viernes, noviembre 15, 2013

Pinturas surrealistas

Sicodelic TV, acrylic on canvas, 19 x 27 cm. 2013


El comienzo  de la serie surrealista no lo puedo contabilizar en un año en especial como  las otras series, porque este  tipo de dibujo de conexiones absurdas y automáticas, y de proporciones caprichosas, siempre estuvo presente en mi trabajo.
De  alguna forma todas  las demás series existen en contraposición a esta serie, y para tratar de esquivar  lo que me es natural,  la facilidad que tengo en  hacer dibujos vasados en la fantasía e imaginación, a la búsqueda de lo nuevo, de lo asombroso, de pintar una suerte de “irracionalismo”.
No  estoy tan seguro que lo que hago en esta serie es estrictamente surrealismo, me apoyo en soltar libremente la imaginación, conectar objetos, situaciones, escenas, estilos de forma caprichosa y automática, sin ninguna lógica. Uso  la palabra “Surrealista”, un poco como un homenaje  los pintores de la vanguardia, pues ni bien conocí su obra me maravillaron.
Al  contrario de mi serie simbolista, donde trabajo a la manera del Bosco o Brueghel donde tejo  minuciosamente cada imagen para controlar  y armar metáforas visuales, en estas pinturas, improviso, voy por caminos meramente intuitivos,  como pasa en la naturaleza las pinturas nacen solas y salvajes. No obstante en estas pinturas  se puede ver una lógica de significados que interactúan, metáforas irónicas y hasta humorísticas, pero es algo que noto  mucho después que las hago, ya viéndolas como un espectador más.


lunes, noviembre 04, 2013

Pintura - objeto


"Máquina" Escultura abstracta de madera maciza policromada,  medidas, 45 x 18 x 18 cm , 2013


“Estrella negra” , acrylic on canvas, 30 x 30 cm, 2013


En mis esculturas abstractas, la idea de trabajo es jugar con formas puras, y así inventar objetos, parecido a fabricar máquinas  que producen volúmenes.
 Después con color subrayo las  formas que me interesan, las direcciones de los volúmenes, los puntos importantes de la estructura escultórica.

Partiendo  de esta experiencia escultórica luego nacieron una  nueva serie de pinturas abstractas.
En estas pinturas desde el comienzo prescindí  de la caja de simulación de volumen que da la perspectiva lineal más el modelado, y la intención fue suplantarlo por otros indicadores de volumen.
 La  pintura es color, y es materia, y es en los distintos grosores  de la película pictórica donde trato de establecer un juego de volúmenes. Como si la escultura se fuera achatando, se convirtiera en relieve y luego más y más  hasta quedar su volumen representado por la fina película de materia  de la pintura.
Los cuerpos geométricos los convierto en figuras planas, posteriormente refuerzo la “corporeidad” de estas figuras remarcando sus contornos  y perfiles con texturas y colores. Se puede decir entonces que los indicadores de volumen que uso son más pictóricos, porque usan directamente las propiedades de la pintura en cambio de herramientas del dibujo. Porque los distintos grosores de pintura y el color en sus distintas frecuencias no es una simulación, sino que es una presencia de materia real, absolutamente perceptible y es posible que con menos  necesidades de un “aprender” su lectura.
Encuentro en este desarrollo conexiones con el movimiento Madí de arte abstracto argentino surgido a mediados del siglo 20, en el sentido del uso de una combinación de  geometría básica y la intención de inventar, de hacer una obra autónoma y absolutamente independiente.
Pero también encuentro lazos en las culturas precolombinas sudamericanas, en estas obras hay mucho de mis visitas al segundo piso del Museo de Ciencias Naturales de La Plata, donde se halla siempre en exhibición parte de la gigantesca y fabulosa colección de cerámica y textiles de culturas originarias que posee el museo. Los diseños de estas piezas son ricos en formas y colores,  y de combinaciones exquisitas, por sutiles e imaginativas.

Al tratar de hacer una pintura de volúmenes reales, perfectos, de formas puras, he pasado directamente del objeto al plano, y de alguna forma estoy haciendo una pintura – objeto.


sábado, octubre 19, 2013

El artista romántico


Para los artistas del segundo siglo renacentista la instalación de la Academia clasicista dio el marco para terminar de poner a las Artes Plásticas en igualdad con la Música o la Poesía. Fue necesario establecer un esqueleto teórico que les aportó el sustento intelectual, prueba fundamental de su nobleza.

El  Arte para liberarse de su parte artesanal se tiene que liberar de  la materia. Separado de la artesanía, Arte  es lo intangible, todas las intenciones del artista y las lecturas que se le puede dar a esas intenciones que están expresadas en la obra, que adquieren una nueva dimensión y valor en su contexto. La obra es sólo un vehículo para lo que en definitiva será pensamiento puro expresado en un lenguaje universal.  El  Arte no vive en las obras sino en los pensamientos que expresamos sobre ellas, el acto etéreo de pensar, de interpretar una obra,  es la verdadera esencia del  “hacer” Arte, y entonces las nuevas obras necesariamente nacerán de una reinterpretación, de una dialéctica entre artistas y también entre épocas.

Las academias  al poco tiempo de su creación rápidamente fueron socias o herederas de los poderosos gremios medievales puesto que como ellos tuvieron la potestad de acepar  o expulsar a sus miembros, medir niveles de calidad, otorgar membrecías, escalas, y certificados, aconsejar a los mecenas, influenciar en la decisión de los encargos de la iglesia, del estado  o de la ascendente  burguesía.
Entonces algo que  en un principió sirvió para el progreso de los artistas, luego fue  tornándose conservador, quizás más que los propios gremios.
Aunque su aporte ya lo habían hecho: otorgarle a un  objeto que antes era algo dudosamente decorativo y sospechosamente dependiente de habilidades manuales, su espíritu, su ideología, el Arte tiene que ver con un acto del pensamiento , más que con el acto de hacer un objeto, y esto iba a ser el elemento de cambio en el futuro.

De ahora en más no podrá haber un arte importante para la historia sin tener un armazón teórico que lo apoye, lo justifique, y también sirva a modo de defensa contra teóricos “contrarios” de los otros movimientos.

 En  el siglo XVIII,  llegó la institucionalización de las academias, más organizadas y articuladas con el Estado, la escuela Neoclásica otorgó escalas de valor a los distintos estilos históricos del Arte de Europa, y surgió más que nada de una pretensión de “corregir” la aventura realista del Barroco que se había desviado de los objetivos idealistas del Renacimiento.

 Las academias clasicistas del arte europeo y el Neoclásico en especial trataron de instalar lo que parecía iba a ser el Arte para los próximos mil años, pero la realidad es que en poco tiempo un gran movimiento nuevo pondría todo en duda y en crisis.

A finales del siglo XVIII la crisis se llamó Romanticismo, un cambio radical ideológico en respuesta a la organización  escolástica sustentada en la Ilustración  y la Razón.
Los artistas románticos no estaban en contra de la intelectualización del arte sino más que todo de las nuevas instituciones de validación que se estaban formando, y proclamaron una idea de libertad que ya estaba presente en los grandes artistas desde mucho antes pero que en ese momento pareció ser un golpe definitivo para las instituciones de arte.

El Arte no puede ser definido ni elegido por una institución, ni por un grupo de notables, ni por el estado, ni aún tampoco por el público contemporáneo que es cambiante y puede naufragar fácilmente en modas.  Será Arte entonces lo que decida el artista,  no necesitará más que su voluntad para serlo,   no necesitará ser aceptado o pertenecer a ninguna academia ni gremio, ser artista va a ser una decisión personal, individual.

Entonces el Romanticismo fue la primera gran vanguardia antiacadémica y desde esa época hasta hoy vamos a ver la repetición de esta contraposición histórica, la instalación de academias y por el otro lado, artistas que en grupo o solitarios con mejor o peor suerte las desafían.

Como en el primer Romanticismo, como ahora, es nuestro deber como artistas, que nuestros anhelos de cambio, nuestro pensamiento, no se anestesien en la comodidad del gremio, no podemos adormecernos y transar elogios a cambio de endulzar nuestro arte, hacer un arte aburguesado y aceptado por las academias del momento.

El  arte del futuro será el que rompa con las  estructuras escolásticas, con los gremios, el que sólo necesite de su propia fuerza, dada por la imaginación. 

martes, septiembre 03, 2013

El plan







Hace más de 15 años en el principio de mi carrera, resolví dividir el trabajo en varias series, viéndolo a distancia  siento que no tuve elección, resolver todos estas inquietudes fue un mandato interno muy fuerte que obedecí desde el principio.
Hasta hoy he trabajado siguiendo el mismo plan, aunque con el paso de los años  he desarrollado vasos comunicantes entre las distintas series, abriendo la posibilidad a la fusión.
Como pasa con la mayoría de los dossiers o webs de los artistas, a la manera de las exposiciones convencionales lo habitual es mostrar una pequeña y muy prolija  selección  de lo producido, en cambio a mí me interesó mostrar más que nada el proceso de crecimiento de las series.
 Para eso he ido mostrando en todos estos años, primero los bocetos y pequeñas obras, y después las obras más grandes y de más desarrollo que obviamente usan a las pequeñas de base y sustentación.
 Para describir este proceso de trabajo voy a usar una metáfora bélica . Entonces , los bocetos y obras pequeñas, serían los exploradores y las líneas de vanguardia, que preparan el terreno, para que luego  llegue lentamente el ejército pesado, los tanques, las obras más grandes y de mayor dificultad.
 Desde el principio usé a mi web como una  herramienta más del trabajo del taller, donde puedo comparar y ver toda la obra junta. Como digo en el inicio de mi web: lo que están viendo es mi taller abierto, donde me encuentran trabajando.
Así mi  web y mis blogs, son como una galería expositora lindante a mi taller, y me ayudan a entender como mi obra va creciendo. Poder ver toda la obra junta es muy importante, para como espectador poder alejarme del trabajo diario.
También esta herramienta me ha servido para comunicarme con el público de cualquier lugar del mundo, y para intentar que se entienda cual es mi intención como artista, pero este punto lo desarrollaré más adelante.
De alguna forma mi web ya hace muchos años, ha pasado a ser una obra en si misma, la he trabajado y modelando como una hipotética gran obra, en continuo cambio y metamorfosis, un gran campo de batalla, donde diagramo las estrategias a seguir, y donde el espectador puede meterse y entender un poco el juego que propongo.
Trato de no  limitar la  obra sólo a decisiones lógicas, en primera instancia siempre abro el juego a la intuición e imaginación, después viene la corrección con lo que yo llamo las herramientas de la lógica, que no son otras que las del oficio, del dibujante, el pintor o el escultor, y también estas reflexiones más teóricas, que me permiten tomarme un tiempo para oxigenarme, para darle a mi cabeza la posibilidad temporal de que vuelva a planificar y corregir.
Fui  subiendo en mi web primero las obras pequeñas (20 x 30 cm) y luego las obras de más complejidad y centímetros que vinieron después, siguiendo un aumento natural de la obra y siempre prestando atención al surgimiento de la obra que origina un nuevo camino, es decir el plan admite correcciones en el terreno.
Desde el primer momento supe que la empresa era  contracorriente, porque era transitar un camino  no  lineal y recto hacia un destino preciso sino que tuve que expandirme desde varios puntos, ir lentamente explorando lugares a veces hasta contradictorios, y con el tiempo dejar que se desarrollen en forma natural comunicaciones  entre ellos.
En los próximos escritos intentaré comentar sobre esos vasos comunicantes que he construido entre las series y en los que ahora estoy con más ahínco trabajando, en busca de algo, un estilo, una forma, una imagen nueva .



jueves, agosto 15, 2013

Pintura abstracta geometrica




Alejado  ya de todo significado figurativo, en mi serie abstracta ahora estoy haciendo obras más radicales.
En las nuevas pinturas la composición absolutamente despojada de detalles es decisiva, mecánica, rítmica.
Una geometría rítmica y musical que contiene al color que ahora es total protagonista y debe por su propia fuerza hacer que la cosa funcione.
En los últimos meses he producido trabajos donde formas como ladrillos se disponen a modo de construcciones, y el color establece un lenguaje propio, despojado, que surge de poner en primer plano un juego cromático,  liberando su esencia, su energía.
La abstracción tanto en pintura como en escultura cada vez me fascina más, mientras hago estos trabajos, me olvido completamente de mis otras series figurativas.
Estas obras tienen algo de nuestra tradición de pintura abstracta geométrica, pero más que nada las veo cercanas a diseños de culturas primigenias sudamericanas, diseños que he estudiado desde el principio de mi carrera en las salas del Museo de Ciencias Naturales de La Plata.
Cuando era niño siempre me interesó más el color que el dibujo, estoy encontrándome también con esas vivencias más internas, que producen en mí una íntima revolución.




Composición cromática 3, acrylic on canvas, 100 x 130 cm. 2013

martes, julio 09, 2013

Serie Fútbol





 Brasil - Argentina, clasicos de futbol mundial, acrylic on canvas, 64 x 45 cm. 2009

Hice  los primeros bocetos de la serie “Fútbol”, en los años 1998 / 1999. Empecé dibujando sobre las circunstancias del juego y los hinchas en las tribunas. El estilo de dibujo como el tratamiento del color lo fui amoldando a la necesidades de de cada pintura. No me preocupé por la forma sino más por contar, por narrar.

Como con las otras series, he ido poco a poco sumando centímetros a las pinturas, las primeras pinturas eran témperas de 20 x 30 cm , luego telas de 30 x 40 y así, hasta llegar a las más grandes de 100 x 130 cm.

En la serie hay 6 tipos de obras: 1) Escenas del juego. 2) Retratos de jugadores famosos. 3) Panorámicas de todo el estadio. 4) Escenas de la tribuna. 5) Abstracciones. 6) Clásicos futboleros a manera de afiches. 

De las series que trabajo esta es la que más influencias populares tiene. Las  imágenes del deporte que nuestra sociedad adopta como símbolo de pertenencia, por su masificación tienden a achatarse, yo las rescato e intento devolverles volumen, artístico y metafórico. Trato de agregarles más dibujo, más colores, más intenciones, pero sin olvidarme de donde surgen para que no pierdan algo de esa fuerza icónica popular, su esencia primaria . 

El fútbol instala continuamente imágenes emotivas en nuestro pensamiento colectivo. Es muy interesante jugar con esas imágenes, variar su materia , profundizar en su esencia, y en el día a día del trabajo en el taller ir seleccionando las obras que más me sorprenden.

viernes, junio 28, 2013

Serie Gente

Para hacer esta serie realicé estudios previos desde mediados de la década de los 90 y parte de la primera del nuevo siglo. En todos esos años recabé muchísima información bocetando en la calle (con menor insistencia aún lo sigo haciendo). Sentado en el ómnibus o en el tren, desde un banco de una plaza, fui bocetando gestos y expresiones de la gente, faciales y corporales, y cómo esos gestos generan un lenguaje en sí mismo, tanto individual como grupal.

También investigué a varios de los grandes artistas que usaron para comunicar la expresividad teatral de gestos y actitudes de sus retratados. Los géneros de la pintura y la escultura que lo permite son varios: El retrato, la pintura histórica y la pintura costumbrista más que todos.

Al principio empecé a bocetar sin saber bien que buscaba, aunque intuía que mucha información valiosa para mis nuevas obras iba a salir de la calle. Viendo los trabajos me di cuenta que desde el gesto de cada persona al realizar una acción estaba la clave para formar ese esqueleto expresivo que necesitaba para construir primero un personaje y luego varios actuando a la vez. También que los gestos y actitudes que son parte de nuestro lenguaje, son absolutamente originales y propios de cada lugar, y están en continuo cambio.
Toda esta información es un material muy rico,  la meta entonces fue y sigue siendo modelarlo para contar pequeñas historias.

En 2003 con el cuadro “Cena familiar” creo que logro una primera aproximación a lo que estaba buscando. Pero fue en el año 2008 con la obra “Reunión social”, cuando perfecciono el estilo de dibujo con el que más me sentiría cómodo para construir las escenas, un dibujo de elegante estilización muy a la manera de los ilustradores de finales del siglo 19 y principio del 20. Durante los siguientes 3 años profundicé esa imagen con una serie de pinturas donde repito las escenas típicas de una fiesta o de gente en un restaurant, todos los personajes están sentados a la mesa, antes , durante o después del almuerzo o cena, en un ambiente festivo y distendido.

Hacia el año 2011 realizo una escena donde esas personas se paran y bailan con la obra “El baile”, con la posibilidad de usar el lenguaje de gestos de la mitad del cuerpo a todo el cuerpo. También realizo variantes de esa obra, tratando de complejizar el mensaje, y que se filtren distintas emociones entre los personajes de la pintura. A la que le agrego un tratamiento del color y volumen que cambia y se distorsiona por lo que serían las luces típicas de los boliches bailables.

Esta serie , por el trabajo de tantos años, es una serie capital entre las otras series que estoy desarrollando, creo que trato de expresar situaciones donde describo la necesidad imperativa de comunicarse que tienen los seres humanos para su existencia.

"Reunión Social", acrílico sobre tela, 75 x 100 cm. 2008

jueves, junio 20, 2013

Nueva figuración

jueves 20 de Junio
Después de muchos meses de hacer pinturas y esculturas abstractas, una nueva figuración empezó a surgir en los bocetos y dibujos que hago a diario, creo que el cambio fundamental fue provocado por las nuevas obras escultóricas, las tallas figurativas que estoy terminando este año, donde hay una clara inclinación hacia la figuración expresionista y el uso de un fuerte contraste de color en el policromado.

 Después de hacer mucha obra geométrica contrariamente están surgiendo muchos dibujos totalmetne figurativos y expresivos, escenas de batallas de la independencia y  costumbristas de fiestas y reuniones, estos nuevos dibujos son de estructuras compositivas dinámicas , son algo así como una barroquización de las obras que las anteceden, de las series Histórica y Gente.

Dominan las nuevas composiciones las curvas espiraladas y las rectas diagonales contrapuestas , estos dibujos son mas pictóricos, tanto que voy a tener que reservar mucho lugar a la prueba de  texturas y colores en el momento justo de pintarlos en la obra final, el resultado son figuras de proporciones  y movimientos exagerados que aumentan el dramatismo de las escenas.

sábado, junio 01, 2013

La felicidad

29 de mayo, 20.30hs
Estoy en el taller.
Toda nuestra carrera, todo nuestro esfuerzo y obra se tendría que justificar por estos minutos de felicidad después de haber trabajado todo el día en las obras.
En mi taller estoy rodeado de todo mi trabajo, placares que hacen de archivo de pinturas , por todas partes pinturas  a medio hacer, esculturas de madera en distintos momentos del trabajo, recién comenzadas o que sólo le falta el policromado, mesas con el desorden de los pinceles espátulas y  mil más utensilios.
Yo soy el primer espectador de las obras, por un momento trato de olvidar que las hice para verlas como el público.
Como pasa con los hijos quizás algunas viajen lejos por el mundo y acaben en un muy buen lugar, y otras nunca salgan del taller.
Trato de que eso no me importe, depender del éxito de mercado o figurar en las revistas para alegrar nuestro ánimo sólo puede hacernos infelices.
En cambio aquí en el taller la obra como ángeles de la guarda me custodia, me cuida de la distracción y la vanidad. La obra vuelve a tener esa función primigenia de ser algo así como un amuleto.
Como el mundo, el arte contemporáneo está convulsionado, todo parece reservado a un vano juego de ver quien tiene más exposición, quien es más aceptado, este juego es muy peligroso porque puede contaminar nuestro arte, anestesiar nuestro talento, y cegarnos.
En el taller me siento a salvo de todo ese carnaval, las obras me resguardan y puedo seguir haciendo.

martes, mayo 14, 2013

Color absoluto

Mayo de 2013. La abstracción tanto pintura como escultura cada vez me fascina más, tanto que estoy por necesidad de concentración, algo así como olvidándome completamente de mi dibujo figurativo. La forma  cada vez más en función del color no pierde  contacto con lo lúdico y las imágenes Pop o industriales.
En las últimas pinturas de los bailes en el 2012 la forma ya la repetía rítmica , geométrica y sumativa, como preparando el terreno para este año.
No dudo que estas obras tengan claras conexiones con la tradición de la pintura abstracta geométrica argentina pero también las siento cercanas a diseños de  culturas ancestrales sudamericanas, muchos que he podido ver desde niño hasta hoy en las salas del Museo de Ciencias Naturales de La Plata, siempre visitarlo es como ir al mejor museo de arte contemporáneo, los textiles y cerámicas multicolores que contiene son un verdadero tesoro.
Desde muy chico siempre me interesó más el color que el dibujo, estoy encontrándome con esas vivencias más internas, que producen en mi una íntima revolución.
Hoy más que nunca necesito que el color esté en primer plano en absoluta  plenitud

“Composición nº 7” , acrylic on canvas, 32 x 33 cm, 2013


“Composición nº 3” , acrylic on canvas, 36.5 x 33.5 cm, 2013

“Caja de luz 2” , acrylic on canvas, 40 x 43 cm, 2013

sábado, mayo 11, 2013

La escena hace al actor

Los grandes artistas como los grandes cracks de fútbol son siempre escasos, lo único que podemos hacer como sociedad y lógicamente ayudados por el estado, es fomentar una gran escena artística, que la gente empiece a ser fan del arte como lo es del fútbol, la escena hace al actor, como es difícil que un gran futbolista nazca en New York también va a ser difícil que en lugares donde el público no sea participativo, apoye , concurra , haya un coleccionismo importante, nazca la gran obra original e influyente. El Renacimiento fue importante por sus grandes artistas pero mucho más por sus grandes coleccionistas y mecenas (tanto el burgués como el príncipe) , en resumen la gran obra del Renacimiento fue posible por la vocación de toda una sociedad de trascender su tiempo.

sábado, abril 13, 2013

El juego


La naturaleza misma del Arte hace que no se puedan tener certezas instantáneas.  La trascendencia de  una obra no puede ser validada en su propio tiempo simplemente porque ese no es el juego.

 El Arte más que todo es un medio de comunicación  entre generaciones, la obra dialoga con las obras del pasado , se nutre de actualidad , pero lo más importante, busca una comunicación con el futuro.
 Es un objeto que inventa el artista   para conectarse con un público que en su mayoría no será contemporáneo.



domingo, febrero 17, 2013

Escultura, el regreso

Febrero de 2013. hace dos semanas que estoy haciendo escultura.
 Empecé tres de madera con encastres, serán policromadas. Me baso en las pinturas, luego muchos bocetos y por último la madera.
 Hacer escultura es algo indescriptible, ver como se resiste el material noble a ser cambiado y aún así lograr cambiarlo es sentir el Arte en toda su potencia.
 Abril de 2013. Estoy haciendo muchas esculturas a la vez, 9 o 10, también sigo mi desarrollo de pintura abstracta. en algún momento pienso unir estas dos lineas.

“Vieja estrella de Rock and Roll” , madera policromada, medidas 61 x 25 x 25 cm , 2013


miércoles, enero 09, 2013

Radicalidad

Enero del 2013, luego de muchos años creo que por primera vez estoy haciendo arte abstracto totalmente cómodo y relajado, cada vez más alejado de la figuración, estoy haciendo obra más limpia y pulida de significados.
No se hasta donde me llevará esta radicalidad de la forma, es posible que en algún momento me canse de la pureza  de la simetría de la sencillez, donde los detalles ínfimos empiezan a ser cada vez más importantes.
Intuyo que esto no finaliza aquí, en la última forma el color parece cobrar cada vez más protagonismo, muestra su parte escondida, quizás su espíritu, la verdadera esencia .

"Escalera al cielo ",  acrylic on canvas, 65 x 45 cm.2012


lunes, diciembre 10, 2012

Serie Naturaleza



La isla, acrílico sobre tela, 65 x 100 cm, 2012



Esta serie abarca obras en distintos tamaños -grandes, medianos y pequeños- y distintos formatos – acrílicos sobre tela en bastidor, tela con vidrio y marcos intervenidos por mí, acrílicos sobre papel, entre otros-. Imágenes de paisajes: islas, playas, mares, planicies, cielos ; y animales solitarios: búhos, chimpancés, perros, vacas, caballos.
Los primeros bocetos los hice quince años aproximadamente, en contraposición a las vistas urbanas que eran mi principal serie pictórica de ese momento. Hacía pequeños bocetos y pinturas para descansar de la otra imagen. Con el paso del tiempo empecé a interesarme más por el tema y sus posibilidades, que por mis vivencias más que todo ciudadanas me es difícil y extraño, y me provoca un esfuerzo adicional que me motiva a seguir con la serie.
Empecé pintando paisajes imaginarios a la manera de los paisajes idílicos de los pintores románticos del siglo XIX, mis pinturas están nutridas de colores e imágenes del trópico sudamericano, las selvas de la Mesopotamia Argentina, la llanura, ríos y deltas de la Pampa Húmeda. Para hacer los animales y plantas también me basé en los dibujos antiguos de animales exóticos o míticos, donde lo animal y humano se mezcla para tratar de explicar lo desconocido, lo nunca visto. El tema de la naturaleza se presta para estar al borde de dos caminos enfrentados, la realidad y la fantasía. Mi intención primera no es metafísica o fantástica, trato de lograr una descripción lo más sujeta a la realidad posible, pero llega un momento que la realidad no basta y necesito en mi dibujo lo otro, la novedad que da la imaginación.
La Naturaleza nos da algo especial, que tiene que ver mucho con el arte, una imagen que es bella y a la vez siempre diferente, que revoluciona nuestros sentidos, como la naturaleza busco entonces llegar a esa vibración formal entre lo posible y lo imposible.
Como nos pasa a muchos pintores en la búsqueda de una pieza exacta que está en nuestra cabeza, hacemos muchos intentos, esta serie es un poco la historia de ese esfuerzo.


La serie está integrada por tres sub-series denominadas: Paisajes naturales Animales y Flores

viernes, octubre 12, 2012

Reportaje en la revista Aquí La Plata, Septiembre de 2012


Sus pinturas son obras donde el pincel con mucho color transita por distintos estilos, el expresionismo, el arte abstracto, el Neo Pop y hasta el Surrealismo. Diego Manuel busca iconografías y acentuando sus rasgos, nuevas miradas e intenciones logra subrayar el motivo central. Trabaja desarrollando series donde domina el tema como puede ser “Ciudades fantásticas”, “Tango”, “Gente”, usando distintas tendencias y estilos históricos artísticos, les aplica una forma post moderna. En otras series como “Surrealista”, “Abstracto”, “Simbolista” , “Pop”, parecen ser de una búsqueda formal y de estilo, que después utiliza a modo de herramienta en las series temáticas y de contenido. En sus pinturas las series formales van alimentando a las temáticas y viceversa. En la parte tanguera de la serie “Costumbres Argentinas”, que va a exponer próximamente en el Museo Casa Carlos Gardel, trabajó buscando imágenes desde diferentes conceptos plásticos: el baile, la milonga, el cantor, el guapo, las letras de los tangos. Cada uno de sus cuadros muestra a su autor con una frondosa imaginación y todos parecen contar una historia, pequeña o grande. Siempre nos sorprende su contenido y su lenguaje artístico donde el autor pone de manifiesto sus comienzos como escultor. A continuación una pequeña entrevista realizada entre algunas de las obras que van para la CABA a mostrarse en la exposición de pinturas “Corazón de Tango”.

Diego, a los 19 años estando en Bellas Artes elegiste cursar el taller de escultura de Rubén Elósegui. AllíElósegui habla de sus viajes a Europa y los contactos con los vanguardistas europeos como Nahum Gabo u Ossip Zadkine. En ese taller los estudios de dibujo con modelo eran estrictos, la asistencia mínimaera de 8 hs semanales pero sabemos que a pedido del maestro vos, aprendiz, cumplíste 12 y hasta 16 horas semanales de estudio con modelo desnudo, asistiendo 2 años al taller hasta que sucede la temprana muertedel maestro. Cómo marcó ese comienzo tu vida artística?


Rubén Elósegui fue muy importante en mis comienzos como estudiante de arte, conmigo siempre tuvo un trato distinto, a la manera de los antiguos maestros él te elegía como discípulo, cuando lo conocí yo todavía estaba en el bachillerato, recuerdo que un día visitó el taller de grabado del bachillerato que estaba en el subsuelo de la facultad, yo no sabía quien era, cuando entró en el salón las profesoras se le pegaron al instante , le hablaban y miraban con mucha admiración , contagiados de las profes al poco tiempo todos estábamos rodeándolo, parecíamos fans con la estrella de rock , él tenía ese magnetismo , esa seguridad de los verdaderos artistas. En medio de la charla de golpe se dirigió a mí, me preguntó que iba a seguir en la facultad, le dije pintura, e inmediatamente me “exigió”, de esa forma, con autoridad y a la vez tan simpática que tenía de hablar, que si quería aprender realmente, tenía que ir a la cátedra de él. En la facultad me trató no como a un alumno sino como a un futuro colega, sus palabras y su confianza en mí todavía son importantes para dar batalla en el taller, era una persona muy generosa sin ninguna mezquindad decía todo lo que sabía y siempre trataba de ayudar, también estaba interesado en nuestro futuro como artistas alentándonos a hacer obra y a exponerla.

A los 23 años seguiste con otro maestro escultor; Aurelio Macchi en el barrio de Saavedra. Qué te aportó ese taller?

Después de la temprana muerte de Elósegui, todavía no me sentía del todo seguro para seguir solo, averigüé del taller de Macchi en el barrio de Saavedra, y me pareció buena idea continuar mis estudios con el que había sido maestro y amigo de Elósegui. Macchi tenía otro método, mucho más estricto en reforzar las bases académicas, de distintas academias, tanto clásicas como de vanguardias, en apoyarse en sólidas estructuras geométricas de dibujo para defenderse tanto en pintura como en escultura. El taller era de 4 horas con un recreo de media hora, recuerdo las charlas sobre arte con él y los otros alumnos, más distendidas enesos recreos, siempre con alguna visita de antiguos alumnos. Por ese taller pasaronmuchas generaciones de artistas de Buenos Aires, no solo futuros escultores, también pintores que querían reforzar su dibujo. También recuerdo que él nos alentaba a ir unas horas antes al taller para hacer copias de su colección de calcos clásicos, para perfeccionar nuestro dibujo y modelado.

Cómo dejaste la escultura y pasaste a la pintura?

La pintura siempre estuvo en mi, es un formato que se adapta más a mi necesidad como artista. De todas formas la escultura está latente en el dibujo, y ahora está apareciendo mucho más en unas nuevas obras sobre tablas de madera que estoy haciendo que poco a poco están yendo hacia la tridimensión, y de alguna forma hacia el objeto, algunas las voy a mostrar en esta nueva exposición en Capital.

A los 26 años terminaste la carrera en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata, egresaste como Licenciado en Bellas Artes y te mudaste a la Capital Federal. Cómo impacto esa gran urbe en tus trabajos?

Es una ciudad que te nutre mucho porque tiene un público que es fan del arte como pasa en las grandes ciudades del mundo. Es difícil que salgan grandes artistas de lugares donde no haya una gran escena artística, como sería difícil o imposible que un Maradona o un Messi nazca en New York. Buenos aires tiene un poco eso, el aire que te da cientos de lugares donde se respira arte, museos, galerías, centrosculturales.

Realizas series temáticas, por ejemplo la serie “Surrealista”, “Ciudades fantásticas”, “Tango” y “Gente”. Podés comentarnos cuál es la características de cada una de ellas?

Hay series donde domina el tema como puede ser “Ciudades fantásticas”, “Tango”, “Gente”, los trato usando distintas tendencias y estilos históricos artísticos, los aplico de una forma muy a lamanera post moderna como herramientas posibles. Otras series como “Surrealista”, “Abstracto”, “Simbolista” , “Pop”, son más de investigación, de una búsqueda formal y de estilo, como dije antes muchasconclusiones formales después las uso a modo de herramienta en las series temáticas y de contenido. Entonces las series formales van alimentando a las temáticas y viceversa, eso me da una gran libertaden el taller, así forma y contenido los voy variando hasta que llego a algo que me gusta o sorprende.

Qué técnica utilizas actualmente para pintar?

Acrílico, el soporte las telas o maderas las preparo yo mismo, así puedo manejar también la textura, algo importante, porque la pintura es color, pero también es textura.

Estas desde muy temprano en la web con tu galería virtual: Ese contacto con el mundo condicionó o marcó tu estilo de pintura?

Sí y no, sin duda toda la inmensa información de internet nos ha cambiado a todos y también la obra de los artistas, pero el proceso de creación de mi obra en el taller es muy intima y metódica, con muchos bocetos previos donde elijo con enteralibertad lo que quiero decir sin condicionamientos de mercado ni otro tipo de influencias. La galería virtual y también las herramientas como Twitter o Facebook ayuda mucho para fomentar la obra y para la carrera en general. Es una exposición siempre abierta que llega a todo el planeta, recibís mensajes de los fans de tu arte, algunos quieren comprar obra, otros asistir a los cursos que doy en mi taller, otros sólo expresar lo que piensan de la obra. La posibilidad de tener medios propios de comunicación es la gran revolución de este siglo.

El 20 de septiembre próximo inauguras una muestra “Corazón de Tango” en el Museo Carlos Gardel, en Jean Jaures 735 CABA; qué tipo de obras integran esa muestra?


Aunque casi toda es obra nueva hecha especialmente para la muestra, se puede decir que es un resumen de estos últimos 15 años en que estoy desarrollando la serie “Costumbres Argentinas” y el tema Tango en especial. Las pinturas son bailes tangueros, milongas, parejas de baile, letras de tango, y personajes del tango como el compadrito de la milonga o el cantor, son pinturas con mucho color, y transitan por distintos estilos, el expresionismo, el arte abstracto , el Neo Pop y hasta el Surrealismo. La mayoría son telas, pero también hay obra sobre madera, pinturas y pinturas objetos. La obra también fue hecha para adaptarse a las posibilidades del Museo. Es de alguna forma un homenaje a la intención de tratar de hacer un relato desde nosotros, como lo fue primeramente toda la cultura del Tango, contar nuestra historia a nuestra manera.Quedan invitados a mi exhibición “Corazón de Tango” en Barrio Abasto y gracias por el interés en mi arte.