Entrevista que me hizo Blas Elem alumno de diseño de la Facultad de Palermo, Buenos Aires, Septiembre de 2022

 Entrevista que me hizo Blas Elem alumno de diseño de la Facultad de Palermo, Buenos Aires, Septiembre de 2022, para un trabajo de la facultad.

ENTREVISTA A DIEGO MANUEL RODRÍGUEZ. ARTISTA CONTEMPORÁNEO.

1-   ¿Cuáles son las principales características de tu obra?

¿Cómo la definirías?

Mi obra puede ser realista y narrativa, abstracta, surrealista, expresionista, también de imágenes pop argentinas. Uso muchas influencias expuestas en la misma organización seriada de mi trabajo.

 Mi idea es crear “un objeto”, la obra es un objeto que esconde preguntas ocultas. Puede ser una pintura, un dibujo, un diseño para ropa, una escultura, pero en definitiva busco hacer una imagen que me sorprenda, y que intuitivamente crea que pueda despertar algo en la otra persona, como en principio me sucede a mí como primer observador.

Uso citas de  la historia del arte, y cualquier otra cosa que me interese, lo nuevo lo antiguo, todo lo meto en una licuadora y hago distintos licuados, distintos preparados, como si estuviera jugando con un juego de química, mezclo lo que me dice la receta y también trato de contradecirla, en  una forma de trabajo muchas veces  experimental.

Mi obra también  se apoya en un sistema de búsquedas seriadas donde trato de profundizar esas búsquedas,  hago  pinturas sobre papel y tela, esculturas de madera, y en los últimos años estoy haciendo arte digital, muy interesante porque facilita mucho el collage, la técnica por excelencia de las vanguardias del siglo 20. A través del collage y el ready made, se puede trazar una línea que une el desarrollo del arte de los últimos 120 años.

 

2-   ¿Cómo, cuándo y dónde fueron tus comienzos con el arte?

 

Mi formación fue en distintas escuelas estatales, la escuela de  Estética, luego el Bachillerato de Bellas Artes de la UNLP y después la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, siempre en La Plata, por ultimo fui al taller del escultor Aurelio Macchi en Buenos Aires. Ya cuando terminé la facultad a los 26 años, empecé a hacer exposiciones, y a través de internet que en ese momento estaba en pañales, empecé a vender regularmente obra, más que nada pinturas, en esos primero años vendía más en Europa y EEUU que en Argentina, ahora esa relación se equilibró y vendo tanto acá como afuera, vendo originales pero también posters, prints, y diseños para ropa.

Hablo del mercado, porque en Argentina, la forma de dedicarte a esto es a través de encontrar mercado, no hay becas de producción  suficientes como en otros países o tipos de trabajo rentado a nivel estatal, o por lo menos no lo hay en suficiente tamaño para que todos podamos usar esos beneficios, eso puede ser algo malo , pero también tiene su lado bueno, porque no nos queda nada más que buscar al público y de alguna forma generarlo, pero bueno también es muy sacrificado cuando  uno no tiene una renta o no se vende regularmente.

 En general si leemos la historia detrás de las grandes figuras del arte hay grandes mecenas, hasta Van Gogh tenía uno, el mecenas es el que apoya tu obra, a veces más que el propio artista, y es el motor para cualquier proyecto de artista. Detrás de todo gran artista podemos ver al Estado, o a una institución, o a  una persona o personas  que lo han apoyado con mucha constancia y dedicación.

 

3-   ¿Te inspirás en alguna vanguardia artística (surrealismo, expresionismo, constructivismo, dadaísmo, cubismo, futurismo) para crear tus obras?

 

Sí, intento usar las imágenes icónicas que generaron las vanguardias, ese material simbólico y metafórico las transformo en herramientas de mi discurso.  No son las únicas imágenes que cito en mis obras, también imágenes populares argentinas,  imágenes repetidas en nuestras retinas que de alguna forma las integro en las composiciones de las obras.

 

¿Sentís que las vanguardias te han influenciado de algún modo?

 

Sí, claro, son grandes referentes para la educación que yo tuve en los años 90, en ese momento eran indiscutidas. Todo estaba bajo la sombra de artistas como Pablo Picasso, Henry Moore, Henri Matisse, Francis Bacon  y muchos otros, eran para nuestros maestros en Argentina poco menos que superhéroes, extraterrestres. Su peso es muy grande para mi generación que veíamos a lo lejos esas obras y esas vidas de película,  impresas en las revistas Viscontea.  También  lo primero que consumimos como arte argentino siempre  fue muy influido por esas estrellas, los post modernos años 90 de la escena porteña, fueron una especie de época manierista, donde se hacían  pastiches de las soluciones de los grandes maestros de las vanguardias, y todavía un poco eso se sigue haciendo.

 

¿Cuáles de ellas se evidencian más en tu obra?

 

Según qué serie, por ejemplo en la serie gente del barrio, la base es  el expresionismo, y tiene  algo de surrealismo, y dadaísmo quizás. En la serie surrealismo pop, obvio que el surrealismo y el pop art.

 En la serie de arte digital, que es la más nueva, y que engloba muchas influencias, en estos últimos meses  creo que estoy haciendo  una especie de “apropiación“ y de “intervención” de mi obra anterior, uso imágenes de mi obra analógica como texturas, y las reciclo a modo de fotomontajes y collages.

 

 

4-   ¿Por qué clasificás a algunas de tus obras como abstracto pop, constructivismo pop, abstracto geométrico y  surrealismo pop?

 

Mi forma de trabajo es mezclar esos movimientos, esos discursos. Lo de clasificar mis obras , es una forma de ingresar en un discurso que tiene que ver más con las palabras, con lo conceptual, aunque sin prescindir de la imagen ni del objeto de arte, mi idea de alguna forma es discutir y reflexionar sobre esas ideas, esos movimientos artísticos no con un ensayo , un escrito,  sino con imágenes, por eso puede pasar que alguien diga que la obra no está bien clasificada, y entonces es por ahí que quiero ir, en la discusión de los estilos , de lo que fueron, de lo que son ahora,  busco entonces caminar por esos márgenes.

 En su momento las vanguardias eran grupos irreconciliables, con teorías sobre el arte  muy definidas, mi idea es discutir esos márgenes, de este modo me interesa relativizar o revisar muchas verdades históricas sobre el arte. No solamente para polemizar o discutir  la teoría, sino también como creador, para ver si se puede encontrar un resquicio de escape hacia algo nuevo.

 

5-   ¿Qué técnicas utilizás? ¿Con cuál te sentís más cómodo?

 

Aunque son muy distintas me siento cómodo con estas que detallo abajo.

 

Dibujo grafito sobre papel: Esta es la base del trabajo en el taller, a partir del dibujo  planifico los cuadros, las esculturas. Es una técnica rápida y se parte de cero, de ahí su gran poder, porque con el dibujo casi siempre es como mejor se enfrenta el lienzo blanco.

 

Pintura acrílica sobre tela o papel: Es la base y técnica de casi toda mi obra, es una forma más  económica de hacer un objeto artístico muy potente. La pintura te da una gran libertad como creador, con unas buenas hojas de papel y acuarelas o lápices de colores se puede hacer obra de calidad de museo. Por eso la pintura nunca va dejar de existir, siempre va haber nuevos pintores. Mi forma de trabajo donde uso mucho la mancha, o me baso en manchar el lienzo para luego encontrar la forma definitiva es muy adaptable a la pintura, más que a cualquier otra técnica. Además la pintura es lo suficientemente rápida de resolución para calmar mi impaciencia para ver rápidos resultados.

 

Escultura de madera policromada: la escultura es lenta, es mas para pensar, sí o sí tenés que esperar semanas o meses para empezar a ver resultados, también que la materia sea dura y noble , que se resista, hace que el trabajo sea muy manual, de fuerza, con muchas herramientas e ingeniosas soluciones, es muy disfrutable hacer escultura, quizás de todas las cosas que hago en el taller es la que más disfruto, porque el tiempo que necesitas para dominar a la materia es también el que te da para pensar.

 

Arte digital: Es una técnica rápida, muy adaptada a la época digital que vivimos, y a la posibilidad de reproducción gráfica o industrial. Para la forma de comercialización de mi obra que está orientada no solamente a vender originales sino que también a vender reproducciones para arte de pared o diseños para ropa, es una técnica perfecta.

 

6-   ¿Qué ideas y conceptos deseás comunicar y compartir?

 

Creo que los artistas tenemos una idea vaga e intuitiva de lo que queremos decir y lo decimos un poco a ciegas, tenemos un lente que hace que nuestra vista sea buena para lo que está muy lejos sobre el horizonte, pero muy mala si queremos describir lo que tenemos cerca, quiero decir que el arte nunca es literal, que tenemos que hacer una imagen que provoque en el espectador una fuerte actividad intelectual, que provoque pensar mucho. La obra siempre se completa en la mente del espectador, y mi interés es hacer una imagen seductora, que penetre en las mentes de los otros y logre reproducirse en cosas inesperadas, eso es apasionante, por eso digo que cuando lo que estoy haciendo me sorprende, me interesa, es porque estoy en el buen camino, es porque es muy posible que cause lo mismo en otras personas.

 

7-   ¿Cómo es tu proceso creativo?

 

Mi proceso creativo es hacer pequeños dibujos en cuadernos , luego paso las imágenes seleccionadas a pinturas sobre papel de 35 x 25 cm, y de esas pinturas nuevamente selecciono imágenes para pasarlas a tela de mayor tamaño, o son insumo para  trabajos digitales.

 

8-   ¿Qué opinas de la pintura actual? ¿Cómo es, de acuerdo a tu punto de vista,  el presente de los artistas plásticos en Argentina?

 

Siempre fue muy difícil ser artista en Argentina, porque como decía antes no hay una decidida ayuda estatal para promover la producción de arte por los artistas, tampoco la idea estratégica de ayudar a crear publico de arte, el centro de una sana escena artística no solo se logra con buenos artistas, es necesario un sistema de varios actores que deben actuar al unísono.

 

Por ejemplo podemos ver un sistema cultural exitoso con el futbol en nuestro país, donde todos los engranajes están aceitados, hay grandes instituciones validadoras como River o Boca, un público masivo, empresas gigantes que actúan alrededor y al final de esa maquinaria se produce grandes jugadores, y grandes espectáculos.

 

Con el arte tendría que intentarse algo parecido, para que luego al final se genere el gran artista, la gran obra, las cosas se pueden planificar, no seamos ingenuos, las grandes escenas artísticas tienen o han tenido una estratégica planificación y estímulo estatal. Repito, no puede haber  grandes artistas sin una gran escena del arte. Puede haber algún eslabón perdido rescatado por otra escena del arte.

 Esto de todas formas se problematizó con la revolución de las comunicaciones, porque hoy en día no hace falta viajar a París  o New York, con internet las escenas artísticas del mundo están comunicadas, o quizás se está convirtiendo todo en una gran escena mundial.

 

9-    ¿Nos podrías compartir algunas impresiones acerca de la gran cantidad de exposiciones que realizaste?

 

Hice muchas exposiciones clásicas  en salones expositores de instituciones, con público presencial, pero también en los últimos años, empecé a hacer también mini exposiciones en una sala de mi propio estudio, orientadas a  las redes. Monto la exposición, y luego tomo registros, fotos y videos para publicaciones en las redes

Hasta ahora la exposición individual más exitosa que tuve, con mucho feedback del público y mucha asistencia tanto en la inauguración como en los días de exposición fue la que hice en el Museo de Arte de La Plata, una exposición muy grande de 42 pinturas de las Series  Gente y Tango, a tres salas, en el Pasaje Dardo Rocha.

Las exposiciones individuales presenciales no son en los últimos años lo que más he trabajado, últimamente he participado en exposiciones  invitado  por distintas curadurías. Los últimos proyectos en los que participé de esta forma fueron uno en El Museo River Plate sobre fútbol, otra en el Memorial de América Latina de San Pablo, Brasil donde participe como artista destacado junto con el acervo de arte popular latinoamericano del centro cultural, y la última en el Centro Cultural Kirchner sobre  arte y  tango, en el marco de MICA, Mercado de Industrias Culturales Argentinas.

 

 

Entrevista que me hizo el artista peruano Lenin Auris . Septiembre de 2022

 Entrevista que me hizo el artista peruano Lenin Auris para su investigación sobre arte y fútbol

 

 ENTREVISTA A DIEGO MANUEL RODRÍGUEZ

 

- Las primeras obras que vi fueron sobre las hinchadas de Gimnasia, River, Boca, la selección… ¿qué ideas expresas al pintarlas? Incluso hay retratos de hinchas anónimos.

 

Sobre la serie El Hincha fueron las primeras, y son derivadas de la serie Fútbol, donde las primeras obras eran jugadas de Clásicos, Boca- River, Independeinte- Racing, Estudiantes- Gimnasia, a modo de  carteles con los  colores de los equipos y sus nombres, con la estética del  afichismo del siglo 19 y 20  y de los firuletes porteños que se hacían a principio de siglo 20 para decorar los tranvías y los ómnibus de Buenos Aires y de otras ciudades. El llamado vulgarmente “Firulete”  eran como una especie de adornos sobre las letras de los carteles, lo hacían los letristas y se puede decir que fue un antecedente lejano del graffiti.

Mi  idea era unir todo eso, afiches, firulete porteño, fútbol, luego se me ocurrió retratar las tribunas.

Lo de las tribunas tiene que ver con una continuación de las obras abstractas geométricas en la composición de repetición rítmica y a eso agregarle la tribuna, la participación de la gente que  en Argentina tiene su folklore, su historia aparte.

 Lo de los retratos de hinchas anónimos se me ocurrió de una derivación de retratos de la pintura romana de Egipto, que son muy bellos, esos retratos antiguos con gente que parece casi respirar me dieron la idea de retratar las personas anónimas. Es un tema que quizás lo retome pronto, el de hacer retratos de hinchas anónimos.

 

- Quería saber cuándo fue la primera vez que te diste cuenta de que te ibas a dedicar a esta actividad. En qué momento descubriste eso.

 

No lo descubrí yo, primero era una gran deuda pendiente de mi madre, ella me contagió ese anhelo, el de hacer cosas que tienen que ver con lo artístico, luego en la facultad un gran profesor y escultor, Rubén Elósegui me dio ánimo para ser artista, se puede decir que me contagié de su pasión, de su amor por esta actividad.

 Uno no es artista uno lo intenta todos los días, artista luego te lo reconocen los demás, tarde o temprano o nunca, es una gran apuesta esta carrera, es parecido a poner todas las fichas a un número, como en la vida en general con las grandes decisiones arriesgadas que todos alguna vez tomamos, más si no somos de una familia que se dedique a esta actividad y somos de clase media en Sudamérica. También en un país como Argentina con sus continuas crisis, tampoco está claro que actividad seguir, ese caos surrealista a veces es tierra fértil para que uno se dedique a algo tan irracional y romántico. De todas formas yo también tengo mi red, soy además profesor de arte en nivel secundario, y durante todos estos años siempre mantuve activas algunas horas  de profesor también.

 

- ¿Cuánto influyó la época en qué te iniciaste como artista, se podría decir supongo que ese momento te reveló muchas cosas?

 

Fue en los 90, era un tiempo difícil para la pintura y la escultura, porque estaba muy de moda el neo dadaísmo, y el arte conceptual en Buenos Aires, entonces para los que pintábamos y queríamos hacer algo con aire argentino, éramos discriminados para los programadores de los museos y centros culturales de esa época, que con una visión muy corta alentaban todo lo parecido a lo que pasaba en los grandes centros mundiales del arte, New York, Londres.

 

 Era un tiempo difícil, pero pronto vi que la solución a largo plazo estaba en internet, y después de armar mi página pronto empecé a vender mi obra directamente de mi web como artista independiente. Eran tiempos pre Facebook, hoy en día muchos años han pasado, y  ya todo lo que no rebota en la redes tiende a caer en una peligrosa invisibilidad e intrascendencia,  esto aceleradamente  está cambiando los centros de validación tradicionales, ya no es tan fácil seguir el capricho de una minoría, porque está el peligro de desaparecer a los ojos de las nuevas generaciones, las redes son una revolución en la humanidad,  como lo fue  el invento de la imprenta, pero  multiplicado por mil.

Yo eso lo vi desde el principio, toda mi carrera desde mediados de los 90 siempre fue apostar a internet y a un mercado mundial.

 

- Cómo o por qué decidiste transformar hechos cotidianos en materia prima para tu obra.

 

Es el ingrediente más importante en mi trabajo, no lo son los libros, ni el arte mismo, la carga fundamental en la creación es mi vida,  retrato a gente o situaciones  que pasaron por mi vida, por mi historia,  ahora no voy a ver futbol a la cancha, pero iba mucho con mi padre de niño, y era el ser más feliz de mundo, yo tenía alrededor de  12 años , íbamos todas la semanas a la vieja cancha de gimnasia de tablones de madera, mi padre conocía a todo el mundo de la popular, era un tiempo sin barras bravas, todos saludaban a papá, como pasa con todo los niños mi papá era Supermán para mi, después comíamos  hamburguesas o choripanes de parado en la calle, con el hambre de horas de estar viendo el partido, las hamburguesas más ricas que comí en mi vida.

Las emociones que tengo en mi memoria  son  el ingrediente principal de mis cuadros.

 

- ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Cómo empiezas a imaginar eso que se convertirá en una pintura o escultura?

 

Mi proceso creo que es en una  forma inconsciente contar momentos importantes de mi vida,  felices o dramáticos.

 Mandar un mensaje a través de las imágenes y que le llegue al público es caminar por ese cable de lo emocional, tratar de que esa imagen active en el otro alguna  emotividad parecida a la tuya, es muy importante las emociones en la transmisión de un mensaje,  sino a la otra persona no le llega nada, el arte es en gran medida manejar esas teclas que movilicen a los demás. Algo absolutamente intelectual pero sin ninguna emotividad no logrará  entrar en las cabezas de los demás.

 

- ¿Cómo se desarrolla en ti la pasión por el fútbol?

 

Bueno no sé si yo tengo pasión por el futbol, reconozco en el fútbol una actividad cultural de mucha fuerza en Argentina, y tomo esas imágenes que están en la cabeza de todos como material de trabajo. En toda la serie costumbres argentinas, la histórica, la de fútbol , la de tango, es un poco buscar un género argentino, como el western para los estadounidenses, la idea es encontrar ese tema común de una sociedad que se vuelva un tópico, un género, y así intentar crear un lenguaje.

 

- ¿Juegas al fútbol?

 

No, muy poco, tiro buenos tiros libres como todos, con cierta exactitud, pero eso no es jugar bien, fui un jugador de básquet en la liga amateur de La Plata, hasta que me lo permitió la Facultad y mi rendimiento muy irregular, pero me sirvió para cuando tengo que describir las jugadas de futbol, el Básquet tiene mucho de parecido, es un deporte de contacto y hay muchas jugadas que son parecidas.

 

- Fuera del contexto de la pandemia, ¿vas comúnmente al estadio?

 

No , no voy al estadio, suelo escuchar los grandes partidos cuando transmite el relator  Victor Hugo , y luego veo los goles. En estos meses le prometí a mi hijo de 13 llevarlo a la cancha, y ahí volveré.

 

- ¿El arte pertenece al reino de lo intelectual o al de lo popular?

 

Muy buena pregunta, pertenece a los dos reinos, como la geometría o la perspectiva son herramientas no de creación sino de corrección del dibujo, creo que las teorías intelectuales nos pueden corregir después de que hicimos la obra, o nos pueden explicar, pero mientras estamos haciendo , estamos un poco a ciegas, como vislumbrando el futuro, el artista ve el horizonte, no lo que está cerca, es como ir por un bosque con una pequeña brújula que marca el norte y solo saber que hay que ir hacia el norte, pero luego nos encontramos con los peores obstáculos,  el arte es la imaginación y la destreza que puedas tener para que no te pierdas en el bosque o que un precipicio te deje inmóvil mucho tiempo. Estar inmóvil en el arte es no crear o repetirse mucho.

Hay críticos de arte y teorizadores que dentro del terreno de las palabras te van a ganar cualquier discusión. Desde el renacimiento la palabra es fundamental en el arte  pero luego y finalmente las artes son de las imágenes,  una teoría muy cerrada y concluyente de hoy puede ser derribada en el futuro, mientras que una gran imagen que es trascendente, por generaciones va a perdurar, y en todo caso será rescatada nuevamente por un nueva teoría  intelectual, un nuevo público, una nueva palabra.

 

- ¿Diría que existe un prejuicio a la hora de retratar fútbol en el arte?

 

Puede ser , algunos temas y algunas formas de expresión suelen ser discriminadas, pero es un poco nuestro camino desafiar el sentido común siempre, lo común es lo vulgar, y el arte tiene que ser maravilloso, único, nunca vulgar.

 

- ¿Cuáles son tus principales referencias artísticas?

 

Muchas y las que todos tenemos, no podría hacer una lista sin olvidarme de muchos importantes, lo intento:

 

Picasso, Dalí, el surrealismo latinoamericano, Diego Rivera y los muralistas mexicanos, Frida Kalho, los pintores populares argentinos como Quinquela Martín, Florencio Molina Campos, Xul Solar, Cándido López.  Andy Warhol , el arte Pop en general, las vanguardias.   

El Dadaísmo, el Neo Dadaísmo y el arte conceptual, quizás como contrincantes de la pintura son los que más me han servido en el sentido de mostrarme que hay que ser libre todo lo que podamos, que en el taller  todo es posible , que para ser artistas tenemos que romper todas las ataduras y quemar todas las academias y fórmulas.

Después continuamente descubro un sinfín de artistas por internet, la lista es innumerable.

 

- ¿Por qué pintar al fútbol?

 

Yo no pinto al fútbol pinto la cultura del país, tratando de hacer un arte con olor a lo argentino describo algo que es único , lo que pasa en nuestros estadios dentro y fuera de la cancha, y es algo que está vivo, no es algo del pasado, es algo que está ahora en continuo cambio, y que respira salud.

Lo mismo es retratar al barrio, es retratar algo que está vivo, que es diferente a hace dos años y a la vez son imágenes eternas.

 

- ¿Son muchos los artistas plásticos que se toman como parte importante de su temática al fútbol?

Es cierto, hay pocos que lo hagan en forma sistemática o con una serie de muchas obras como hago yo. Pero bueno es mi forma de trabajar, yo realizo muchos temas en series, y profundizo esas búsquedas a largo plazo, mi forma de trabajo es desde el centro de una idea ir explorando hacia todas las direcciones posibles.

 

- Con todo lo que está pasando, ¿tú crees que el hincha está destinado a irse del estadio?  

 

No, para nada, todo lo contrario, cada vez más se hacen estadios  grandiosos, bellísimos, en todo el planeta. Estar presente en el estadio es inigualable.

 

- ¿Cómo ves la relación de la pintura de fútbol ante la sobre abundancia de imágenes de fútbol, en un mundo en que se registran desde los torneos de barrios hasta los de élite mundial?

 

Hay muchas imágenes pero sin dirección, sin mensaje, desordenadas, el artista entonces elije la imagen que es potente, que dice, esa imagen que es grande y se verá por sobre las demás, como un ombú en el horizonte de la pampa, eso es lo que tenemos que encontrar.

 

- ¿Cómo ves la reacción del público con respecto a tu pintura con temática de fútbol con respecto a otros temas que también desarrollas?

Por esta serie me han hecho reportajes, me han llamado a participar en exposiciones, y creo que me va a dar mucho más.

 Igualmente todas las series tienen su público,  desde el principio de mi carrera fue así. Cuando creo que hay una serie que es la que más interesa al público y se despega de las otras, resulta que aparece alguien nuevo  que se interesa por otra.

Era Digital.

Todo soporte del arte en definitiva terminará siendo digital.  

La virtualidad digital poco a poco va absorbiendo todo . Hoy es tan importante existir en ese mundo , ser visibles en él, a menudo vemos por ejemplo hasta en una fiesta maravillosa o en un paseo de bellísimos paisajes naturales , que la gente igualmente necesita todo el tiempo  estar conectados con ese mundo. Ya nuestras cabezas se han ampliado irreversiblemente  hacia la virtualidad digital,  tanto que  cuando no estamos conectados sentimos una sensación de ceguera digital, de que se ha apagado la luz y no podemos ver bien a nuestro alrededor.

En este nuevo mundo digital , que  es tan real como el  analógico en nuestras cabezas, en el Arte de alguna forma se diluyen los viejos contornos de los objetos y de las obras y el concepto de posesión de bienes , porque la necesidad de colaboración cultural global sin jerarquías,  de comunicación facil , constante  y horizontal entre las masas de publico  es mas valiosa que el concepto de validación de información  y mediación de las antiguas instituciones , medios de comunicación analógicos, academias, museos, galerías, ya la información no se filtra y jerarquiza en ellas, o cada vez menos, porque no hay tiempo, porque la necesidad de comunicarnos y de mantener esa intensidad es hipnótica, nos llena todo el tiempo, ya es imposible volver atrás.

Se puede ver entonces un empoderamiento de la gente que esta cambiando la forma de relación del  publico con la obra de arte. Reemplazando ese vacío de poder por necesidad  el publico está aprendiendo a ser un inmediato  actor cultural decisivo, decide sobre jerarquías de las obras e indirectamente también en la creación misma de ellas.

Un adelanto tecnológico que perfeccionó nuestra comunicación en muchas dimensiones entonces está provocando un verdadero cambio de era. 

 El medio , el soporte definitivo sobre donde hacemos arte es digital y este cambio técnico, en sí mismo está cambiando todo, modificando contenidos , intenciones, y los lugares simbólicos que tienen las obras, los nombres, las escuelas artísticas, dentro del nuevo cosmos digital todo se vuelve menos solido, se diluye, se parte y se comparte.

Todavía muchos hacemos nuestro arte sobre tela como si nuestro plan principal es hacer una exposición en una sala para un publico presente, o todavía se hacen películas pensando en que se va a ver principalmente en salas de cine, o se escribe novelas pensando en venderlas impresas en libros de papel en librerías, pero cada vez es menos real este horizonte, porque los lugares mas potentes para mostrar estas creaciones cada vez mas son lugares digitales , todos de libre uso.

Los continuos cambios de las redes digitales, y el surgimiento de gigantes emporios privados que parecen fortalecer el viejo mundo , en realidad no han podido torcer la idea de colaboración horizontal , estas empresas se han erigido dentro de la lógica de ser  mejores soportes de comunicación , son nuevas autopistas digitales, dan soluciones a necesidades de comunicación entre el mundo solido analógico y el ingrávido digital, pero aún así no  han podido ni pueden cambiar  el sentido de la corriente de la historia , no han podido volver a la estructura piramidal de intercambio cultural  de antes , no han podido cambiar el sentido de intercambio horizontal de la cultura de la era digital.

El viejo mundo lucha por permanecer, y el viejo sistema hace intentos y llamados al viejo orden, vemos entonces como los objetos analógicos se apuntalan grotescamente con subastas astronómicas y ridículas de dinero, un cuadro a doscientos millones, a trecientos millones. Pero luego en minutos estos hechos quizás de disciplina y jerarquización de tiempos anteriores de la cultura se diluyen. Se desdibujan sus perfiles, como un castillo de arena atacado por el mar digital. Y la pirámide se vuelve a aplanar , se desintegra en millones de partículas, todo se vuelve arena digital.

Con las redes digitales el mundo cambió, el orden antes piramidal se está aplanando , convertido en colaboración horizontal , sin jerarquías o con nuevas surgidas de la comunicación horizontal, y todo lo que se quiera hacer para moderar este cambio, todos los diques regulatorios que se quieren montar pronto son sobrepasados, por un mundo que solo puede ir hacia adelante.

La posibilidad de infinita reproducción digital esta convirtiendo en obsoleto al viejo mundo de intercambios culturales analógicos, las nuevas generaciones buscan directamente en la red los contenidos, sin mediaciones de ningún tipo, o con nuevas mediaciones dinámicas surgidas desde la misma horizontalidad de la red. En realidad a los que vivimos gran parte de nuestra vida en el mundo analógico sólo nos contiene esa memoria, esa costumbre, pero para las nuevas generaciones que nacieron en la era digital, ya esta todo resuelto, no hay ninguna duda.

Desde la invención de la escritura nunca como hasta ahora un invento técnico de reproducción de ideas ha sido en tal medida radicalmente revolucionario. Vertiginosamente están cambiando las reglas de juego de creación cultural y es inmanejable para los poderes establecidos.

La importancia del público

El arte trascendente siempre es el resultado del esfuerzo conjunto de la sociedad.

El arte cumple varias funciones , es un mensaje de un pueblo  sobre su presente  hacia el futuro y también es un imprescindible  dialogo con su pasado, con sus orígenes. De esta forma una sociedad reafirma su identidad,  lo simbólico que une las fibras profundas del pensamiento de cada uno de nosotros .

El desarrollo  de una cultura compleja y elevada,   es base de todo lo demás, y desde allí se puede crecer, se puede soñar con un futuro sin limites.

En este sentido cuidar y desarrollar nuestra cultura  es  esencial, porque es ese territorio simbólico común la sustancia que une a la sociedades, desarma falsos antagonismos, crea la necesidad de defender y hacer crecer esa riqueza imprescindible que es la de tener una cultura propia , sentir que nos pertenece y que es importante para nuestra vida en común.

 El desarrollo propio de La ciencia y el arte  son la base de industrias innovadoras  y de riqueza por supuesto pero mas importante es que en principio crea la base de las grandes naciones, porque además fomenta una sociedad orgullosa de si misma, donde  cada ciudadano es una célula importante.

En el bienestar de un pueblo instruido, con necesidades básicas resueltas, con tiempo para pensar, para desarrollar vocaciones culturales,  a largo plazo producirá  la creación de un publico masivo de arte.

El publico instruido será la usina donde indirectamente  se fabrique un arte nuevo para una nueva sociedad, elegirá, seleccionará y producirá directa e indirectamente  cultura .
Lograr que toda la población tenga una adecuada instrucción básica artística, excedentes de posibilidades económicas y de tiempo y que eso se suceda en varias generaciones creará la costumbre de la participación e interés del publico en  las artes, y  en la alta cultura en general.

En un país donde no hay interés popular por el arte , las becas, premios , subsidios , lugares en las cátedras de las escuelas de arte, estar en el reducido staff de galerías comerciales,  pasan equívocamente a ser validaciones de carreras artísticas. Pero la historia nos dice  que la verdadera y permanente validación de una carrera de arte va a ser siempre dada directamente por el público y no por grandes trayectorias , galardones o premios, Los grandes nombres del arte a la larga son los que han creado  las obras mas populares.

 Hoy la posibilidad de participación en las redes le han quitado el intermediario institucional a ese dialogo buscado entre obra y público. Las redes le han dado visibilidad a  la producción de un sinnúmero de artistas, sin pasar por el tamiz de la galería mainstream, validados por instituciones oficiales o no los artistas  pueden ser reconocidos directamente por la definitiva palabra de la gente.

 Antes de las redes fueron las paredes del arte callejero, o  lugares  improvisados para exposición, los lugares donde  el arte luchaba  por tener visibilidad.  Ahora a través de Instagram u otra plataforma es posible entrar al taller de los artistas y dar nuestro parecer , apoyar lo que nos gusta, o lo que nos parece interesante, trascendente.

Este es el camino,   democratizar más y más  la cultura, abrirla a la participación popular, cuanto mas  lecturas haya, mas compleja y profunda  se vuelve la obra.

"Fiesta en la calle  ", acrylic on canvas, 75 x 100 cm. 2000

Pintar retratos de Frida Kahlo

Desarrollo mi trabajo en  series temáticas, elijo imágenes  que me inquietan o que me plantean puntos de partida para pensar nuevas ideas. La series pueden ser descriptivas y costumbristas, como la serie “Gente del barrio” o “Fútbol”, formalistas como la serie “Abstracto Pop” o espirituales como la serie “Simbolista“ o “Retratos”

Cuando pinto retratos de creadores, pintores, músicos, escritores, en principio busco un personaje de la historia  que encarne esa gran decisión romántica  de dedicarle la vida al Arte.

 En este sentido la figura de Frida Kahlo  es especial y una gran inspiración. Fue una mujer libre y apasionada, que con valentía rompió con todos los estereotipos culturales de su tiempo.

Fue  una artista de vanguardia y a  la vez ella amaba profundamente las  raíces culturales de México.

Frida se retrató en casi todas sus obras, hacer su retrato  también es una cita de su obra artística que  mostrando el interior de su vida, sus deseos y secretos, logró ser universal.

Frida Kahlo 1 , acrílico sobre papel, 25 x 35 cm. 2018

La validación

Las carreras y los   nombres en el arte se construyen en principio dentro de una estructura de validaciones dadas por sujetos de validación, determinados: institutos de arte, academias, concursos, críticos, teóricos, curadores.  Digamos que parta entrar a un castillo amurallado, alguien tiene que abrirte la puerta.  Con esta mágica defensa de repeticiones de sentido, se fabrican verdades incuestionables  que solamente pueden ser  cuestionadas por la próxima generación, que posiblemente luego montará su propio castillo.  En este juego de bailes cortesanos los bailarines exageradamente festejados pueden en un futuro ser olvidados y tapados por los nuevos hallazgos. Con el tiempo  se se va perdiendo en el desagüe de la pileta toda esa espuman de obra de moda , y de a apoco surgen obras mas serias , mas fuertes, mas influyentes.

Con la llegada de  las nuevas generaciones  el arte que está en las vidrieras  siempre está bajo amenaza, pero ahora la inmediata comunicación sin intermediarios  de las redes han empoderado a un publico nunca antes  tan masivo que aprende rápido, y esto está provocado un profundo cambio de juego. Con su propia lógica colaborativa la redes  ponen en cuestionamiento el anterior y viejo  tejido de validación de las carreras y nombres del Arte. El publico de antes que iba mudo por un camino trazado y dirigido al museo o a la galería de moda, ahora es un publico activo con voz y voto, puede decidir otros caminos , puede opinar , y con un clic de su dispositivo subir o bajar carreras artísticas. Siempre hay intentos de que las viejas estructuras entren a las redes para recuperar su lugar, pero cuando  parece que esto definitivamente va a pasar y se restituyan antiguos órdenes, luego pronto las redes parecen resistirse, con su lógica  de colaboración horizontal.

Siempre a la larga  el público decidirá que obra es la más sólida, la que menos envejece, pero nunca como ahora este poder lo tiene desde un principio, sin intermediaciones . Lo que antes era una   habitación a oscuras donde solo podíamos caminar y ver por donde nos guiaba  un apuntador con su linterna, ahora con las ventanas abiertas es una gran  sala llena de aire y luz donde tenemos la libertad de  ver y caminar hacia donde queramos.

Mona Lisa

 Leonardo fue el hombre del Renacimiento, inventor visionario, ingeniero prodigioso, y como artista también un adelantado.

En la pintura , el artista sabe que ser pintor es más que todo manejar imágenes que a su vez crean conceptos multidireccionales y multi interpretativos , hacia la realidad por supuesto del presente, pero también con una mirada hacia la historia, hacia el pasado, y con esta última mirada, muchas veces el Arte en su mundo de imágenes crea  un espejo, y allí podemos ver  una visión del futuro.

Leonardo con el sfumato y el sutil manejo del color recrea lo que el ojo humano hace al enfocar un objeto y desenfocar lo demás, y con el uso de otra técnica de dibujo, la perspectiva ,agranda las manos de la Gioconda para con esa exageración dar otro indicio de espacio. Trata entonces de  recrear en una tabla, en  dos dimensiones , lo que sucede en tres dimensiones, más el tiempo.

Hablemos del tiempo. La perspectiva trata de reproducir las deformaciones de los objetos que  nuestro cerebro  lee como   espacio tridimensional y esa lectura del espacio , que en el dibujo se muestra como un comprimido listo para consumir también nos da una sensación de tiempo. Con el sfumato construye ese resultado de como  nuestros ojos  enfocan los objetos y de esa forma también miden el espacio, y cuando enfocan algo no solo miden espacio sino que nuestro cerebro guarda en la memoria  la sensación de un  breve  tiempo transcurrido, de vivir un pequeño lapso de tiempo.

El gran artista, el gran ilusionista,  construye con esa imágen un verdadero artefacto mágico con herramientas bien aceitadas que reconstruyen en nuestro cerebro  la sensación de estar viendo a través de una ventana cosas que por una pequeño momento relativo ¡existen!, que parecen  moverse, respirar. Hasta algunos dicen , que pueden ver o mejor sentir como  la mujer del retrato, la Mona Lisa.  mueve sus ojos para ella también enfocarnos.

Así  a las dos dimensiones de la tabla le agrega dos más.

En este cuadro además  podemos ver los inicios técnicos que luego de siglos desarrollaron nuevas  artes, invenciones y máquinas que hoy existen: la fotografía, el cine, la televisión, las pantallas 3d, y en el futuro quizás más cosas asombrosas, todas cubriendo y desarrollando una necesidad nuestra   de resumir la realidad, y así tratar de comprenderla simplificando su complejidad , en este caso en un plano, en sólo dos dimensiones.

Vemos también en esta increíble obra como Leonardo nos está diciendo hacia donde iba  ir el arte occidental y ya podemos decir mundial, que era un camino a veces vacilante a veces exageradamente rápido, desde el oficio medieval hacia la intelectualización total del artista. En este cuadro vemos la intención de agregar al arte estudios de la Anatomía, de Física,  juntar el Arte con la Ciencia.  Esa necesidad de ir más allá de lo que vemos, una investigación paralela por fuera del arte y que luego se amalgama con la Poesía, sin duda es una primigenia actitud vanguardista.

La primera Vanguardia del siglo 20 para mi fue el Impresionismo que como toda Vanguardia estuvo adelantada , porque su temporalidad en realidad es del siglo 19, digo la primera porque esa búsqueda de novedad revolucionaria o por lo menos el planteo o intención , sumado al cambio formal radical, fue  repetida por todas las demás, también el hecho de tomar y basarse en teorías y descubrimientos por fuera de la pintura, no siempre de la ciencias, también de otras artes como la danza, el teatro, la escenografía, la arquitectura, digamos, todo.

Como Leonardo con la Mona Lisa los impresionistas plantearon una ruptura radical con lo anterior, que fue agregar a todo lo que ya venía haciéndose, en este caso al Romanticismo y al Realismo , una solución técnica visual que procedía de fuera del arte. Los impresionistas transformaron el uso del color y al dibujo con procedimientos que trataron de asimilar   descubrimientos científicos de la Física de la luz , en suma trataron de entender  la realidad más allá de los limites del oficio, y de los ojos.
La pintura no se ve , se piensa. Trataron de provocar, de sintetizar en la tela realmente lo que sentimos lo que vivimos al ver algo un objeto o un paisaje,  lo que sentimos que la luz  produce en los objetos , como los descompone, los deforma, los construye y destruye constantemente. Recrear entonces una imágen que llegue nítidamente  a nuestro cerebro  intentando que se repitan sensaciones espaciales , de como con el color y la luz de alguna forma traspasamos los objetos, como si tuviéramos rayos en los ojos, y junto con ello como en el cuadro de Da Vinci llegan a nosotros  también  sensaciones de temporalidad, una imagen que nos transporta por un momento a estar "viviendo" dentro de la escena del cuadro  , y que luego como un eco se repetirá en nuestra memoria. .

El peso de la palabra

La palabra y la imágen siempre estuvieron unidas, leemos una palabra o una frase e inmediatamente vienen imágenes a la mente, y cuando vemos una imágen lo mismo, pronunciamos una palabra o varias en una frase.


Desde el comienzo  el arte visual siempre fue conceptual, ya lo decía el gran maestro Leonardo "La pintura es cosa mental", porque la producción de discursos con  imágenes siempre fue y será una construcción de conceptos , una abstracción. El lenguaje visual como todo lenguaje es una simplificación de la realidad y nos ayuda a comprenderla.


El Arte Conceptual propiamente dicho, el que nace de la teoría dadaísta,  es posible que sea  un paso más allá en la intelectualización del arte.  Para el artista conceptual puro , la idea ,  escrita en un papelito sin importancia que es el objeto o la imagen  que la transporta , es la que realmente le dará forma a un objeto de arte siempre imaginario, es como si la palabra pasara por una décima de segundo a ser imágen en un objeto artístico y pronto volviera a su estuche prefecto conceptual, a ser otra vez palabra.
Como la imagen siempre es potente y compleja y no puede reducirse tan facilmente , luego con el tiempo el experimental camino del arte conceptual se tornó un transitado camino , demasiado previsible, y se fue convirtiendo algo así como un nuevo género artístico, como pueden ser el bodegón , el desnudo, o el lowbrow.


Los estilos o los movimientos modernos, se vuelven postmodernos rápidamente en nuestro universo manierista contemporáneo. Con su uso recurrente se vuelven géneros artísticos.
Veo hoy como los artistas tomamos todo y lo mezclamos , como en el Almuerzo sobre la hierba  de Édouard Manet, donde habitan juntos varios géneros, el desnudo, el retrato, el paisaje, el bodegón, podemos ver en una obra de los últimos años varias vanguardias juntas y estilos clásicos todos en una ensalada llena de citas artísticas.


El arte conceptual neodadá no le ha podido ganar a la pintura o escultura tradicional , pero en esa lucha, que no es otra que la lucha entre las palabras y las imágenes, las artes tradicionales se han necesariamente  reconvertido , como suele pasar cuando ganar nítidamente no es posible, los contendientes se han mezclado con sus oponentes.  Las imágenes sea fotográficas, pintadas o tridimensionales hoy se entienden de otra  forma, y nosotros junto con las imágenes hemos cambiado también, los artistas trabajamos con mucha menos ingenuidad con las imágenes, somo menos productores de imágenes, menos imagineros y más productores de ideas, de conceptos artísticos , aunque después las pintamos o las esculpimos.


Quizás porque en algún momento parecía que la pintura estaba al borde de la muerte, que los pintores estábamos destinados a convertirnos en cultores de una lengua muerta, eso hizo que rápidamente tuviéramos que dejar nuestro lugar de confort de imagineros,  y así perfilar más las ideas.

Porque hoy  la palabra  es mas importante que nunca.

La creatividad del público

Cuando elegimos a un artista , vamos  a su exposición o a su Instagram, también elegimos una estética, una imagen. Elegimos formas y como están equilibradas, en esencia hacemos lo mismo que hace el artista, que también a cada minuto elige una estética, una imagen, formas y como las ubica en la tela.

En general en la escuela primaria como en la secundaria se enseña a los alumnos técnicas y ejercicios de cómo ser artista pero muy poco de como ser público, muchos  ejercicios de técnicas y composición y muy poco de historia del arte y análisis de obra, de alguna forma el mensaje es que sólo se puede ser creativo desde la mirada del artista o produciendo arte y eso es una gran error , digamos un múltiple error.

De esta forma se debilita al componente más importante de la cultura y del arte, que es el lector, el público, que para un arte libre y sano es el componente fundamental, porque solo habrá un arte potente e influyente, cuando haya un publico activo, que con su apoyo y elección,  de alguna forma coproduce con los artistas.

Podemos ver cómo mucha gente  cuando siente que necesita conectarse con las artes plásticas, quizás rememorando lejanas escenas de las clases de plástica en escuela primaria, busca rápido un taller para ella misma producir arte, cuando lo mas sensato sería elegir un artista y contemplar su obra. Como haríamos con la literatura que elegimos un buen libro o con la música que directamente la escuchamos, no se nos ocurre en vez de leer a Cortázar meternos en un taller literario y escribir un cuento de Cortázar, o en vez de escuchar temas de los Beatles ir a un profesor de música para componer como Paul McCartney.

La creatividad la tenemos todos y sí, también está bueno ir a cursos que nos perfeccionen como público, cursos de historia del arte, compresión de obra , o también talleres de pintura , claro, pero lo fundamental es ir a las exposiciones, a los museos, a la web si la obra está a miles de kilómetros, ver obras , ver mucho, no hay mejor cosa para afinar el gusto visual, es igual que con lo demás, si leo mucho, buena literatura,  después de un tiempo no voy a resistir a la mediocre. 

De a poco voy  elegir mejor cada vez que ver, a que exposición ir. Ver mucho y mucho más y como el artista en su taller , mucha confianza en si mismo, confiar en el propio gusto, que con el tiempo se irá depurando y así podremos ver con un solo golpe de ojos qué es bueno, qué es sensacional, qué ya no nos gusta, qué nos explota la cabeza, sin necesidad de ver la firma.

El mecenas

El papa Julio II (aquí retratado por Rafael)

Cuando el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel pintar la bóveda de la capilla Sixtina, imagino que  lo último que hablaron fue de los honorarios y los costos, no había para esa obra mejor  mecenas  que el Papa ni otro artista en el mundo. Los dos hicieron un gran trabajo, y así se hace la historia.

El mecenas es el alter ego del artista, es alguien que esta al lado del artista, que ama la obra del artista  tanto o más que el propio artista. Y como todo amor verdadero, no adquirirá  obras para esconderlas sino por el contrario será un activo promotor de esa obra, para que sea admirada y conocida por más y más personas, porque  el arte no está en las obras sino en las  retinas, y las cabezas de la gente.

Se necesita de un mecenas, que no solo piense en ayudar económicamente al artista sino más que nada que ayude a la obra en su producción, resguardo y promoción. Además un verdadero mecenas es el que de alguna forma guía al artista, y lo ayudará a enfocarse para clarificar su mensaje y su obra.

Un artista en esencia es un investigador y un desarrollador de alta cultura. Y desarrollar la cultura lo es todo para una sociedad.

Un país desarrollado sólo en su economía y con una cultura débil a la larga también fracasará en lo económico y en todo lo demás, por falta de innovación, por falta de empuje moral.  Y viceversa, desarrollar la cultura requiere de muchos recursos económicos y esfuerzos morales, entonces sólo podrá hacerlo un país con una economía fuerte, y con una población decidida y desarrollada, una población militante de la cultura , es decir que disponga y decida tener tranquilidad y tiempo para pensar, para desarrollar su inteligencia, su humanidad. El gran arte es un logro grupal. no lo hará sólo el artista ni será sólo para el coleccionista, lo ideal es que sea para toda la sociedad, la civilización será un logro de todos. Es por todo esto que hoy en día se puede decir que en las Naciones donde los Estados andan bien el principal mecenas siempre es Estado.

Hoy podemos ver las más grandes colecciones de arte en los lugares que estos mecenas particulares o  Estados mecenas   eligieron para que por generaciones puedan ser admiradas y re elaboradas con nuevas obras y nuevas miradas.

En tiempos de paz y no tanto, reyes y grandes señores pasaron a la inmortalidad de la historia, siempre más por la inspirada actitud de  apoyar  a los artistas , que por sus aciertos empresariales o políticos circunstanciales.

 Apoyar al Arte es  una empresa a largo plazo y para siempre, como las antiguas catedrales construir la civilización es un esfuerzo de muchas generaciones, un noble intento de la humanidad .

Fútbol y Arte. Nota en la Revista El Gráfico

Nota "Fútbol y Arte", del Revista El Gráfico, de Buenos Aires escrita por Alejandro Duchini.

 Aquí el periodista escribe sobre el arte y los artistas que ilustraron e  ilustran este deporte en general, luego me presenta como artista que sigue esta temática, muestra obras de mi serie Fútbol y cosas que pienso sobre el arte, y mis intenciones al hacer las pinturas futboleras.

La nota aparece en el número de febrero 2017 (Edición 4478). 

Extracto de la nota:

Artista plástico, escultor y pintor argentino, Diego Manuel Rodríguez ilustró playas, ciudades, escenas románticas y artistas populares como Mick Jagger, el Che Guevara, Gustavo Ceratti, Evita, Charly García, Andrés Calamaro y, sobre todo, Lionel Messi y Diego Maradona. De origen platense, refleja una obra variada a través de Gimnasia y Esgrima La Plata, Estudiantes, River, Boca, barras y partidos clásicos. “El fútbol y lo que genera tienen todo lo necesario para ser un género artístico”, le dice a El Gráfico. Y justifica: “Para mí, el fútbol está ligado a bellos recuerdos de mi niñez, cuando mi padre me llevaba a la vieja cancha de tablones de Gimnasia. Verlo feliz, rodeado de amigos en esa tribuna escarpada, de grandes vacíos entre tablón y tablón… y a otros recuerdos intensos, como cuando Diego le ganó a los ingleses con la Mano de Dios. De alguna forma uso estos recuerdos tan emotivos como material para mis pinturas”. Su primer trabajo fue un Boca-River, que se lo vendió a un coleccionista de Miami. Desde entonces, no paró. Hace un año que trabaja con una ilustración de la hinchada de Independiente. A esta altura, cuenta, ya se define como “hincha del fútbol” más que de un equipo en particular. Aunque lleva en el alma la camiseta de la Selección. En cuanto a ídolos, Maradona y Messi están primeros. Por eso los refleja tan seguido. Aún le sorprende la  reacción de la gente ante sus trabajos: “Lo más interesante es ver las miradas, las caras de asombro, las risas, cómo se movilizan algunos ante las pinturas. Y se me produce un gran movimiento interno cuando alguien del público elije una obra, ya sea para comentar, preguntar su precio o comprarla: en ese momento entiendo que mi mensaje llegó. Me da mucha curiosidad algo que nunca voy a saber en realidad: ¿qué provocó en esa persona determinada imagen?, ¿qué entendió?, ¿qué vio en ella? ¿Vio y sintió lo mismo que yo?”. Sobre los prejuicios arte-fútbol considera que “se puede escribir una buena historia que transcurra en una lejana playa de Estados Unidos e igualmente el escenario puede ser la tribuna de La Bombonera. Se puede ser igualmente innovador o profundo. Quizás lo esencial en el arte sea lo que no vemos en primer plano o en una primera mirada. Pintar o esculpir sobre los deportes o realizar figuras y retratos de deportistas es uno de los géneros artísticos más antiguos: ya en la pintura rupestre se pintaban cacerías; y hasta las esculturas de atletas eran muy comunes en la antigua Grecia”. “Maradona, para el mundo del fútbol, es algo así como un semidiós. Lo mismo para Messi. Que por suerte está en plenitud. Tenemos que darnos cuenta de una vez por todas lo favorecidos que hemos sido en la historia de este deporte al tener estos inmensos jugadores vistiendo nuestra bandera. Lo que darían los otros hinchas del fútbol mundial por sentir eso, más allá de que se gane o se pierda. Messi ya es una leyenda. Ambos ya están en la memoria emotiva de millones de personas”. Lo interesante del cruce entre dos mundos tan emblemáticos como la pintura y el fútbol es que, al juntarse, dejan en claro que no son opuestos. Por el contrario, uno puede ser el puente para acercarse al otro. Y en ese cruce abundan historias y emociones que bien vale conocer.

Podemos ver la nota entera en este archivo pdf

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Imágenes de la nota:

Mainstream

El Pop art nos mostró intuitivamente una visión de una sociedad que estaba convirtiendo definitivamente  el consumismo en nueva religión, y para peor  al arte en la división hi quality de ese consumismo.
Las ramas más progresistas del arte desde el Romanticismo y quizás desde mucho antes , por lo menos desde el Renacimiento, poco a poco  han intentado ser más libres de  condicionamientos políticos o religiosos,  han luchado por un arte mas democrático, también por un "arte por el arte", es decir que el poder de decisión  sea de los artistas y del público.
Artistas y público pudieron primero contra los gremios en el Renacimiento, luego contra las academias con el Romanticismo y las Vanguardias. Pero pasado la mitad del siglo XX todo ese avance parece caer en saco roto, en manos del dios mercado.
El arte luego de luchar con todos sus ismos en contra de las ataduras de gremios y academias  y de luchar en contra de ser funcional a algo,  esta en peligro de ser cautivo del poder definitivo y último del dinero.
El Pop art es una mirada irónica a que todo se vuelva comestible, que todo se  convierta en una mercancía, que el conocimiento, y la inteligencia pasen a segundo término, que el envoltorio sea más importante que el contenido, y que la calidad del arte se reduzca a una cifra de venta.
Desde los años 60 para esta parte  el ascenso vertiginoso de un mercado de arte de grandes estrellas y ventas por sumas siderales, poco a poco fue corriendo de escena al debate intelectual del arte, el mensaje artístico fue perdiendo el centro de interés , y vaciándose de contenido  las obras se fueron convirtiendo en objetos suntuosos cuando  pretendían ser todo lo contrario. Así objetos que se burlaban de un arte para burgueses, se fueron convirtiendo en los grandes fetiches del arte burgués, en los objetos mas caros del planeta,  y las discusiones estéticas poco a poco le iban dar el centro de la escena a los eventos eminentemente de mercado como son las grandes subastas  de New York o Londres.
Todo esto. Todo esto pasa porque delante en la escena y como absoluto protagonista de un unipersonal hay un arte  "mainstream" que hace siglos que está resquebrajándose, pero que renace como el Ave Fénix porque necesitamos que exista, eso nos tranquiliza, o porque se nos impone, o porque es lo único que vemos.
Necesitamos o se nos hace necesitar, quizás las dos cosas juntas, ver al arte como una pirámide, donde en la punta está un arte original y novedoso, excelso,  de vanguardia y hacia abajo toda una serie de derivaciones.
Pero  el mundo es mucho más grande.
La linterna que con su luz forma esa pirámide nos obliga a ver o nos tranquiliza con solamente ver su propia luz y lo que alumbra, como si en el resto del bosque oscuro no existiera nada más.
Lo mismo pasa con la escena del arte, hay una luz de validación que es el sistema de museos, academias, mercados, galerías, ferias de arte, bienales, que alumbra solo lo que se parece a si misma y no logra ver lo demás, o no quiere ver lo demás, o no quiere que se vea lo demás, o todo eso junto.
El sentido común ( es más rígido de lo que pensamos)  que nos hace imaginar que hay un gran gremio de artistas e intelectuales del arte y la cultura que fabrica la magnífica catedral de la civilización ,  hace siglos  ya no existe o quizás nunca ha existido. Paradójicamente las ruinas que van quedando parecen representar para nosotros nuevas catedrales que luego  se desplomarán  nuevamente.
Como pasa con el que pierde un miembro y luego de años sigue sintiendo que todavía lo tiene, hay una necesidad de pensar de que existe un arte superior de artistas superiores, que está situado allí en las cátedras y los museos, cuando por lo menos en principio el arte tiene que rebotar en las cabezas de la gente , porque  sino está muerto o todavía no nació.
En contra de esta pirámide que muchos creen ver, el arte es un fenómeno horizontal, justamente porque el arte está en nuestros cerebros, somos nosotros quienes en definitiva vamos a decidir que es arte , que imágenes poéticas nos representan, cuentan nuestra historia, nuestra forma de ser más humanos, lo que sea que para nosotros sea importante.
El arte siempre fue un fenómeno global y horizontal, por ejemplo a veces parece que el  arte prehistórico  mas importante es el que más se estudió o el más difundido, y ese que está difundido es  solo un muy pequeño porcentaje del total que existió, no está mal nutrirse de ese conocimiento, de esa luz de la linterna, pero también hay que ver las cosas en la perspectiva total, y saber que hay mucho más allí afuera de lo que podemos ver con nuestra pequeña linterna.

Pintar la comida

Los bodegones ya adornaban el interior de las tumbas del antiguo Egipto, en esas paredes estucadas pintaban objetos relacionados con la comida y la vida doméstica. Las pinturas sobre jarras de la Antigua Grecia también representan objetos de la cocina y animales, y todo lo relacionado con la vida cotidiana alrededor de la cocina. Bodegones con la descripción de una mesa servida se han encontrado en pinturas murales de la Antigua Roma y en mosaicos en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas.

Bodegones. Casa Julia Felix. Pompeya

Andy Warhol  en los años 60 pintó en las telas con técnicas de cartelería publicitaria  la lata de sopa Campbell, repeticiones de imágenes de latas de comida precocida, desarrolló  para ello deliberadamente una técnica de foto serigrafía , una técnica de uso industrial, de modo de radicalizar el sentido de algo que se hacía en forma impersonal y en forma masiva.
 La repetición visual del escaparate de un supermercado, o la misma repetición que  la publicidad  necesita para convencer.

Warhol con exactitud así retrata al hombre moderno.

Campbell's Soup Cans, 1962 de Andy Warhol. MoMA de New York

El trabajador americano ya no tenia tiempo de cocinarse sus alimentos , y perder esa ceremonia central de cada día era un cambio espiritual muy profundo.

En las lejanías pretéritas del arte, el pintor de las Cuevas de Altamira también pintó una repetición de comida,  no de latas de sopa sino que de  búfalos.

Cuevas de Altamira, Pintura rupestre, época paleolítica, Municipio de Santillana del Mar, Cantabria, España

 Que nos tomemos horas para comer un banquete o que comamos en dos minutos un sándwich esperando el bus son imágenes más profundas de lo que pensamos.

En toda la historia del arte, la comida es siempre un tema recurrente 

El miedo  y el deseo, el infierno de pasar hambre o un banquete en el paraíso, como comemos es el acto  clave de una cultura y nos describe mas de lo que creemos.

Y no es de casualidad que en cualquier gran momento de nuestra vida siempre nos preguntemos ¿y que hay de comer?