon 4 ", acílico sobre tela, 100 x 130 cm. 2008

Mi última pintura abstracta, una forma abstracta sencilla, simétrica, una pintura difícil de pintar, lo aparentemente sencillo y encima simétrico es difícil.

Pinturas Abstractas

2008-10-18T17:27:00.012-03:00

En busca de nuevas imágenes.
La serie abstracta la inicio en 2005 ,visto a la distancia puedo decir que fui sumando a formas de fuerte simbología una “arquitectura rítmica”, una textura vista con lupa que como si fueran pequeños elementos cromáticos va llenando la forma como recipiente transparente, formas puras con interiores heterogéneos y complejos.

Luego en el año 2006 esos recipientes de síntesis geométricas cambian por cáscaras de cuerpos femeninos desnudos tratando de preservar la fuerza de las formas simples anteriores con un mayor interés sensual iconográfico , y mantuve la centralidad de una única figura, el contraste fuerte de figura fondo, la tendencia a la simetría. Traté en estas pinturas que se mantenga un primer mensaje fuerte, inconfundible, que no necesite mayor explicación como en general si lo necesita la pintura abstracta.

Ya a finales de 2008, estoy retomando la serie en pinturas ahora con formatos más grandes, dirigiendo el contenido cromático, ordenándolo geométricamente con más detalle, el mayor tamaño me da más lugar al detalle, a una mayor complejización , siempre tratando de no perder el color intuitivo de las primeras obras.

Pasar de la pintura figurativa a una síntesis abstracta, llevar las cosas al extremo, es un camino difícil, después de muchos intentos los músculos de una nueva forma de ver van tomando la fuerza necesaria.

Tengo la esperanza que mientras camino hacia el extremo abstracto encuentre nuevas imágenes.

La máquina metafórica

2008-07-06T19:21:00.004-03:00

Detalle de "The time machine", acrílico sobre tela , 97 x 130 cm.

La composición de una obra debe ser como una máquina con piezas todas tendientes a una función suprema, trascendente, ese debe ser el camino del Arte, la búsqueda de algo eterno, hacer algo que pueda ser entendido mil años antes y mil años después, algo que viaje por el tiempo, quizás el anhelo más grande, viajar por el tiempo, poder ver la antigua torre de Babel y la futura, imágenes solamente imaginadas.

Entonces reclutamos un ejército de mecánicos e ingenieros y fabricamos una enorme máquina metafórica de imágenes eternas que pueda viajar por el tiempo, que retenga lo último que vimos, que vivimos cada día, y que en ella viaje algo de nosotros, aunque sólo sean pruebas de nuestra existencia.

Ciudades Fantásticas

2008-06-21T21:30:00.011-03:00

"Ciudad en brumas 3", acrylic on canvas, 43 x 62 cm. 2008

Nuevas pinturas del ciudades y escenas del futuro

Calaveras

2008-05-28T17:43:00.013-03:00

Siempre que veo una calavera me asombro, hay un "clic", hay un instante de algo parecido a la alegría, un aroma festivo quizás, la alegría de estar aquí ahora escribiendo, de saber que estoy vivo. Un fuerte contraste, una advertencia.

Su estilización , sus transformaciones nunca pierden la esencia del primer mensaje, de excepcional maleabilidad es como el oro o el chocolate, tolera matices y mezclas, puede ser trágica, amable, cómica, humorística, irónica, nostálgica y triste y siempre noble, igual a si misma.

Rostro sin rostro a veces es sonrisa desencajada del Rembrandt de su último autorretrato, y otras mirada burlona de Leonardo en la Monalisa.

La textura

2008-04-24T10:08:00.006-03:00

detalle de "Conejo enamorado y mujer en la bañera"

La textura es estructura fundamental de la pintura, que recibe un orden, que es interpretada.
Los pigmentos atrapados en la red del lienzo, llenan lugares vacíos, los completan, dan volumen y color. El resultado de la suma de llenos y vacíos de la tela es texto y escritura, un lenguaje de sutiles y finos contrastes.
Entonces, la pintura antes que ver es tocar, la sensualidad primera esta en el tacto, en tocar los húmedos granos de pigmentos aglutinados, sus distintos pesos y secados.
La materia todavía fresca necesita de una rápida acción, casi a ciegas, donde el tacto es más rápido que la vista, y es en ese diálogo primitivo de texturas, donde la pintura es más pintura, es única y plena

El coleccionista

2008-02-19T17:10:00.008-02:00

"cubista ", acrylic on canvas, 45 x 70 cm year 2001

Para que un artista siga viviendo lo importante es decir, tener algo que contar, algo importante, que apenas vislumbramos como entre sombras.

Después de las certezas formales modernas el arte ha pasado a ser muchas cosas, quizás como en esa época, pero distinto. ¿Qué es arte hoy? ¿Dónde está la importancia de un lenguaje artístico? ¿En la forma? ¿ En el contenido?

Como en el color o la forma existen tendencias compositivas hacia el equilibrio o el desequilibrio hacia un dinamismo expresivo. En lo semántico también pasa algo parecido, hay intenciones, algo para decir y lo opuesto dentro del mismo discurso, para esto la metáfora pictórica, esa imagen dentro de la imagen, es una forma de comunicación única y completa.

En gran medida elijo formas en el arte que se adapten mejor para decir algo específico, decir algo parecido de distintas formas y de la misma forma decir cosas diferentes. A veces me siento un decimonónico coleccionista de arte, un coleccionista ecléctico que busca entre museos de antropología, de arte nuevo antiguo, de viejo arte moderno, piezas que inspiran, que nutren, que son digeridas, y por último son degeneradas en algo nuevo.

Hoy más que nunca después de adquirir la destreza de un artista, la parte artesanal primigenia del artista, “El Oficio”, lo que sigue como identificación natural de un artista es algo que posee también el público, que es el derecho, la obligación, la necesidad de Elegir.

En gran medida entonces el pintor es un coleccionista de pintura, y quizás el coleccionista de pintura también es un poco pintor.

Realismo Dark

2008-01-17T21:20:00.011-02:00

"Caperusita Roja", acrylic on canvas, 28 x 41 cm. , 2008.

La serie que llamo “pinturas oscuras” que estoy desarrollando está inspirada en los pintores norteamericanos de Surrealismo Pop, también llamado Lowbrow .
La influencia de la pintura sobre la fotografía y el cine es indudable y por supuesto inevitable, en el caso de la pintura dark el flujo se revierte, a partir de cierto cansancio de los géneros ya clásicos del siglo pasado, la pintura mira una vez más hacia afuera. La imagen masiva, la repetición de imágenes populares en los distintos soportes es observada por el pintor y resignificada para lograr nuevas metáforas. No es algo para nada raro que el arte se nutra de motivos populares, y este es el caso de la pintura realista y surrealista “dark”.
El estilo de pinturas oscuras tiene antecedentes históricos remotos, pero quizás en los pintores que hoy la cultivamos, sus influencias se pueden encontrar mucho más cerca, en gran medida en la estética de películas de género de terror “clase B” norteamericanas, constituyendo una especie de nuevo arte pop oscuro, devolución de un género “puro” del cine a la pintura.
Me inspiro entonces no solamente en la imagen, sino más bien con cierto humor auto-referencial e irónico que contiene este subgénero cinematográfico de películas “clase B” llamado también “cine bizarro”. Para dominio de este estilo es importante tener el control total sobre la “gestualidad” de las figuras. De personajes y actores, es un estilo muy “actuado”, donde el maquillaje sobre la piel, las expresiones de rostro y manos, los gestos, las miradas, lo que dice la boca, lo que dicen las manos, adquieren una simbología o código metafórico entre entendidos.
El ambiente de “cartón pintado”y de “exagerada” imaginación, esa necesidad de sorprender al público, en la pintura se convierte en reflejos de realismo mágico o de renovado surrealismo. También se puede encontrar antecedentes en arte “kitch” de los años 90' que se cultivó en ciertos círculos de centros culturales en la Ciudad de Buenos Aires , que a su vez fue uno de los ecos que ha tenido el ya legendario arte experimental del Instituto Di Tella de los años 60'.
El resultado sobre la tela es un estilo por demás divertido no solo para el público sino para el primer espectador, el artista.
Mi entrada en este estilo llega apoyándome en las pinturas de la serie negra que realicé en 1997-98 y que en estos días continúo con renovadas influencias pop, a un cierto contenido amargo-oscuro-irónico de esa época le agrego un nuevo humor de referencias pop.

dark paintings

El realismo

2007-12-16T09:38:00.004-03:00

"Morocha", acrilico sobre tela, 28 x 38 cm. año 2007

Las generaciones de pintores realistas se siguen sucediendo a lo largo de los años, la pintura realista sigue interesando a pintores y público. A veces con ligeras exageraciones anatómicas o algún tipo de pequeña carga surrealista o dramática como pueden ser las obras de Mark Ryden o Lori Earley el realismo sigue siendo para muchas personas el estilo de más llegada.

Y es que además de su lenguaje amable al público, y en primer medida rápidamente entendible o comestible, tiene algo de deportivo, algo de interpretación musical. Las narices , los ojos, las miradas, los desnudos por siglos representados una vez más y ahora se vuelven a intentar reproducir, como una vieja melodía clásica que el concertista eximio representa para aplausos de un publico maravillado.

Yo entro a la pintura realista como un descanso, un cable a tierra que después de pinturas surrealistas o de mayor fantasía formal me conecta con una “realidad” de formas mas reconocibles y quizás más tranquilizadoras.

De todas formas la Pintura que está más allá de lo que podemos ver no puede ser sólo una mera reproducción de lo que existe, las grandes obras del estilo tienen un enigma, un acertijo formal, es eso que nos transmite o no.

La pintura realista entonces a primera vista nos sumerge en una ensoñación, una situación de engaño, la forma de salir de esta primera impresión es aprender a no ver lo próximo, dejar de ver esa belleza aparente para luego “sentir” lo invisible, esa segunda lectura donde el espectador es activo, reproduce verdaderamente la obra para sí, la entiende, la asimila. Y quizás es en ese diálogo con la obra la única forma de relación profunda con la experiencia pictórica.

Palabras en las pinturas

2007-08-26T12:11:00.001-03:00

"El sillon 5b", acrylic on canvas, 22 x 20 cm. , 2001. Diego Manuel

Las palabras en las pinturas no empezaron con los carteles de publicidad, vienen de una tradición milenaria.

Existe una relación de cada uno con las palabras, una relación personal, una imagen propia atada a cada palabra y frase que escuchamos. Así la importancia del titulo en la obra plástica es determinante. A menudo veo como la gente , y lo veo en mi mismo, se acerca a leer el título de la obra, el titulo me explicará un poco más, ver el título o esta primera “explicación” en la misma obra siempre me ha parecido un paso más, un llamado de atención hacia donde ir, algo como una flecha indicativa. A su vez el juego de esa palabra o palabras con la imagen de la pintura mueve a la imagen y a la palabra del lugar del que estaban antes, definitivamente

Los que producimos imágenes influimos en las imágenes de los demás, en ese archivo de imágenes que es la memoria. La posibilidad de hacer variaciones humorísticas, irónicas, dramáticas de la relación imagen – palabra activa y hace más dinámica esta relación y a la vez la expone.

Tan unido a las palabras y las imágenes entonces el mensaje es directo, más claro y ordena el caos o por lo menos abre una primera puerta del laberinto, un laberinto complejo que en cada persona tiene su propio camino de salida.

Quizás el cuadro contemporáneo más famoso que ilustra este diálogo palabra imagen es el de Magritte: “Esto no es una Pipa” (1928-29).

Allí una representación inconfundible y dibujada con detalle de una pipa es “tachada” con la palabra produciendo esa “vibración” conceptual , como nos dice el artista... si la imagen miente entonces la palabra también.

Ricos y famosos

2007-06-24T19:54:00.001-03:00

"Susana Gimenez ", acrílico , 95 x 62 cm., año 2007

Las imágenes de los famosos, sus vidas idealizadas, íconos repetidos símbolos de la “religión” capitalista e individualista que baña todo el mundo. La gente se fanatiza con ellos , son esa cáscara perfecta . La idea de felicidad elemental, casi animal que representan. La búsqueda de esa perfección material que es el camino a una felicidad llena de goces tiene nuevas imágenes todos los días, imágenes que cada vez se parecen más entre sí, es importante tener mucha presencia en los medios masivos, actores, músicos de Rock o Pop , los presentadores y comentaristas de estas figuras, demás figurantes menores, amantes y familiares son los miembros que repiten a modo de las viejas cortes el Baile de Máscaras que nos toca ver desde la ventanas y por fuera del palacio.

Imágenes dantescas *

2007-05-19T10:37:00.003-03:00

fragmento de "La hoguera de las vanidades ", acrilico sobre tela, 97 x 130 cm., año 2007

En los últimos meses estoy pensando pinturas de escenas corales, son derivadas de pinturas de la serie ciudades, pero en vez de tener protagonismo el paisaje urbano y los ciudadanos sólo "adornan" carreteras y edificios que parecen cobrar vida , en los nuevos cuadros el fondo es un soporte sencillo en perspectiva y el protagonismo es de estos personajes que empiezan a mostrar sus vidas en actos , quizás sus fantasías también.

La primera fue “Antesala del infierno”, dos meses entre bocetos y pintarla, el fondo es verde – azulado , un salón grande verde en perspectiva , allí los personajes rojos , encendidos.

Siguiendo la serie luego pinté “Estantes” y “La hoguera de las vanidades”, misma paleta y escenas que van desarrollándose en temas cada vez más definidos.

Escenas de una vida cualquiera pero todas juntas, como entre sueños conviven en esta incongruencia surrealista personajes místicos, caminantes perdidos, ronda de niñas que juegan, la novia de blanco, chicas que bailan desnudas, parejas que se despiden, enamorados dentro de un frasco en formol, deportistas, amantes, generales estrategas de viejas guerras, mujeres nudistas en una prueba circense. Al final un político, y su discurso para nadie.

*(Dante Aliguieri , Florencia, 1265 – 1321)

La Poesía y la creatividad

2007-02-27T12:23:00.002-03:00

Fragmento de "Bola de fuego 3 ", acrico sobre tela, 95 x 63 cm. 2007

Para la poesía, no solo vale la imaginación, o sea las variantes del discurso, sino que también debes intuir el punto hacia donde ir, más sutil es el artista más oculto está ese punto, en definitiva el poeta “dice”, “transmite” emociones, ideas, con mas o menos imaginación, con más o menos oficio, con muchas palabras, con reducidas palabras, lo importante es decir, y muchas veces decir no esta en llegar a resumir una idea sino en como llegas, y si te conforma como primer espectador el trayecto que has tomado, entonces si no estás conforme bien vale repetir siempre el mismo cuadro, que no es repetir, sino tratar de llegar al discurso ideal.
Esa contradicción que siendo imperfectos busquemos la perfección, que siendo seres finitos busquemos una verdad eterna es lo que nos hace poetas.

Pinturas negras

2007-01-18T12:45:00.001-03:00

Cuando se le saca el ( un poco, color siempre hay) problema del color a la composición, se puede ver con mayor nitidez la gama infinita de formas que se restan o suman a las básicas o puras, todo se puede hacer, la geometría, la esfera, el cono y el cilindro.

Si hay una espiritualidad del arte en el color también lo hay de la forma, a la que se le agrega la memoria de otras formas que cada uno tiene, el misterio asombroso del gusto, me gusta una forma, no me gusta, me es indiferente, la aborrezco, y todo en nuestra memoria, y no hay una receta de la bella forma y si la hay se ha perdido como el santo grial y otras maravillas.

Pinturas negras, algunas más oscuras que otras...

Mística

2006-11-17T11:09:00.002-03:00

Ya había empezado la serie negra cuando mi padre vivía, mi padre no estaba enfermo, su muerte fue una sorpresa, después del desasosiego de una pena profundísima, empezaron a salir obras llenas de personajes imaginarios o ciudades imaginarias, la serie Mística es algo así como el resultado de una búsqueda imaginativa para darle un sentido al sin sentido absoluto.

La imaginación de los escritores y pintores busca una posible salida, una puerta para la pared final del laberinto.

Y describir la verdadera vida que es nuestro pensamiento, los nuevos datos y sensaciones que se agregan a nuestra selectiva memoria y producen emociones.

Todavía no he podido hacer un retrato de él pero de alguna forma está en cientos de cuadros, de lejos o de cerca para decirme algo, sin necesidad de ninguna palabra.

Lo simple es más difícil, la pintura debe sorprender y otras preguntas.

2006-07-21T13:23:00.003-03:00

"flor amor 3",acrílico , 29 x 44 cm. Una pintura simple

En estos días estoy haciendo unas pinturas grandes y complejas , sobre temas místicos y algo surrealistas, quizás estoy descansando de tratar de ser simple. Porque lo simple es más difícil, no trataré de fundamentar esta frase, digamos que es una verdad eterna, digamos que es una idea primaria, como los colores primarios, algo que está antes... A partir de esta idea fundamental sigamos...

Igualmente trataré de explicarme un poco , trataré de que sea simple el discurso también. Creo que es mucho más difícil pintar una sola imagen , simple, que todo una composición compleja , con cientos de detalles. Claro que también hay planteos barrocos desde lo conceptual que hacen ver a cualquier pintura de caballete , hasta la más compleja como de un planteo simple.

En mis obras abstractas y también en las sencillas de la serie “Amor” la idea es llegar a la forma más pura posible, al color más puro y limpio posible, pero también la pintura debe sorprender para que guste para que interese, no solamente la primera vez que la vemos, siempre nos debe dar algo más.

Busco entonces el gusto a veces un poco agridulce de dos ideas juntas:

La “belleza”, concepto que por tan buscado a veces uno se encuentra con lo vulgar u obvio.Y la sorpresa u “originalidad” que también es muy buscada hoy en día, un poco de las dos cosas juntas, pero...¿se puede?, a simple vista las dos búsquedas son opuestas.

Lo que sorprende es algo que todavía no se ha visto y la belleza lleva buscada milenios, hay recetas de la belleza, y academias que nos llevan a la belleza, y realmente la encontramos si seguimos esos caminos?, no nos lleva todo a una repetición?. ¿Por otro lado la búsqueda sin fin de la originalidad, de la sorpresa constante, no se ha establecido como una nueva academia? ¿ también no ha tenido resultados regulares y un cansancio o fracaso de muchas propuestas? ¿El publico que en definitiva es el que pone las cosas en su lugar se ha interesado siempre en estas “nuevas” propuestas? .¿O ha sido en muchos casos un experimento de microclima, una burbuja elitista?

Ahora vemos que se está volviendo a la pintura de caballete, que miles de nuevos artistas eligen los medios tradicionales, ¿ no era que la pintura estaba muerta?, quizás esa vuelta a la simple pintura indique algo: es una vuelta a una necesidad de tener parámetros mas firmes para la creación, los que siempre se usaron, volver a un dialogo con el público, con la herencia de los anteriores artistas, con los grandes maestros.

¿Si por milenios el arte ha sido eso porque ahora va a ser distinto?, en resumen es la búsqueda de hacer algo que no solo se entienda en el presente, también que se pueda entender mil años antes y mil años después, hacer algo eterno, sin tiempo, algo que nos saque de nuestra ruin mortalidad y roce lo divino. Si no es así, entonces para que pintamos?

Fútbol pasión.

2006-06-04T11:31:00.005-03:00

El deporte mas bello quizás por lo impredecible es el fútbol, no es una belleza directa , no por las imágenes del juego sino por lo que es simbólicamente, por lo que provoca en las tribunas , por todo junto y mas que eso.

El campeonato lo gana el gran equipo pero un partido lo puede ganar el equipo más humilde. Vemos muy seguido como equipos con menos recursos diseñan un juego defensivo que puede contra los seleccionados de Brasil o Argentina. Por otro lado existe un código que sobrevuela en los lugares que mejor se juega, como una especie de cofradía de “juego bonito” que a simpatizantes , jugadores y ex jugadores les hace pedir belleza de juego además de ganar el partido, aquí en Argentina también se les llama “hinchas de paladar negro”, estos simpatizantes no solamente piden que la selección gane, también tiene que ser muy superior al rival, tiene que ganar por varios goles y todos ser de jugadas bonitas, los goles de jugadas paradas no sirven o por lo menos tendrían que valer menos, quizás esa discusión entre la belleza de juego y los resultados le agrega un condimento mayor . Porque si Brasil es el gran favorito del Mundial de Alemania no solamente tiene que ganar, sino que para “no traicionar su tradicional juego bonito”, además sus jugadores en los partidos tienen que hacer los mas bellos malabares con la pelota , ganar por varios goles de diferencia.

Quizás eso equilibra un poco las cosas.... , se dice que las gloriosas camisetas pesan mucho, varios kilos simbólicos, y frente a las camisetas que no pesan tanto a veces se ve a los jugadores del equipo pequeño jugar mejor. Entonces, los grandes jugadores lo son por jugar para los grandes equipos, de camisetas pesadas, Boca Juniors, River Plate, Manchester United, El Barcelona o el Real Madrid.

En mi serie de Fútbol quiero retratar algunos de estos personajes, el de la tribuna, el hincha ingenuo, el jugador que es hincha y se desborda en el grito de gol, el estadio todo junto que grita, el numero 10 habilidoso que “la tiene atada”, Maradona y Pelé.

Puedes ver mas pinturas de la serie aquí: http://www.diegomanuel.com.ar/futbol/futbol1/index.html

Pinturas de Tango

2006-05-07T21:19:00.006-03:00

Recuerdo cuando era chico siempre en casa un fondo de radio con música de tango.
Las imágenes de Tango de la TV eran teatrales, algo fingidas, exageradas, los bailarines y los cantores también actuaban un tiempo de recuerdos, algo así como una nostalgia fingida, una tristeza de payaso, que le agregaba a la poesía tanguera un toque de humor irónico.

En las letras de tango la "mina" deja al muchacho de barrio por el "bacán" del centro, y los cantores con muecas de aflicción redondean la triste historia de los perdedores de la gran ciudad.

Trato también de meterme en la relación de los bailarines, imagino miradas de pasión, miradas de enamorados en un lugar sin tiempo.

puedes ver todas las pinturas de tango aquí http://www.diegomanuel.com.ar/tango/tango1/index.html

Ciudades Futuristas

2006-04-30T19:46:00.006-03:00

Mi primera serie de pinturas ha sido la de paisajes urbanos, nacida de dibujos al natural por las calles de La Plata y Buenos Aires, en estos paisajes he ido saltando por distintas influencias, principalmente el Realismo y el Expresionismo.

De esta primera serie nace una serie más imaginativa, que llamo “Ciudades Fantásticas”, de una impronta futurista , hay en estas telas cierto realismo mágico, y surrealismo pop.

Para estas obras ha sido inspirador el cine de ciencia ficción, la lista de las películas es amplia, por ejemplo: “Metrópolis”, “Brazil”, “La guerra de las galaxias”, “Superman”, “Batman”.

También se me ocurre que el deseo de viajar y conocer esos lugares ha provocado la necesidad de estas imágenes.

Las bellas y extravagantes formas de la arquitectura, los puentes y pasajes se complementan con escenas de gente en la calle que frente a los colosos quedan reducidas a pequeñas hormigas, multitudes perdidas en la calle que siguen su vida rutinaria.

personajes surrealistas

2006-04-24T14:51:00.005-03:00

A veces no pienso una pintura en su totalidad sino que invento un personaje en el paisaje que antes sería parte del fondo estático, un edificio, una catedral o un piano que le agrego extremidades y movimientos humanos, algo así como un personaje de dibujos animados en distintas situaciones, en acciones, edificios que bailan, iglesias que caminan por el medio de la calle del pueblo.

Por otro lado en estos paisajes urbanos surrealistas o mágicos la gente que habita en ellos parece no darse cuenta de la situación mágica y excepcional planteada quizás algunos si, pero no se asustan.
De esta forma se divide la imagen en dos tiempos, uno realista y “normal”, otro surrealista y “anormal”, esta división entre la fantasía y la realidad produce cierta vibración, como pasa con los colores opuestos cuando se encuentran por ejemplo el rojo es más rojo cerca del verde y viceversa, resaltan los dos tiempos y se ayudan mutuamente, todo en un claroscuro un poco extraño y que me atrae mucho representar.

Puedes ver más imágenes de estos paisajes surrealistas, aqui: http://www.diegomanuel.com.ar/ciudades/ciudades1/index.html

Bellos Autos

2006-03-28T13:31:00.003-03:00

Este es ser un Cadillac 59 Cadster, acrílico sobre tela, 30 x 20 cm. pintado por mí.

Son tan bellos estos autos de los años 50 y 60, en algunos diseños podemos decir sin equivocarnos que fueron hechos por un escultor expresionista, surrealista, o de cualquier otra vanguardia, las formas , las curvas y contra curvas, todo es voluptuoso , glamoroso y grandilocuente.

Es evidente que los que crearon estas bellezas buscaban algo mas que fabricar un buen auto, hay una necesidad de comunicarse a través de la forma y de los colores , y han fabricado verdaderas esculturas ambulantes.

Puedes ver mas de estas bellas maquinas clásicas aquí: http://www.johndagostinokustomkars.com/showcars.htm

puedes ver también algunas de mis pinturas sobre estos autos , algunos un poco surrealistas aquí: http://www.diegomanuel.com.ar/carrosymotos/carrosymotos1/index.html