domingo, diciembre 07, 2014

Conversaciones perdidas

Amigo _El mes pasado estuve en Nueva York, cuanto arte! una galería al lado de otra.


Yo _Sí, son sociedades las de las grandes capitales donde la gente común compra arte, porque... cuando uno se acostumbra a vivir en una casa donde hay buen arte, pinturas, esculturas, luego otra casa sin arte la sentimos inhóspita, desnuda. Vivir con arte nos ayuda en la vida, las formas y los colores excelentemente combinados mejora nuestro ánimo, inunda los sentidos, el gusto el cerebro se expanden, en fin, una vida sin arte no puede ser plena.-

Me quedó en la cabeza lo que le dije.

En el apuro de esa oportunidad  intenté contagiar mis ganas, y traté de explicar  la importancia trascendental del Arte no para "La humanidad" sino para la vida diaria del común de las personas. 
Partiendo de esta frase me surgieron algunas ideas.

La cotidianidad.
Vivir la experiencia del arte no  tiene que ser sólo  una vez por mes  en los museos, el arte que nos influenciará es el que está en las casas, el de los museos puede ser muy bueno como una referencia de excelencia, pero como pasa con la buena cocina y el comer bien , se debe vivir el arte todos los días en nuestra casa.
Por supuesto no sólo viven el arte los artistas, fundamentalmente se disfruta del arte cuando ya está hecho, entonces incluso el mismo artista desfrutará del arte cuando ya es un público más, un consumidor más. 

 Ese es el fin del arte, lo hacen los artistas para la gente, entonces sólo es necesario elegir las obras que nos acompañarán en nuestra vida. Vivir el arte y que sea una experiencia que  desarrolle nuestra persona, como cualquier ejercicio, tiene que ser un acto diario.

El artista busca la obra en el taller, pero lo más común , sencillo y al alcance de cualquiera es buscar las obras que nos cambiarán la vida en las ya realizadas. Quizás sea esa elección la del público el momento más importante para el Arte, porque será  finalmente el publico el que  subirá y bajará carreras y estilos, definirá la verdadera importancia de una obra, si un estilo es una vanguardia superadora o un mal intento. 

El arte es un logro de todos.
El arte en general y todos sus géneros y lenguajes, los nuevos y los de siempre, son el resultado de la actividad  de toda la sociedad, parece algo obvio, pero todavía se escucha hablar del artista genio, de la excepción. Toda actividad de un pueblo, sea la ciencia, el deporte, lo que sea, es el resultado del esfuerzo conjunto, es imposible que nazcan no digamos 200 , sino 20 artistas de alto nivel, si la sociedad no consume arte, si la sociedad no tiene una actitud crítica y participativa, si el público no asiste a las inauguraciones de los artistas de su ciudad, si no alientan a los artistas que siguen, y la forma más natural de ser ese gran público , de ser ese motor de un arte nacional, es que el público se nutra de buen Arte, y si es posible de los artistas de la zona donde se vive.

La mejor forma de promover al Arte y los artistas es promover un mercado interno de arte.
Las becas del ministerio, los concursos ayudan pero... El público es el actor principal del cambio, de ese salto de calidad,  el coleccionismo no es una actividad snob, sino que es la forma hasta mas económica de enriquecer nuestra cultura personal, que es convivir con el arte en nuestras casas, no hay mejor profesor de arte que ver todos los días una buena obra en vivo , todos los días aprenderemos algo nuevo de ella. Sumemos todo lo que nos costaría  ir en forma recurrente a  museos y exposiciones, o asistir a una clase diaria con un buen profesor de arte y verán que comprar arte es lo más económico.

Como se compra buen arte? es cuestión de seguir el propio instinto, al gusto se lo enriquece  de a poco, para eso los muesos, los libros, las exposiciones, Y luego de un tiempo cuando uno ve la obra indicada va a sentir un flechazo, nos tiene que deslumbrar, elegir las obras que nos acompañarán todos nuestros días, es algo parecido a elegir pareja, solamente hay que confiar en nuestro propio gusto y no dejarse llevar por influencias interesadas, imagínense si para encontrar nuestra pareja tuviéramos que preguntarle a un "critico de amor", o buscarla en una "galería de parejas"? Escuchemos a todos, los que dicen saber, los que saben, vayamos a todas las galerías, las comerciales y las estatales, pero la última palabra tiene que ser la de nuestro corazón.

Que nos da el arte?
El arte y la cultura en general son la principal fuente de fuerza y soluciones  inagotables para un pueblo. 
No es de casualidad que los países líderes del mundo promueven en forma directa e indirecta a sus artistas y su cultura,  cuidan su mercado interno de arte, lo alimentan, dan facilidades impositivas y crediticias para su estimulo, hacen campañas publicitarias, participan en las bienales más importantes. Usan sus cañones de propaganda para validar y posicionar a nivel internacional  a sus artistas y su arte. 

Además yendo a lo más pragmático y materialista, tener una cultura propia sin duda tiene un rápido retorno económico, visitar una ciudad u otra , un país u otro muchas veces lo decide una pequeña pintura en un museo o visitar el taller de un artista.

El arte en sus muchas manifestaciones, la cultura en general, la ciencia, hace que una sociedad sienta que tiene cosas comunes por las que pelear, refuerza sus anticuerpos, son usinas creativas para resolver con imaginación las grandes metas.



martes, noviembre 04, 2014

La alegría

Los cuadros de fiestas y bailes, escenas teatrales donde los personajes dialogan con gestos y ademanes, en cada nuevo cuadro se fueron reduciendo a una pequeña franja de gestos, los de la alegría.

Las risas son levemente distintas en cada personaje, pero no dejan de provocar una sensación de repetición del gesto, quizás una repetición que provoca el eco de un  movimiento cinematográfico o de video. Una escena coral de risas que como suele pasar también en la realidad es una reacción en cadena de alegría.

Carcajadas, risas, sonrisas, miradas alegres y entusiasmadas. En los últimos cuadros de bañistas, los cuerpos bailan sueltos y coreográficamente acompañan a los rostros.
Como si fuera inevitable siempre riese del mismo chiste los personajes pasan sin esfuerzo ese momento trascendente de su existencia en que son felices.

Fiesta en la playa, acrílico sobre tela, 95 x 140 cm, 2014

sábado, octubre 18, 2014

La tribuna

Ya hice una tribuna de fútbol, sólo la tribuna sin que se vea la cancha y los jugadores, la terminé hace unos meses, ahora estoy con tres más de 130 por 95 cm todas horizontales.
Siento que cada pintura es más dificil que la anterior y en cada pintura poco a poco me voy acercando a las figuras, los hinchas, como si lo hiciera con el zoom de una cámara.
Los fanáticos están desbordados, todos gritan, gesticulan, hacen señas con los brazos, ríen, sufren, desean ser los protagonistas.
Creo que en estas pinturas más que nada intento ilustrar esa ilusa necesidad humana de destacarse del resto, querer diferenciarse aunque eso sea imposible.. Porque desde lejos en la tribuna a todos juntos se nos ve como a una indiferenciada trama humana.
Todo es igual, todo como en un geométrico y perfecto tejido.

Tribuna, acrílico sobre tela, 130 x 95 cm, 2014

La pintura es un viaje

Estoy pintado los pies de bañistas bailarines, es una pintura grande, los personajes son siete. Sobre el fondo amarillo siena de la arena de la playa el color naranja de la piel, también rojos, rosados, sepias, ocres. Marrones corregidos con rosas salmón y naranjas de cadmio.
Mientas pinto estoy como en un sueño, en un trance de viaje por distintos momentos pasados, momentos de mi vida , esas imágenes son muy reales, por segundos desaparezco del presente.
La pintura  luego de un tiempo se torna una función esencial de la vida, es una disciplina que nos produce un equilibrio tan vívido, que se puede sentir en el cuerpo.

sábado, junio 07, 2014

Preguntas sobre la serie Futbol

Un fan del fútbol, y de mi serie sobre este deporte me envía este cuestionario desde Madrid, aquí van mis respuestas:


¿Por qué el fútbol es cultura? 

El fútbol es cultura porque todo lo hecho por el hombre es cultura, pero el fútbol en particular  establece un rico material para la comunicación, la creación, y el desarrollo en múltiples categorías de la cultura.  No es casualidad que de una forma se podría decir, natural, se ha convertido en el deporte más popular para la mayoría de los pueblos del mundo.
Hay algo que tiene el deporte y el fútbol en especial, algo que toca las fibras más profundas y espirituales del ser humano,  que lo convierten en  un aglutinante intercultural  único, como también lo es el arte.
De hecho hay una clara conexión entre futbol y arte, como el astro de futbol el buen artista necesita de una gran destreza para resolver problemas muy complejos en décimas de  segundos, no en el campo de juego sino  sobre la tela o modelando la madera o la piedra.
 Los defensores no son los aguerridos e incansables  jugadores de Boca Juniors, son los defensores de la historia ,  los gigantes de la  Historia del Arte, un Miguel Ángel, un Rembrandt que defienden el arco sin cansancio. Casi siempre como cuando enfrentamos a una gran camiseta, por más bonito juego que tengamos en media cancha, llegar a posición de gol y más aún ,convertir , parece un imposible.
También se podria agregar que  diferencia del futbol, en el arte no se ven tan fáciles los goles, o por lo menos siempre son discutidos.

¿Por qué pintar de fútbol?
Háblenos de  “Costumbres argentinas. Fútbol”

Pinto futbol por lo que dije en la anterior pregunta, porque me gusta el deporte, porque el tema del deporte es uno de los géneros más antiguos del arte, sino el más antiguo. Retratar a un ídolo del deporte tiene algo parecido a retratar a un dios pagano, es un ser que tiene los vicios del ser humano, pero misteriosamente  se eleva por sobre la humanidad y logra proezas inimaginables, como las que ha hecho Maradona o hace Messi.
Hoy en día no es fácil hacer arte de género, la moda en el arte pasa más por la experimentación y hacer digamos algo introspectivo y autorreferencial. Pero me parece que vale la pena seguir mi instinto de tratar de realizar este tipo de arte. También en otro reportaje dije que intento con esto crear en la pintura un género artístico auténticamente argentino, como los americanos en el cine lo han hecho con el western. Todas las series que englobo en “Costumbres argentinas” son un poco intentar eso.
Es posible también que con temas como estos también intento comunicarme con más gente, llegar más lejos ye ir más allá del público afín al arte.
Pero más que todo lo anterior pinto lo que pinto siempre por puro instinto, en el arte hay que respetar más que todo a nuestra vos interior , a ese niño que llevamos dentro que es nuestro motor más importante.

 En  particular “Costumbres argentinas. Fútbol” es una serie que ya lleva 10 años de desarrollo, con más  de 100 pinturas, y próximamente haré algunas esculturas. Trato de retratar o contar varios temas del futbol, los jugadores, el público en las tribunas que en argentina son especialmente apasionados, las grandes jugadas en ese instante maravilloso que nos dejan turbados, con la conciencia de asistir a un momento histórico del deporte.

¿Cuál es su primer recuerdo futbolero?
Recomiende un libro, película, escultura… de  fútbol ( a ser posible algo actual y otro un poco menos reciente)

Mi primeros recuerdos futboleros son los de estar en la tribuna de tablones del viejo estadio de futbol de Gimnasia y Esgrima de la Plata, yo muy pequeño junto a mi padre, estar en esa tribuna, en “la popu”, como decía mi padre era una rara sensación, algo así como asistir a una gran misa pagana, lugar de encuentro de amigos que solo la afición a un equipo te puede dar.
No tengo una obra artística en particular sobre el futbol que me haya marcado o influenciado en particular y que pueda recomendar o nombrar, creo que mis influencias artísticas para estas obras  fueron de otros géneros como los de batallas, escenas religiosas y retratos del Renacimiento o El Barroco.

También puedo ver influencias en estas series y en mi pintura figurativa en general en la tradición porteña de la caricatura satírica y que a veces roza con lo disparatado y casi surrealista, que empieza en el siglo19 inspirada claro, en el dibujo de la gráfica europea de ese entonces.

viernes, noviembre 15, 2013

Pinturas surrealistas

Sicodelic TV, acrylic on canvas, 19 x 27 cm. 2013


El comienzo  de la serie surrealista no lo puedo contabilizar en un año en especial como  las otras series, porque este  tipo de dibujo de conexiones absurdas y automáticas, y de proporciones caprichosas, siempre estuvo presente en mi trabajo.
De  alguna forma todas  las demás series existen en contraposición a esta serie, y para tratar de esquivar  lo que me es natural,  la facilidad que tengo en  hacer dibujos vasados en la fantasía e imaginación, a la búsqueda de lo nuevo, de lo asombroso, de pintar una suerte de “irracionalismo”.
No  estoy tan seguro que lo que hago en esta serie es estrictamente surrealismo, me apoyo en soltar libremente la imaginación, conectar objetos, situaciones, escenas, estilos de forma caprichosa y automática, sin ninguna lógica. Uso  la palabra “Surrealista”, un poco como un homenaje  los pintores de la vanguardia, pues ni bien conocí su obra me maravillaron.
Al  contrario de mi serie simbolista, donde trabajo a la manera del Bosco o Brueghel donde tejo  minuciosamente cada imagen para controlar  y armar metáforas visuales, en estas pinturas, improviso, voy por caminos meramente intuitivos,  como pasa en la naturaleza las pinturas nacen solas y salvajes. No obstante en estas pinturas  se puede ver una lógica de significados que interactúan, metáforas irónicas y hasta humorísticas, pero es algo que noto  mucho después que las hago, ya viéndolas como un espectador más.


lunes, noviembre 04, 2013

Pintura - objeto


"Máquina" Escultura abstracta de madera maciza policromada,  medidas, 45 x 18 x 18 cm , 2013


“Estrella negra” , acrylic on canvas, 30 x 30 cm, 2013


En mis esculturas abstractas, la idea de trabajo es jugar con formas puras, y así inventar objetos, parecido a fabricar máquinas  que producen volúmenes.
 Después con color subrayo las  formas que me interesan, las direcciones de los volúmenes, los puntos importantes de la estructura escultórica.

Partiendo  de esta experiencia escultórica luego nacieron una  nueva serie de pinturas abstractas.
En estas pinturas desde el comienzo prescindí  de la caja de simulación de volumen que da la perspectiva lineal más el modelado, y la intención fue suplantarlo por otros indicadores de volumen.
 La  pintura es color, y es materia, y es en los distintos grosores  de la película pictórica donde trato de establecer un juego de volúmenes. Como si la escultura se fuera achatando, se convirtiera en relieve y luego más y más  hasta quedar su volumen representado por la fina película de materia  de la pintura.
Los cuerpos geométricos los convierto en figuras planas, posteriormente refuerzo la “corporeidad” de estas figuras remarcando sus contornos  y perfiles con texturas y colores. Se puede decir entonces que los indicadores de volumen que uso son más pictóricos, porque usan directamente las propiedades de la pintura en cambio de herramientas del dibujo. Porque los distintos grosores de pintura y el color en sus distintas frecuencias no es una simulación, sino que es una presencia de materia real, absolutamente perceptible y es posible que con menos  necesidades de un “aprender” su lectura.
Encuentro en este desarrollo conexiones con el movimiento Madí de arte abstracto argentino surgido a mediados del siglo 20, en el sentido del uso de una combinación de  geometría básica y la intención de inventar, de hacer una obra autónoma y absolutamente independiente.
Pero también encuentro lazos en las culturas precolombinas sudamericanas, en estas obras hay mucho de mis visitas al segundo piso del Museo de Ciencias Naturales de La Plata, donde se halla siempre en exhibición parte de la gigantesca y fabulosa colección de cerámica y textiles de culturas originarias que posee el museo. Los diseños de estas piezas son ricos en formas y colores,  y de combinaciones exquisitas, por sutiles e imaginativas.

Al tratar de hacer una pintura de volúmenes reales, perfectos, de formas puras, he pasado directamente del objeto al plano, y de alguna forma estoy haciendo una pintura – objeto.


sábado, octubre 19, 2013

El artista romántico


Para los artistas del segundo siglo renacentista la instalación de la Academia clasicista dio el marco para terminar de poner a las Artes Plásticas en igualdad con la Música o la Poesía. Fue necesario establecer un esqueleto teórico que les aportó el sustento intelectual, prueba fundamental de su nobleza.

El  Arte para liberarse de su parte artesanal se tiene que liberar de  la materia. Separado de la artesanía, Arte  es lo intangible, todas las intenciones del artista y las lecturas que se le puede dar a esas intenciones que están expresadas en la obra, que adquieren una nueva dimensión y valor en su contexto. La obra es sólo un vehículo para lo que en definitiva será pensamiento puro expresado en un lenguaje universal.  El  Arte no vive en las obras sino en los pensamientos que expresamos sobre ellas, el acto etéreo de pensar, de interpretar una obra,  es la verdadera esencia del  “hacer” Arte, y entonces las nuevas obras necesariamente nacerán de una reinterpretación, de una dialéctica entre artistas y también entre épocas.

Las academias  al poco tiempo de su creación rápidamente fueron socias o herederas de los poderosos gremios medievales puesto que como ellos tuvieron la potestad de acepar  o expulsar a sus miembros, medir niveles de calidad, otorgar membrecías, escalas, y certificados, aconsejar a los mecenas, influenciar en la decisión de los encargos de la iglesia, del estado  o de la ascendente  burguesía.
Entonces algo que  en un principió sirvió para el progreso de los artistas, luego fue  tornándose conservador, quizás más que los propios gremios.
Aunque su aporte ya lo habían hecho: otorgarle a un  objeto que antes era algo dudosamente decorativo y sospechosamente dependiente de habilidades manuales, su espíritu, su ideología, el Arte tiene que ver con un acto del pensamiento , más que con el acto de hacer un objeto, y esto iba a ser el elemento de cambio en el futuro.

De ahora en más no podrá haber un arte importante para la historia sin tener un armazón teórico que lo apoye, lo justifique, y también sirva a modo de defensa contra teóricos “contrarios” de los otros movimientos.

 En  el siglo XVIII,  llegó la institucionalización de las academias, más organizadas y articuladas con el Estado, la escuela Neoclásica otorgó escalas de valor a los distintos estilos históricos del Arte de Europa, y surgió más que nada de una pretensión de “corregir” la aventura realista del Barroco que se había desviado de los objetivos idealistas del Renacimiento.

 Las academias clasicistas del arte europeo y el Neoclásico en especial trataron de instalar lo que parecía iba a ser el Arte para los próximos mil años, pero la realidad es que en poco tiempo un gran movimiento nuevo pondría todo en duda y en crisis.

A finales del siglo XVIII la crisis se llamó Romanticismo, un cambio radical ideológico en respuesta a la organización  escolástica sustentada en la Ilustración  y la Razón.
Los artistas románticos no estaban en contra de la intelectualización del arte sino más que todo de las nuevas instituciones de validación que se estaban formando, y proclamaron una idea de libertad que ya estaba presente en los grandes artistas desde mucho antes pero que en ese momento pareció ser un golpe definitivo para las instituciones de arte.

El Arte no puede ser definido ni elegido por una institución, ni por un grupo de notables, ni por el estado, ni aún tampoco por el público contemporáneo que es cambiante y puede naufragar fácilmente en modas.  Será Arte entonces lo que decida el artista,  no necesitará más que su voluntad para serlo,   no necesitará ser aceptado o pertenecer a ninguna academia ni gremio, ser artista va a ser una decisión personal, individual.

Entonces el Romanticismo fue la primera gran vanguardia antiacadémica y desde esa época hasta hoy vamos a ver la repetición de esta contraposición histórica, la instalación de academias y por el otro lado, artistas que en grupo o solitarios con mejor o peor suerte las desafían.

Como en el primer Romanticismo, como ahora, es nuestro deber como artistas, que nuestros anhelos de cambio, nuestro pensamiento, no se anestesien en la comodidad del gremio, no podemos adormecernos y transar elogios a cambio de endulzar nuestro arte, hacer un arte aburguesado y aceptado por las academias del momento.

El  arte del futuro será el que rompa con las  estructuras escolásticas, con los gremios, el que sólo necesite de su propia fuerza, dada por la imaginación. 

martes, setiembre 03, 2013

El plan







Hace más de 15 años en el principio de mi carrera, resolví dividir el trabajo en varias series, viéndolo a distancia  siento que no tuve elección, resolver todos estas inquietudes fue un mandato interno muy fuerte que obedecí desde el principio.
Hasta hoy he trabajado siguiendo el mismo plan, aunque con el paso de los años  he desarrollado vasos comunicantes entre las distintas series, abriendo la posibilidad a la fusión.
Como pasa con la mayoría de los dossiers o webs de los artistas, a la manera de las exposiciones convencionales lo habitual es mostrar una pequeña y muy prolija  selección  de lo producido, en cambio a mí me interesó mostrar más que nada el proceso de crecimiento de las series.
 Para eso he ido mostrando en todos estos años, primero los bocetos y pequeñas obras, y después las obras más grandes y de más desarrollo que obviamente usan a las pequeñas de base y sustentación.
 Para describir este proceso de trabajo voy a usar una metáfora bélica . Entonces , los bocetos y obras pequeñas, serían los exploradores y las líneas de vanguardia, que preparan el terreno, para que luego  llegue lentamente el ejército pesado, los tanques, las obras más grandes y de mayor dificultad.
 Desde el principio usé a mi web como una  herramienta más del trabajo del taller, donde puedo comparar y ver toda la obra junta. Como digo en el inicio de mi web: lo que están viendo es mi taller abierto, donde me encuentran trabajando.
Así mi  web y mis blogs, son como una galería expositora lindante a mi taller, y me ayudan a entender como mi obra va creciendo. Poder ver toda la obra junta es muy importante, para como espectador poder alejarme del trabajo diario.
También esta herramienta me ha servido para comunicarme con el público de cualquier lugar del mundo, y para intentar que se entienda cual es mi intención como artista, pero este punto lo desarrollaré más adelante.
De alguna forma mi web ya hace muchos años, ha pasado a ser una obra en si misma, la he trabajado y modelando como una hipotética gran obra, en continuo cambio y metamorfosis, un gran campo de batalla, donde diagramo las estrategias a seguir, y donde el espectador puede meterse y entender un poco el juego que propongo.
Trato de no  limitar la  obra sólo a decisiones lógicas, en primera instancia siempre abro el juego a la intuición e imaginación, después viene la corrección con lo que yo llamo las herramientas de la lógica, que no son otras que las del oficio, del dibujante, el pintor o el escultor, y también estas reflexiones más teóricas, que me permiten tomarme un tiempo para oxigenarme, para darle a mi cabeza la posibilidad temporal de que vuelva a planificar y corregir.
Fui  subiendo en mi web primero las obras pequeñas (20 x 30 cm) y luego las obras de más complejidad y centímetros que vinieron después, siguiendo un aumento natural de la obra y siempre prestando atención al surgimiento de la obra que origina un nuevo camino, es decir el plan admite correcciones en el terreno.
Desde el primer momento supe que la empresa era  contracorriente, porque era transitar un camino  no  lineal y recto hacia un destino preciso sino que tuve que expandirme desde varios puntos, ir lentamente explorando lugares a veces hasta contradictorios, y con el tiempo dejar que se desarrollen en forma natural comunicaciones  entre ellos.
En los próximos escritos intentaré comentar sobre esos vasos comunicantes que he construido entre las series y en los que ahora estoy con más ahínco trabajando, en busca de algo, un estilo, una forma, una imagen nueva .



jueves, agosto 15, 2013

Pintura abstracta geometrica




Alejado  ya de todo significado figurativo, en mi serie abstracta ahora estoy haciendo obras más radicales.
En las nuevas pinturas la composición absolutamente despojada de detalles es decisiva, mecánica, rítmica.
Una geometría rítmica y musical que contiene al color que ahora es total protagonista y debe por su propia fuerza hacer que la cosa funcione.
En los últimos meses he producido trabajos donde formas como ladrillos se disponen a modo de construcciones, y el color establece un lenguaje propio, despojado, que surge de poner en primer plano un juego cromático,  liberando su esencia, su energía.
La abstracción tanto en pintura como en escultura cada vez me fascina más, mientras hago estos trabajos, me olvido completamente de mis otras series figurativas.
Estas obras tienen algo de nuestra tradición de pintura abstracta geométrica, pero más que nada las veo cercanas a diseños de culturas primigenias sudamericanas, diseños que he estudiado desde el principio de mi carrera en las salas del Museo de Ciencias Naturales de La Plata.
Cuando era niño siempre me interesó más el color que el dibujo, estoy encontrándome también con esas vivencias más internas, que producen en mí una íntima revolución.




Composición cromática 3, acrylic on canvas, 100 x 130 cm. 2013

martes, julio 09, 2013

Serie Fútbol





 Brasil - Argentina, clasicos de futbol mundial, acrylic on canvas, 64 x 45 cm. 2009

Hice  los primeros bocetos de la serie “Fútbol”, en los años 1998 / 1999. Empecé dibujando sobre las circunstancias del juego y los hinchas en las tribunas. El estilo de dibujo como el tratamiento del color lo fui amoldando a la necesidades de de cada pintura. No me preocupé por la forma sino más por contar, por narrar.

Como con las otras series, he ido poco a poco sumando centímetros a las pinturas, las primeras pinturas eran témperas de 20 x 30 cm , luego telas de 30 x 40 y así, hasta llegar a las más grandes de 100 x 130 cm.

En la serie hay 6 tipos de obras: 1) Escenas del juego. 2) Retratos de jugadores famosos. 3) Panorámicas de todo el estadio. 4) Escenas de la tribuna. 5) Abstracciones. 6) Clásicos futboleros a manera de afiches. 

De las series que trabajo esta es la que más influencias populares tiene. Las  imágenes del deporte que nuestra sociedad adopta como símbolo de pertenencia, por su masificación tienden a achatarse, yo las rescato e intento devolverles volumen, artístico y metafórico. Trato de agregarles más dibujo, más colores, más intenciones, pero sin olvidarme de donde surgen para que no pierdan algo de esa fuerza icónica popular, su esencia primaria . 

El fútbol instala continuamente imágenes emotivas en nuestro pensamiento colectivo. Es muy interesante jugar con esas imágenes, variar su materia , profundizar en su esencia, y en el día a día del trabajo en el taller ir seleccionando las obras que más me sorprenden.