lunes, marzo 20, 2017

El mecenas

 Cuando el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel pintar la bóveda de la capilla Sixtina, imagino que  lo último que hablaron fue de los honorarios y los costos, no había para esa obra mejor  mecenas  que el Papa ni otro artista en el mundo. Los dos hicieron un gran trabajo, y así se hace la historia.

El mecenas es el alter ego del artista, es alguien que esta al lado del artista, que ama la obra del artista  tanto o más que el propio artista. Y como todo amor verdadero, no adquirirá  obras para esconderlas sino por el contrario será un activo promotor de esa obra, para que sea admirada y conocida por más y más personas, porque  el arte no está en las obras sino en las  retinas, y las cabezas de la gente.

Se necesita de un mecenas, que no solo piense en ayudar económicamente al artista sino más que nada que ayude a la obra en su producción, resguardo y promoción. Además un verdadero mecenas es el que de alguna forma guía al artista, y lo ayudará a enfocarse para clarificar su mensaje y su obra.

Un artista en esencia es un investigador y un desarrollador de alta cultura. Y desarrollar la cultura lo es todo para una sociedad.

Un país desarrollado sólo en su economía y con una cultura débil a la larga también fracasará en lo económico y en todo lo demás, por falta de innovación, por falta empuje moral.  Y viceversa, desarrollar la cultura requiere de muchos recursos económicos y esfuerzos morales, entonces sólo podrá hacerlo un país con una economía fuerte, y con una población decidida y desarrollada, una población militante de la cultura , es decir que disponga y decida tener tranquilidad y tiempo para pensar, para desarrollar su inteligencia, su humanidad. El gran arte es un logro grupal. no lo hará sólo el artista ni será sólo para el coleccionista, lo ideal es que sea para toda la sociedad, la civilización será un logro de todos. Es por todo esto que hoy en día se puede decir que en las Naciones donde los Estados andan bien el principal mecenas siempre es Estado.

Hoy podemos ver las más grandes colecciones de arte en los lugares que estos mecenas particulares o  Estados mecenas   eligieron para que por generaciones puedan ser admiradas y re elaboradas con nuevas obras y nuevas miradas.

En tiempos de paz y no tanto, reyes y grandes señores pasaron a la inmortalidad de la historia, siempre más por estas nobles apoyos , que por sus aciertos empresariales o políticos circunstanciales.

 Apoyar al Arte es  una empresa a largo plazo y para siempre, como las antiguas catedrales construir la civilización es un esfuerzo de muchas generaciones, un noble intento de la humanidad .


domingo, febrero 19, 2017

Fútbol y Arte. Nota en la Revista El Gráfico

Nota "Fútbol y Arte", del Revista El Gráfico, de Buenos Aires escrita por Alejandro Duchini.
 Aquí el periodista escribe sobre el arte y los artistas que ilustraron e  ilustran este deporte en general, luego me presenta como artista que sigue esta temática, muestra obras de mi serie Fútbol y cosas que pienso sobre el arte, y mis intenciones al hacer las pinturas futboleras.
La nota aparece en el número de febrero 2017 (Edición 4478). 
Extracto de la nota:
Artista plástico, escultor y pintor argentino, Diego Manuel Rodríguez ilustró playas, ciudades, escenas románticas y artistas populares como Mick Jagger, el Che Guevara, Gustavo Ceratti, Evita, Charly García, Andrés Calamaro y, sobre todo, Lionel Messi y Diego Maradona. De origen platense, refleja una obra variada a través de Gimnasia y Esgrima La Plata, Estudiantes, River, Boca, barras y partidos clásicos. “El fútbol y lo que genera tienen todo lo necesario para ser un género artístico”, le dice a El Gráfico. Y justifica: “Para mí, el fútbol está ligado a bellos recuerdos de mi niñez, cuando mi padre me llevaba a la vieja cancha de tablones de Gimnasia. Verlo feliz, rodeado de amigos en esa tribuna escarpada, de grandes vacíos entre tablón y tablón… y a otros recuerdos intensos, como cuando Diego le ganó a los ingleses con la Mano de Dios. De alguna forma uso estos recuerdos tan emotivos como material para mis pinturas”. Su primer trabajo fue un Boca-River, que se lo vendió a un coleccionista de Miami. Desde entonces, no paró. Hace un año que trabaja con una ilustración de la hinchada de Independiente. A esta altura, cuenta, ya se define como “hincha del fútbol” más que de un equipo en particular. Aunque lleva en el alma la camiseta de la Selección. En cuanto a ídolos, Maradona y Messi están primeros. Por eso los refleja tan seguido. Aún le sorprende la  reacción de la gente ante sus trabajos: “Lo más interesante es ver las miradas, las caras de asombro, las risas, cómo se movilizan algunos ante las pinturas. Y se me produce un gran movimiento interno cuando alguien del público elije una obra, ya sea para comentar, preguntar su precio o comprarla: en ese momento entiendo que mi mensaje llegó. Me da mucha curiosidad algo que nunca voy a saber en realidad: ¿qué provocó en esa persona determinada imagen?, ¿qué entendió?, ¿qué vio en ella? ¿Vio y sintió lo mismo que yo?”. Sobre los prejuicios arte-fútbol considera que “se puede escribir una buena historia que transcurra en una lejana playa de Estados Unidos e igualmente el escenario puede ser la tribuna de La Bombonera. Se puede ser igualmente innovador o profundo. Quizás lo esencial en el arte sea lo que no vemos en primer plano o en una primera mirada. Pintar o esculpir sobre los deportes o realizar figuras y retratos de deportistas es uno de los géneros artísticos más antiguos: ya en la pintura rupestre se pintaban cacerías; y hasta las esculturas de atletas eran muy comunes en la antigua Grecia”. “Maradona, para el mundo del fútbol, es algo así como un semidiós. Lo mismo para Messi. Que por suerte está en plenitud. Tenemos que darnos cuenta de una vez por todas lo favorecidos que hemos sido en la historia de este deporte al tener estos inmensos jugadores vistiendo nuestra bandera. Lo que darían los otros hinchas del fútbol mundial por sentir eso, más allá de que se gane o se pierda. Messi ya es una leyenda. Ambos ya están en la memoria emotiva de millones de personas”. Lo interesante del cruce entre dos mundos tan emblemáticos como la pintura y el fútbol es que, al juntarse, dejan en claro que no son opuestos. Por el contrario, uno puede ser el puente para acercarse al otro. Y en ese cruce abundan historias y emociones que bien vale conocer.
Podemos ver la nota entera en este archivo pdf
eg4467-arte-y-futbol


Imágenes de la nota:



domingo, enero 29, 2017

Mainstream

El Pop art nos mostró intuitivamente una visión de una sociedad que estaba convirtiendo definitivamente  el consumismo en nueva religión, y para peor  al arte en la división hi quality de ese consumismo.

Las ramas más progresistas del arte desde el romanticismo y quizás desde mucho antes , por lo menos desde el renacimiento, poco a poco  han intentado ser más libres de  condicionamientos políticos o religiosos,  han luchado por un arte mas democrático, también por un "arte por el arte", es decir que el poder de decisión  sea de los artistas y del público.

Artistas y público pudieron primero contra los gremios en el renacimiento, luego contra las academias con el Romanticismo y las vanguardias. Pero pasado la mitad del siglo XX todo ese avance parece caer en saco roto, en manos del dios mercado.
El arte luego de luchar con todos sus ismos en contra de las ataduras de gremios y academias  y de luchar en contra de ser funcional a algo,  esta en peligro de ser cautivo del poder definitivo y último del dinero.

El Pop art es una mirada irónica a que todo se vuelva comestible, que todo se  convierta en una mercancía, que el conocimiento, y la inteligencia pasen a segundo término, que el envoltorio sea más importante que el contenido, y que la calidad del arte se reduzca a una cifra de venta.

Desde los años 60 para esta parte  el ascenso vertiginoso de un mercado de arte de grandes estrellas y ventas por sumas siderales, poco a poco fue corriendo de escena al debate intelectual del arte, el mensaje artístico fue perdiendo el centro de interés , y vaciándose de contenido  las obras se fueron convirtiendo en objetos suntuosos cuando  pretendían ser todo lo contrario. Así objetos que se burlaban de un arte para burgueses, se fueron convirtiendo en los grandes fetiches del arte burgués, en los objetos mas caros del planeta,  y las discusiones estéticas poco a poco le iban dar el centro de la escena a los eventos eminentemente de mercado como son las grandes subastas  de New York o Londres.

Todo esto. Todo esto pasa porque delante en la escena y como absoluto protagonista de un unipersonal hay un arte  "mainstream" que hace siglos que está resquebrajándose, pero que renace como el Ave Fénix porque necesitamos que exista, eso nos tranquiliza, o porque se nos impone, o porque es lo único que vemos.

 Necesitamos o se nos hace necesitar, quizás las dos cosas juntas, ver al arte como una pirámide, donde en la punta está un arte original y novedoso, excelso,  de vanguardia y hacia abajo toda una serie de derivaciones.

Pero  el mundo es mucho más grande.

La linterna que con su luz forma esa pirámide nos obliga a ver o nos tranquiliza con solamente ver su propia luz y lo que alumbra, como si en el resto del bosque oscuro no existiera nada más.

Lo mismo pasa con la escena del arte, hay una luz de validación que es el sistema de museos, academias, mercados, galerías, ferias de arte, bienales, que alumbra solo lo que se parece a si misma y no logra ver lo demás, o no quiere ver lo demás, o no quiere que se vea lo demás, o todo eso junto.


El sentido común ( que muchas veces es más rígido de lo que pensamos)  que nos hace imaginar que hay un gran gremio de artistas e intelectuales del arte y la cultura que fabrica la magnífica catedral de la civilización nos hace imaginar algo que  hace siglos  ya no existe o que quizás nunca ha existido. Paradójicamente las ruinas que van quedando parecen representar para nosotros nuevas catedrales que luego la realidad romperá nuevamente.
Como pasa con el que pierde un miembro y luego de años sigue sintiendo que todavía lo tiene, hay una necesidad de pensar de que existe un arte superior de artistas superiores, que está situado allí en las cátedras y los museos, cuando por lo menos en principio el arte tiene que rebotar en las cabezas de la gente o está muerto o todavía no nació.

En contra de esta pirámide que muchos creen ver, el arte es un fenómeno horizontal, justamente porque el arte está en nuestros cerebros, somos nosotros quienes en definitiva vamos a decidir que es arte , que imágenes poéticas nos representan, cuentan nuestra historia, nuestra forma de ser más humanos, lo que sea que para nosotros sea importante.

El arte siempre fue un fenómeno global y horizontal, por ejemplo a veces parece que el  arte prehistórico  mas importante es el que más se estudió o el más difundido, y ese que está difundido es  solo un muy pequeño porcentaje del total que existió, no está mal nutrirse de ese conocimiento, de esa luz de la linterna, pero también hay que ver las cosas en la perspectiva total, y saber que hay mucho más allí afuera de lo que podemos ver con nuestra pequeña linterna.

lunes, octubre 17, 2016

Pintar la comida

Los bodegones ya adornaban el interior de las tumbas del antiguo Egipto, en esas paredes estucadas pintaban objetos relacionados con la comida y la vida doméstica. Las pinturas sobre jarras de la Antigua Grecia también representan objetos de la cocina y animales, y todo lo relacionado con la vida cotidiana alrededor de la cocina. Bodegones con la descripción de una mesa servida se han encontrado en pinturas murales de la Antigua Roma y en mosaicos en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas.





Bodegones. Casa Julia Felix. Pompeya


Andy Warhol  en los años 60 pintó en las telas con técnicas de cartelería publicitaria  la lata de sopa Campbell, repeticiones de imágenes de latas de comida precocida, desarrolló  para ello deliberadamente una técnica de foto serigrafía , una técnica de uso industrial, de modo de radicalizar el sentido de algo que se hacía en forma impersonal y en forma masiva.
 La repetición visual del escaparate de un supermercado, o la misma repetición que  la publicidad  necesita para convencer.

Warhol con exactitud así retrata al hombre moderno.



Campbell's Soup Cans, 1962 de Andy Warhol. MoMA de New York


El trabajador americano ya no tenia tiempo de cocinarse sus alimentos , y perder esa ceremonia central de cada día era un cambio espiritual muy profundo.


En las lejanías pretéritas del arte, el pintor de las Cuevas de Altamira también pintó una repetición de comida,  no de latas de sopa sino que de  búfalos.




Cuevas de Altamira, Pintura rupestre, época paleolítica, Municipio de Santillana del Mar, Cantabria, España



 Que nos tomemos horas para comer un banquete o que comamos en dos minutos un sándwich esperando el bus son imágenes más profundas de lo que pensamos.
En toda la historia del arte, la comida es siempre un tema recurrente 
El miedo  y el deseo, el infierno de pasar hambre o un banquete en el paraíso, como comemos es el acto  clave de una cultura y nos describe mas de lo que creemos.

Y no es de casualidad que en cualquier gran momento de nuestra vida siempre nos preguntemos ¿y que hay de comer?

sábado, octubre 08, 2016

Conservación de pinturas

Recomendaciones para armado de los cuadros y su conservación:
•  Siempre es mejor conservar las pinturas en bastidor, si usted debe guardar por un tiempo una pintura sobre tela enrollada, enrolle la tela con la pintura del lado de afuera, como usted ha recibido la pintura. Guarde el rollo en forma vertical en un lugar libre de polvo, usted recibió la pintura envuelta en nylon, pero ya en su casa, sáquele el nylon, porque el nylon con el paso del tiempo puede perjudicar los materiales de la pintura.

• Si usted ha recibido un original sobre tela en un rollo, para su óptima conservación, la tela de la pintura primero debe estirarse sobre un adecuado bastidor para obras de arte y luego puede enmarcarse o colgar la tela sólo montada en el bastidor según gusto personal. 
Lo ideal es  llevar la tela a una buena casa de enmarcado donde un especialista hará las cosas en forma profesional, de todas formas si lo lleva a la casa de enmarcado para en principio estirar la obra en un bastidor o lo hace usted mismo , es importante que usted sepa estas indicaciones para controlar el buen trabajo sobre la obra:
En el montado de la tela sobre el bastidor, es importante que la tela esté apoyada sólo en el borde de la madera para evitar que en un futuro la tela se marque o se manche. Para ello la madera del bastidor en el lado del frente debe estar rebajada de tal forma que sólo el borde de la madera toque la tela.


•  También es importante que la tela esté bien estirada. Y también es adecuado que las grampas estén puestas por detrás del bastidor. Aunque en la imágen usan una pinza de tensar, no hace falta estirar con pinza de tensar, sólo con los dedos se puede lograr un adecuado tensado, primero tiene que fijar las puntas (con clavos de tapicero, grampas o simplemente tachuelas, siempre por detrás del bastidor) y luego va fijando primero en un lado y luego en su opuesto, primero en el medio, y luego hacia las puntas hasta que se logra un tensado que tiene que ser un poco menos que el tensado de un tambor.





•  Ya en los muros de su casa u oficina para una mayor conservación de la pintura, lo mejor es evitar poner la pintura cerca o arriba de estufas, cocinas o elementos que la puedan ensuciar, también hay que evitar su exposición directa a rayos solares o flashes de cámaras fotográficas. 
•  Usted tiene una posesión muy especial, que es una obra de arte, es muy importante su adecuada conservación, para cuidar su patrimonio y la posibilidad de que futuras generaciones puedan seguir admirándola.
Cualquier duda que usted tenga no dude en consultar: contact@diegomanuel.com.ar
Puedes ver este texto online aquí:
http://quesabesdearte.blogspot.com.ar/2016/10/conservacion-de-pinturas.html



martes, agosto 30, 2016

Interpretación de El ojo, acrílico , 17 x 19 cm año 2002

Hace unos días me pidió por email una estudiante que haga una interpretación de un cuadro mio : 



El ojo, acrílico , 17 x 19 cm año 2002

Dayana es estudiante de  uno de los Colegios COAR (Colegios de Alto Rendimiento) de la Ciudad de Tacna, Perú.  


Dayana: Buenas tardes soy una estudiante y necesito saber el porque realizo ese cuadro ya que voy a realizar un estudio comparativo y necesito información sobre ello. espero que me pueda ayudar.

Yo: No es facil responder porque mientras hago el cuadro  no pienso en totalidad que quiero decir con el cuadro, en general no lo planifico a ese extremo, luego cuando soy público de mi obra paso a poder interpretar más nítidamente que puede decir la obra.
Teniendo en cuenta que una obra de arte siempre tiene mil posibilidades de interpretaciones tantas como gente la ve, y todas son igualmente importantes, y no vale más lo que diga el artista que lo que diga cualquier otra persona te digo:


Creo que el ojo representa el alma, el pensamiento, el yo interno de la persona,  el ojo es dinámico, inteligente, representa también nuestro cerebro, la memoria, la vida que ya vivimos, nuestros anhelos, nuestros proyectos, nuestra imaginación, entonces es una mirada que no  tiene límites.
El banco representa la materialidad, lo estático, los límites.
Si el ojo representa al alma de una persona , el banco representa su cuerpo. 
No se si te ha pasado pero no sentís a veces que somos prisioneros de nuestros propios cuerpos, que miramos a través de los ojos como un prisionero a través de la ventana de su prisión. 

Somos prisioneros   de la materialidad, de la fragilidad y las pocas posibilidades que nos da la materia.

Luego vino otra pregunta por email:

Dayana: ¿cuando llegaste a pintar ese cuadro alguien te llego a influenciar? porque como se sabe todo artista tiene influencia de algún lado y quisiera saber cual fue el tuyo.

Yo: Otra pregunta dificil.

Primero te cuento la forma en que me influyen las obras que me gustan. Como te decía antes para este cuadro y también en general para los otros, no escojo en forma lógica o intencional las imágenes que voy a usar, así trato de no seguir el camino a simple vista más conveniente.
Cuando estoy creando en el taller voy acercandome en los bocetos y dibujos previos a lo que quiero, usando imágenes que son  una especie de palabras o frases visuales que están mi memoria , ya están incorporadas muy anteriormente. Como te decía antes cada vez que veo Arte lo voy metiendo en una biblioteca mental y cuando trabajo en el taller en algún momento lo voy a usar. Son verdaderas recetas de magia que los pintores y dibujantes guardamos en un libro imaginario, cuando nuestros temores de la obra inconclusa nos encierran y parecen que nos va a ganar, usamos estas recetas para escapar. Y a veces nos salvan  por milímetros  faltando un instante para renunciar y tirar todo a la basura, como pasa en las películas de Indiana Jones o de Harry Potter. 
Como con otros para este cuadro primero traté de frenar el lado lógico de mi pensamiento para darle paso libre al otro lado, al más sensible, donde reina la parte inconsciente, busco cuando pinto o hago bocetos estar en un trance parecido al sueño.

Es una forma de trabajo a la manera de los surrealistas, y creo que esa corriente es la que más me influyó en general y para este cuadro en especial, y si hablamos de surrealismo, no podemos olvidarnos tampoco de kandinsky, ni de los dadaístas, ni tampoco de Picasso, ni de Dalí, ni del Pop Art, y por supuesto de la obra del Bosco, y la lista podría seguir.
 Desde el Romanticismo todas las Vanguardias del siglo 20 me influenciaron en alguna medida, pero también los artistas anteriores que fueron claves. 

Volviendo al cuadro en cuestión, creo que lo que hago aquí es un poco lo que hace Dalí con sus relojes derretidos en la playa y ya antes hacía El Bosco o Arcimboldo y otros tantos artistas, le agrego algo humano a un objeto, de esa forma juego con la comparación de dos cosas que aparentemente antes no estaban  conectadas entre sí, una obra puede lograr esa magia, que a partir de ella luego tengamos en el cerebro una nueva conección entre imágenes.  Así busco en esa nueva conección  luna vibración que diga algo o que señale algo que me interesa.

jueves, agosto 25, 2016

En busca de un nuevo arte para el nuevo mundo

Hacia mediados del siglo 20 en EEUU como también en Argentina había corrientes de artistas que buscaban hacer un arte figurativo que representara el arte local.
La escuela realista que tenía Edward Hopper como referente, lo que se llamó la "Escena americana" buscaba nuevos géneros en las  imágenes de lo que veían,  paisajes  de los suburbios y las pequeñas ciudades del interior de EEUU, lo que aquí en nuestro país pudo ser similar el grupo de la Boca de Quinquela o de Victorica y sus escenas urbanas y del puerto de Buenos Aires.

Noctámbulos, 1942, Edward Hopper, (Chicago, Arts Institute)

Este tipo de pintura derivaba del romanticismo  y del costumbrismo nacionalista del siglo 19 y su búsqueda de un arte nacional.
Estos pintores a la manera de la viejas escuelas realistas, como los anteriores pintores realistas de Barbizon en Francia buscaban  en la imágenes sencillas de  pequeños y pujantes pueblos del interior de los nuevos países americanos  el material para ser actuales y modernos.



Sin dudas mucho antes de querer ser vanguardistas o experimentales los artistas del Pop Art americano querían hacer algo diferente a las vanguardias que venían de Europa. Hacer un arte con las imágenes y los aromas de las calles de las grandes nuevas metrópolis  americanas, como Nueva York.

Ellos vivían en una medio artístico influenciado  por los nombres descollantes de  artistas  que venían de una Europa  que estaba de vuelta,  que  traían consigo la mística y los laureles de vivir una  "vida de artistas" en la ciudad luz , en la bohemia de la París de las vanguardias románticas.

El  mercado del arte y la escena artística de  New York   poco a poco se convertirían en los más importantes del mundo, para los artistas nativos  era muy importante ganarles la batalla a los europeos, para ello había que crear una escena artística de gran nivel y a la vez  un arte de jerarquía mundial, que no pasara por provinciano, ganarles a los modernos siendo igualmente  modernos y diferentes.

Era importantísimo  hacer un "arte americano" con imágenes americanas como lo intentaron pintores como Hopper , y a la vez un arte que fuera permeable a las ideas de afuera, crear una escena y un mercado americano para los artistas americanos también en el nuevo arte experimental de  vanguardia y postvanguardia.

El arte pop de  artistas  ingleses que hacían un collage irónico o paródico de «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico claramente hacía referencia a la cultura estadounidense.
Estos artistas al otro lado del océano como antes los dadaístas recreaban irónicamente una estética baja o kitsch, usaron elementos claramente rechazados por el arte académico y  lo subieron al estrado del arte.
Todas estas variaciones de Ready-Made son típicas del arte posmoderno, esta mecánica hoy en día de tan usada  parece algo de uso  normal, hacer esto es casi  un género en si mismo. Artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg,  Roy Lichtenstein, Andy Warhol  encontraron entonces cómo hacer a la vez arte con imágenes incuestionablemente americanas como la Coca Cola y a la vez hacer algo validado por un desarrollo artístico milenario como el europeo.

Dos blancos con u solo tiro, con el tiempo su  éxito fue rotundo e inimaginable, sin dudas el arte figurativo que el mercado ascendente y pujante de EEUU necesitaba.


El registro de la mirada.

Duchamp el artista Dadá y del Pop art, en 1917 , según cuenta la historia toma (se apropia)  un objeto no diseñado por él , un mingitorio , algo de uso utilitario  y lo  sube a objeto de arte.
En ese momento sin duda tuvo la intención de establecer un fuerte mensaje antisistema, de  ruptura radical con las viejas bellas artes. Pero también, quizás sin darse cuenta, cruzó un límite. Subió un objeto que hasta ese momento claramente y hasta grotescamente  no podía tener ninguna asociación  poética ni artística al rango de objeto de arte, y así abrió la caja de Pandora.

 "La Fuente" (Fountain), Marcel Duchamp, 1917. Nueva York (original perdido)

 Expuso un mingitorio en el museo de Nueva York, lo tituló "La Fuente" (Fountain) y lo firmó como "R. Mutt".
Los dadaístas  marcando un rumbo de extrema ruptura contra el arte tradicional académico, contra el mercado, contra el gusto burgués, contra la idea de la búsqueda de la "belleza" que ya veían gatada i vacía, contra el "arte burgués" , contra todo y todos , abrieron la puerta para nuevas formas de hacer arte que tomaron el centro de la escena a finales del siglo 20, el Pop art, el arte conceptual, y demás variantes  del arte postmoderno.

El grupo Dadá fue mucho  más allá de las corrientes anti académicas que surgieron desde el Romanticismo. Vieron  incorregibles a las artes visuales tradicionales , entendiendo que no se podía cambiar el rumbo del arte desde adentro , siguiendo con sus tradicionales disciplinas y  géneros que ya estaban programados para un tipo de arte establecido.

 Luego algunos de los mismos  artistas dadaístas y otros  nuevos desde el Pop Art trataron  de amigarse con la historia del arte, y quizás con las necesidades del mercado de tener obra más convencional, y así volvieron de alguna manera a la pintura y la escultura, pero sumándoles la postura escéptica, burlona y de parodia dadá que también iba a ser el sello en general de todo arte postmoderno.

A la vez  nuevas experiencias conceptualistas de arte postmoderno fueron cambiando las disciplinas tradicionales por nuevas formas de arte, en vez de tomarse el trabajo de pintar o esculpir la mimesis de un objeto, presentar directamente el objeto a un público preparado, y que fuera  el registro  de ese momento la obra misma. Cambiando entonces lo que antes era un objeto artístico por un hecho artístico, que podía ser cualquier cosa,  una bailarina toda pintada de rosa bailando un segmento de algo, o lo que sea. Y como se vio después, si lo necesitaban, también volver a una convencional pintura o escultura.

Para el arte conceptual, el arte ya no es un objeto trascendente que cambia de significado según el público sino que por el contrario, el arte  existe en ese instante en que el mensaje artístico es captado por un público irrepetible, luego quedará sólo el registro de ese momento, que puede ser un texto , un manifiesto, una foto, una grabación de audio o de video.


 El arte conceptual posmoderno es un acto efímero,  que se registra con documentos, prescindiendo así de milenarios lenguajes visuales. Se despoja de las formas clásicas de arte y de sus códigos desarrollados en el tiempo , y solo queda el mensaje, e intenta establecer un nuevo lenguaje visual donde las ideas prescindan absolutamente de todo barroquismo o redundancia.
Este debilitamiento de la importancia de la obra de alguna forma refuerza la figura del artista, el mismo se convierte en una celebrity a la manera de los rock stars y  pasa a tener mas visibilidad que su obra, y casi se podría decir que el mismo es su obra.

En esencia el arte conceptual posmoderno, es hacer bien visible la separación de la intención del mensaje intelectual que toda obra tiene  de la misma obra. Entonces el artista conceptual naturalmente y quizás necesariamente tiene que ser una celebridad, porque de alguna forma el mismo suplanta a la obra, Como si leonardo Da Vinci se enojara por la celebridad de la Gioconda y a los gritos intentara romper la cola que se arma en el Louvre para verla de cerca, el artista conceptual al debilitar la importancia de la obra,  le está disputando el centro del escenario a la que tendría que ser su obra.


El arte conceptual también necesita de orientar su  interpretación  con textos de apoyo, la obra en sí no importa tanto como su interpretación , que debe estar bien precisada por el artista o mejor por un teórico con poder en los lugares y medios de validación. Porque para estos artistas pragmáticos el arte de la historia del arte en realidad no existe, es solo un relato, como toda la historia, el relato de los que ganan, que será el arte de los museos de arte moderno   y las principales bienales de las grandes capitales del mundo.

Para el conceptualismo la obra puede ser sólo un hecho visual, o audiovisual efímero, y hasta es conveniente que sea efímero y desaparezca. Quizás para que sólo quede el relato de lo que pasó y lo que significará ,como pasa con las grandiosa pintura griega antigua, que es de una grandiosidad  de la que sólo quedan referencias escritas.

Ya en el nuevo siglo vemos un arte  cada vez más etéreo, mas libre de todo condicionamiento , hasta del mismo objeto de arte, quizás un arte más  de  artistas y de teóricos , curadores y comisarios de bienales, que se presentan así mismos como grandes celebridades, a la manera de los rockstars, que con sus escritos ,  eventos conferencias intentan pedagógicamente  orientar a un público  cada vez más numeroso e inmanejable.

En definitiva pone en evidencia que desde el comienzo el arte no esta en el objeto sino en la mirada, o sea en nosotros mismos. Está íntimamente conectado con la mirada del que elige qué es arte, qué fue arte, cómo fue ese arte, y también claro en lograr que quede marcada en el tiempo el registro de esa mirada.


jueves, mayo 26, 2016

Influencia


Un artista es importante por como su obra influye en los demás, en las otras obras, en la imagen de una época. No solo en el arte y los otros artistas, también en la imágenes que serán de alguna forma trascendentes  para la sociedad,  sus ideas visuales influirán entonces en las imágenes de la  publicidad, en la forma de vestirse, en el diseño, y en muchos campos que son intrínsecos de la cultura.

Como un científico que con  sus investigaciones  en la  ciencia básica descubre cosas que  mucho o poco después serán aplicadas, el artista lo mismo es un investigador en el campo de los lenguajes visuales.

Un artista es un desarrollador de un alto lenguaje que será un registro cultural de una época. La sociedad usará ese desarrollo para transmitir ideas visuales de todo tipo, y para muchos usos no necesariamente  puramente artísticos

Pero además de desarrollar modos de comunicación e imágenes que dicen más que mil palabras, el artista  más que nada sabrá elegir que temas son los que importan y que decir sobre esos temas.


Siempre fue así pero mucho más desde el romanticismo y las vanguardias cuando el arte y los artistas intentaron ser más libres,  el arte verdadero es el que influye, no a cinco personas de un jurado, sino a toda una forma de ver, de su tiempo y el que vendrá.

El artista que busca decir cosas , que opina con lo que hace,  estará íntimamente conectado con su época, con la sociedad a la que pertenece, tratará de contar lo que le pasa a esa sociedad, en definitiva buscará hacer una arte que descubra  profundas necesidades espirituales de su sociedad , se verá en sus imágenes lo que esa sociedad tiene  de bueno y lo que le falta, sus aciertos y  errores más grandes.

El arte podrá ser para la  glorificación de un Estado como las obras de Fidias en la  Atenas de Pericles, podrá ser la descripción de una forma de vivir de la gente sencilla del pueblo como pintaba Van Gogh señalando así hacia donde tenía que mirar la nueva sociedad europea que se estaba transformando vertiginosamente,  podrá presentir  un peligro inminente  como lo hicieron los expresionistas alemanes en sus obras, o describir y criticar  como los nuevos medios masivos inciden peligrosamente sobre nuestros gustos y nuestras elecciones,  como lo hicieron en su momento los artistas del Pop Art.

sábado, marzo 26, 2016

El arte está en nosotros

El arte está en nosotros desde que nacemos, no hace falta ir a cursos de postgrado ni a años de Bellas Artes para estar en contacto él,  porque  el arte esta en nuestro cerebro  mucho antes de tener conocimiento de que quiere decir la palabra arte,  tener impulsos artísticos son parte de los impulsos de vida que tenemos todos los días.

 Elegir  una imagen, un cuadro y colgarlo en la pared de nuestra casa, lo mismo elegir y pintar imágenes  y ponerlas en una tela o en los muros de una ladera de montaña, todos son impulsos dados por las mismas necesidades espirituales.

No somos muy diferentes a los antiguos artistas prehistóricos o al más romántico de los artistas, con las imágenes pedimos cosas, soñamos , anhelamos, nos identificamos.

Las imágenes que elegimos para nuestros  muros también construyen nuestro hogar, como antiguos talismanes esas imágenes nos dan la sensación de que nada malo puede sucedernos y por el contrario son una promesa de felicidad, así fabrican nuestro paraíso interior como un lugar sagrado.

Pinturas rupestres de búfalos salvajes que corren llenos de vida , el poster de una estrella  de rock  en medio de un fabuloso recital, pueden ser un pedido espiritual y metafísico. La imagen es poderosa y atrae lo que representa.

Elegir y manejar imágenes  fue la primer actividad humana, una actividad fundamental. Así aprendimos a construir nuestro ser espiritual.

El arte como fue en el pasado prehistórico es posible que  sirva para vencer otra vez, ya no a enormes fieras salvajes, sino  a otras no menos salvajes, las  que  llevamos en nuestro interior.

martes, enero 12, 2016

El mundo ha cambiado

El mundo ha cambiado, sólo con apretar un botón millones de personas hoy pueden publicar lo que quieran en medios sociales  o desde sus propias webs y llegar  a enormes audiencias de todo el mundo. Desde un smartphone un artista puede subir su ultima obra desde su estudio y en un segundo tener diez veces más público que en  la más exitosa inauguración de la mejor galería.

Hace sólo 10 o 15 años los músicos populares tenían que tocar los timbres de las oficinas de las grabadoras y las radios, luego esperar por horas , días , meses, años que un gerente de programación  eligiera su trabajo. Con los artistas plásticos, lo mismo era ir con un dossier de fotografías a las galerías, o centros culturales.

Todavía existen  los viejos filtros, no cualquiera entra en la programación de una gran galería comercial, un centro cultural, un museo, pero la novedad es que  estos órganos de validación cada vez están más cuestionados  e interpelados por la nuevas plataformas de exposición que han generado nuevos públicos.

El arte se ha transformado en un fenómeno masivo, antes sólo podía acceder  a él  una pequeña población que lo recibía  filtrado por una red de instituciones de validación y sus gerentes culturales , ahora millones de personas se interesan y tienen acceso libre sin intermediarios.


Esto  ha hecho también que los antiguos lugares de validación también tuvieran que cambiar, cada vez más vemos como los programadores tratan de crear eventos "que lleven gente", cada vez se ve más performances e instalaciones que más se parecen a teatralizaciones de Disney World que a desarrollos necesarios de inspirados artistas conceptuales, todo parece indicar que ahora hay mucha más competencia, porque el nuevo publico va para cualquier lado.

El publico es enorme , está ávido de arte, y de a poco  se está entrenando para tomar el poder de decisión, el libre acceso al arte necesariamente necesita de un público más activo, de una mayor participación en la elección, ya no viene el producto pre masticado como antes, ahora hay que formarse para elegir, para encontrar en la inmensidad informativa lo que queremos.

También el concepto de "la fama" como valor está cambiando. Como dijo Andy Warhol todos alguna vez tendremos nuestros 15 minutos. La fama nunca es  indicador de calidad para un artista, y a  veces es todo lo contrario. Hoy vemos que para ser famoso en los medios no hace falta ningún talento, los famosos son famosos por ser famosos, como un hecho que se retroalimenta sin mayor necesidad.

Esto nos libera de:  ¿pero este artista es famoso, es exitoso, vale entonces la pena que mire y  apoye su trabajo? Y está dando paso  a las preguntas que de verdad tendrían que importarnos: ¿la obra de este artista me gusta? ¿ver estas imágenes me influyen, provocan un cambio en mi? 





lunes, enero 04, 2016

Hombre sentado o retrato de Jose Manuel Rodriguez, talla policromada.

Hace unos años por varias razones sin dejar la pintura decido volver a hacer escultura, y buscando las viejas herramientas vi también que  todavía conservaba algunas piezas de aquella época, esta es una de ellas, es una de las que empecé en mis épocas de estudiante.
 Que una talla  se haga en muchos años no es malo, hasta tendría que ser lo normal, una buena pieza tiene que tener por lo menos 4 años de trabajo, y se podría decir que esta escultura tiene 18 años de elaboración.
Hagamos un poco de historia: me acuerdo que corría el año 1995 y fuimos con mi padre a buscar los troncos de quebracho colorado y blanco en una venta de leña en la calle 71 y 18, para lo que sería la entrega final de Escultura y así lograr la Licenciatura en Artes de la Facultad de Bellas Artes, (Me recibí de Licenciado el año 1996).
Renté un taller que era una habitación en una casa donde convivíamos varios proyectos de artistas, y durante un año hice 25 tallas, todas a la vez, figurativas y abstractas.

Siempre mi padre me dijo sin decírmelo que el quería que le hiciera un retrato después que no estuviera con nosotros en este pano.
 Nunca pude hacerlo ex profeso, aunque lo veía en muchos personajes de mis pinturas nuca dije : es él. 
Parece que tanta espera tuvo su fruto , porque una vez que termino esta talla, y le pongo la última pincelada del policromado algo pasó.
Como si se hubiera prendido la luz en una habitación a oscuras, vi en la madera a mi padre sentado, como se sentaba él,  con las piernas como las cruzaba él cuando cocía en su taller de sastrería, vi a mi padre sentado mirándome.








“Hombre sentado o retrato de Jose Manuel Rodriguez”, madera policromada, 21 x 25 x 73 cm., 2014

jueves, diciembre 31, 2015

Playa Punta Mogotes 2

En esta pintura he exagerado los gestos de bocas, ojos y la proporción de las cabezas haciendo de los rostros de los personajes los motores de la acción. 
Las cabezas han cobrado mayor importancia y han dejado a los cuerpos de los personajes en segundo plano, que como un baile de marionetas se mueven coreográficamente. 
La fiesta es el baile, el lugar paradisíaco, la acción esta en las miradas y las risas provocadoras. El nudo de la escena pasa por las caras de los personajes, y las miradas que hay entre ellos.
También como repito en varios cuadros de esta serie de bañistas bailarines,  todos están bailando con los cuerpos de frente, como esperando a que alguien de la fiesta situado fuera del cuadro presione un imaginario disparo con su  cámara fotográfica.
Entonces el  espectador de la pintura por un instante quizás se convierta en uno más con traje de baño, que baila y ríe en una fiesta en una  playa con un mar turquesa.


Playa Punta Mogotes 2, 95 x 130 cm, acrylic on canvas, 2015






martes, diciembre 29, 2015

Composición Numero 15

En esta pintura he tratado de hacer una competencia de colores, para ello he aislado los colores para que no se influencien entre sí, luego les he dado todos la misma forma aunque no el mismo lugar, eso sería imposible.
Cuando todo estaba perfecto sólo dispuse los colores improvisando como un músico de jazz. Los colores entonces empezaron a adquirir un protagonismo absoluto, ellos han modificado entonces el dibujo, lo estático se a  dinamizado, han convertido  círculos iguales y estáticos  en esferas que giran a toda velocidad, que cambian su  tamaño, su peso peso, que vuelan hacia adelante y atrás, que se apagan y encienden, que cambian de color




Composición Numero 15, acrylic on canvas, 49 x 65 cm. 2013

domingo, diciembre 27, 2015

Composicion Numero 17

En esta obra he tratado de hacer una pintura absolutamente de dos dimensiones.
Evitando lo narrativo, lo descriptivo, lo representativo, todo lo metafórico que nos lleva lejos de ese plano primordial, de lo que concretamente vemos, de ese objeto que es la obra.
Me he basado en una única figura geométrica perfecta repitiéndola rítmicamente para darle a toda la obra una unidad bidimensional monolítica.
En esta obra como en otras de la serie he tratado de darle a la pintura una corporeidad de objeto, no simulando las tres dimensiones sino por el contrario reforzando la idea de que la pintura en esencia es un rectángulo blanco.




Composición Numero 17, acrylic on canvas, 45 x 65 cm. 2013

Variaciones sobre el plano de La Plata

Además  de ser una proeza de la ingeniería urbanística el famoso plano del casco fundacional de La Plata, ideado por el Ingeniero Pedro Benoit  es muy bello.
Emocionalmente está ligado al orgullo de pertenecer  a la ciudad para la mayoría de nosotros  los platenses y también  se podría decir que es  nuestra primera clase de arte en las escuelas primarias.

A partir de este dibujo cuadrado, con simetrías, con curvas, con las famosas diagonales platenses, trato de establecer un ritmo de  formas y colores repitiendo las formas sencillas de los trazos de las calles del plano, curvas de medio punto, diagonales a 45 grados y líneas ortogonales. Los colores elegidos también en principio son los primarios, un color muy claro en vez del blanco y el azul oscuro en vez del negro.



" Variaciones sobre el plano de La Plata ", acrílico sobre tela, 120 x 200 cm. 2013.

viernes, diciembre 25, 2015

Máquina 2

Como una talla africana aquí construí una figura, un humanoide geométrico, en el medio un gran torso, un bloque macizo que sostiene todo, y luego extremidades con distintas intensidades de movimiento, de gestos. Tres momentos organizados en forma vertical, dos estructuras de volumen arriba de mayor y debajo de menor dinamismo y en el medio un gran espacio más estático, con un solo movimiento circular.
Le puse de título “maquina”, porque es la primera de una serie de esculturas que intento que sean una especie de máquinas de crear volúmenes en el espacio.







“Máquina 2 ”, madera policromada, 20 x 20 x 92 cm , 2015

Edificio

Esta escultura es la segunda de una nueva serie de esculturas abstractas que estoy haciendo donde trato de convertir en volumen todo el trabajo de abstracción geométrica que vengo haciendo con la pintura en los últimos años.
Como  si hubiera sacado un eslabón de las pinturas que yo llamo de estructura de tejido, aquí he rescatado una forma de dos cubos dinámicos que se equilibran en direcciones opuestas, y así he creado una escultura sostenida en el equilibrio y la fuerte presencia de los espacios que contienen y sugieren los volúmenes. Nuevamente tengo que nombrar como inspiración la serie de esculturas llamadas suplicantes , de los pueblos originarios del norte argentino que se encuentran en el Museo de Ciencias Naturales de La Plata.








“Edificio”, madera policromada, 20 x 30 x 47 cm , 2015

Composición Numero 11

En esta pintura hice vibrar los colores  en un trabajo que traté de pintar como si estuviera tejiendo en finos hilos de color atados a una estructura sencilla, en estas obras abstractas, y en esta en especial,  trato de hacer conexión con ese ancestral telar de los pueblos anteriores que habitaron este suelo americano, tantos años yendo a dibujar y a observar por horas las telas bellísimas precolombinas en el Museo de Ciencias Naturales dela Plata me han enseñado a valorar que también se puede hacer una obra guiándonos no por la forma sino los colores. Como si fuera música, los colores me van llevando  hacia un ritmo  atemporal, luego, mucho después de tejer y tejer empieza todo a tomar forma,  a surgir la geometría.


Composición Numero 11, acrylic on canvas, 37 x 75 cm. 2013

jueves, diciembre 24, 2015

Pintura "Amor" de Diego Manuel


“Amor”, acrylic on canvas, 100 x 70 cm. 2005

En esta pintura una de las primeras de la serie hay dos cuerpos que forman un yin y yang, formas y colores que se complementan y que se buscan en dinámico equilibrio. La atracción de los opuestos que genera una inmensa energía de cambio y transformación.
Como el arte , el amor es infinitas cosas pero más que nada es energía de vida.

Gauchos argentinos



En esta serie , trabajo a partir de un mito argentino, el gaucho.
Este personaje nace en la modernista literatura argentina de José Hernández, de Sarmiento, de Borges
El gaucho era un ser románticamente libre y bravo que vivía entre dos culturas, la de los pueblos originarios y la nueva europea.
Este hombre elemental y aguerrido no era de nadie, no tenia dueños, aunque los dos bandos lo querían en sus ejércitos también lo mismo era perseguido de un lado y del otro.
Trato con esta especie de superhéroe argentino, dibujar algo en este ser inventado que podamos reconocer de nosotros mismos, entre otras cosas esa gran sensación de desarraigo con la que llegamos al mundo y nos vamos, por otro lado los profundos deseos de libertad , de aventura que todos llevamos en la vida.

"gaucho a caballo 2", acrylic on canvas, 44 x 30 cm year 2002.

lunes, diciembre 14, 2015

El artista conceptual y el tradicional que habitan en mi


La lucha del arte por separarse de la artesanía se definió en el Renacimiento, allí nació gran parte de la concepción moderna del Arte.
El desarrollo conceptual del arte que en gran medida es más un dominio de los teóricos que de los artistas  triunfó por sobre la presencia misma de las obras. Desde ese momento  en adelante el arte estaría en las obras pero mucho más en lo que decimos de ellas La  calidad artesanal sin un discurso conceptual estético atrás sosteniéndolo,  cada vez más empezó  a ser rechazado, y superado .

Luego siguiendo esta dirección el arte fue convirtiéndose más y más en un hecho intelectual libre de todo. La academia clasicista europea , la primera gran ideologista del arte, que  construiría un andamiaje de ideas estructurado en las enseñanzas de los grandes maestros renacentistas
luego sería el primer gran escollo a desplazar por el Romanticismo y sus derivados las Vanguardias.

 El Romanticismo instalaría un nuevo paradigma, que ya no será la repetición de un lenguaje perfecto como en la antigüedad o en la edad media, sino que deberá estar signado por la ruptura de las escuelas y la novedad.
Entonces luego del Renacimiento vino el  Barroco , el Clasicismo, la revolución idealista del  Romanticismo, y todos los demás ismos, todo fue un camino primero hacia la valorización y luego hacia la liberación de las ideas artísticas de todo preconcepto, de toda guía, incluidas las  artes tradicionales como la pintura o la escultura.
Como el movimiento de las corrientes estéticas suele ser pendular, hoy la pintura y la escultura goza de muy buena salud, en estas ultimas décadas ha habido una reacción de artistas que resistimos al mandato del conceptualismo oficial que reina en los lugares centrales de validación.

Resistimos a dejar  absolutamente los oficios necesarios para crear objetos y pasar a  ser todos artistas conceptuales, artistas absolutamente teorizados que luego de resolver una planificación simplemente encargan a  artesanos o a empresas  el objeto que pensaron.

 De todas formas la fuerte corriente conceptualista de las ultimas décadas, sin duda ha producido cambios en mi, en mi formación como artista. Aunque no he abandonado la pintura y la escultura, siento que mi arte esta profundamente influido por el arte conceptual.

Siento en mi por formación el impulso vanguardista de hacer algo nuevo. Esto  me lleva a una búsqueda puramente  intelectual mas que material. Una búsqueda rupturista tratando de combinar y desarrollar las  ideas y conceptos estéticos .

El mandato vanguardista de buscar lo nuevo lo actual, buscar en la variedad , en la profundidad y la necesidad de un discurso de apoyo para las series que desarrollo  de alguna forma me ha movido hacia el arte puramente conceptual, arte que por años parecía para mi totalmente ajeno y ahora me doy cuenta que no es tan así, que simplemente lo que no aceptaba del arte conceptual era el hecho de que el artista conceptual encargara o se apropiara de objetos, que no los hiciera el mismo, pero en mi  forma de producir así en series temáticas "conceptuales", casi como un abanico de ideas, hay sin duda una forma de ver el arte como artista conceptual.

Soy un artista conceptual que hace pintura y escultura? Sí, hay algo de eso.
En el principio o en el final del proceso creativo soy un artista  muy teórico, muy "conceptualizado" que luego de diagramar todo un discurso le encarga un objeto bien determinado a otro artista  que vengo a ser yo mismo , el artista más tradicional  que también hay en mi.

“Máquina 2 ”, madera policromada, 20 x 20 x 92 cm , 2015