jueves, mayo 26, 2016

Influencia


Un artista es importante por como su obra influye en los demás, en las otras obras, en la imagen de una época. No solo en el arte y los otros artistas, también en la imágenes que serán de alguna forma trascendentes  para la sociedad,  sus ideas visuales influirán entonces en las imágenes de la  publicidad, en la forma de vestirse, en el diseño, y en muchos campos que son intrínsecos de la cultura.

Como un científico que con  sus investigaciones  en la  ciencia básica descubre cosas que  mucho o poco después serán aplicadas, el artista lo mismo es un investigador en el campo de los lenguajes visuales.

Un artista es un desarrollador de un alto lenguaje que será un registro cultural de una época. La sociedad usará ese desarrollo para transmitir ideas visuales de todo tipo, y para muchos usos no necesariamente  puramente artísticos

Pero además de desarrollar modos de comunicación e imágenes que dicen más que mil palabras, el artista  más que nada sabrá elegir que temas son los que importan y que decir sobre esos temas.


Siempre fue así pero mucho más desde el romanticismo y las vanguardias cuando el arte y los artistas intentaron ser más libres,  el arte verdadero es el que influye, no a cinco personas de un jurado, sino a toda una forma de ver, de su tiempo y el que vendrá.

El artista que busca decir cosas , que opina con lo que hace,  estará íntimamente conectado con su época, con la sociedad a la que pertenece, tratará de contar lo que le pasa a esa sociedad, en definitiva buscará hacer una arte que descubra  profundas necesidades espirituales de su sociedad , se verá en sus imágenes lo que a esa sociedad lo que tiene y lo que le falta, sus aciertos y  errores más grandes.

El arte podrá ser para la  glorificación de un Estado como las obras de Fidias en la  Atenas de Pericles, podrá ser la descripción de una forma de vivir de la gente sencilla del pueblo como pintaba Van Gogh señalando así hacia donde tenía que mirar la nueva sociedad europea que se estaba transformando vertiginosamente,  podrá presentir  un peligro inminente  como lo hicieron los expresionistas alemanes en sus obras, o describir y criticar  como los nuevos medios masivos inciden peligrosamente sobre nuestros gustos y nuestras elecciones,  como lo hicieron en su momento los artistas del Pop Art.

sábado, marzo 26, 2016

El arte está en nosotros

El arte está en nosotros desde que nacemos, no hace falta ir a cursos de postgrado ni a años de Bellas Artes para estar en contacto él,  porque  el arte esta en nuestro cerebro  mucho antes de tener conocimiento de que quiere decir la palabra arte,  tener impulsos artísticos son parte de los impulsos de vida que tenemos todos los días.

 Elegir  una imagen, un cuadro y colgarlo en la pared de nuestra casa, lo mismo elegir y pintar imágenes  y ponerlas en una tela o en los muros de una ladera de montaña, todos son impulsos dados por las mismas necesidades espirituales.

No somos muy diferentes a los antiguos artistas prehistóricos o al más romántico de los artistas, con las imágenes pedimos cosas, soñamos , anhelamos, nos identificamos.

Las imágenes que elegimos para nuestros  muros también construyen nuestro hogar, como antiguos talismanes esas imágenes nos dan la sensación de que nada malo puede sucedernos y por el contrario son una promesa de felicidad, así fabrican nuestro paraíso interior como un lugar sagrado.

Pinturas rupestres de búfalos salvajes que corren llenos de vida , el poster de una estrella  de rock  en medio de un fabuloso recital, pueden ser un pedido espiritual y metafísico. La imagen es poderosa y atrae lo que representa.

Elegir y manejar imágenes  fue la primer actividad humana, una actividad fundamental. Así aprendimos a construir nuestro ser espiritual.

El arte como fue en el pasado prehistórico es posible que  sirva para vencer otra vez, ya no a enormes fieras salvajes, sino  a otras no menos salvajes, las  que  llevamos en nuestro interior.

martes, enero 12, 2016

El mundo ha cambiado

El mundo ha cambiado, sólo con apretar un botón millones de personas hoy pueden publicar lo que quieran en medios sociales  o desde sus propias webs y llegar  a enormes audiencias de todo el mundo. Desde un smartphone un artista puede subir su ultima obra desde su estudio y en un segundo tener diez veces más público que en  la más exitosa inauguración de la mejor galería.

Hace sólo 10 o 15 años los músicos populares tenían que tocar los timbres de las oficinas de las grabadoras y las radios, luego esperar por horas , días , meses, años que un gerente de programación  eligiera su trabajo. Con los artistas plásticos, lo mismo era ir con un dossier de fotografías a las galerías, o centros culturales.

Todavía existen  los viejos filtros, no cualquiera entra en la programación de una gran galería comercial, un centro cultural, un museo, pero la novedad es que  estos órganos de validación cada vez están más cuestionados  e interpelados por la nuevas plataformas de exposición que han generado nuevos públicos.

El arte se ha transformado en un fenómeno masivo, antes sólo podía acceder  a él  una pequeña población que lo recibía  filtrado por una red de instituciones de validación y sus gerentes culturales , ahora millones de personas se interesan y tienen acceso libre sin intermediarios.


Esto  ha hecho también que los antiguos lugares de validación también tuvieran que cambiar, cada vez más vemos como los programadores tratan de crear eventos "que lleven gente", cada vez se ve más performances e instalaciones que más se parecen a teatralizaciones de Disney World que a desarrollos necesarios de inspirados artistas conceptuales, todo parece indicar que ahora hay mucha más competencia, porque el nuevo publico va para cualquier lado.

El publico es enorme , está ávido de arte, y de a poco  se está entrenando para tomar el poder de decisión, el libre acceso al arte necesariamente necesita de un público más activo, de una mayor participación en la elección, ya no viene el producto pre masticado como antes, ahora hay que formarse para elegir, para encontrar en la inmensidad informativa lo que queremos.

También el concepto de "la fama" como valor está cambiando. Como dijo Andy Warhol todos alguna vez tendremos nuestros 15 minutos. La fama nunca es  indicador de calidad para un artista, y a  veces es todo lo contrario. Hoy vemos que para ser famoso en los medios no hace falta ningún talento, los famosos son famosos por ser famosos, como un hecho que se retroalimenta sin mayor necesidad.

Esto nos libera de:  ¿pero este artista es famoso, es exitoso, vale entonces la pena que mire y  apoye su trabajo? Y está dando paso  a las preguntas que de verdad tendrían que importarnos: ¿la obra de este artista me gusta? ¿ver estas imágenes me influyen, provocan un cambio en mi? 




"La gran manzana ", acrylic on canvas, 97 x 130 cm. 2007

lunes, enero 04, 2016

Hombre sentado o retrato de Jose Manuel Rodriguez, talla policromada.

Hace unos años por varias razones sin dejar la pintura decido volver a hacer escultura, y buscando las viejas herramientas vi también que  todavía conservaba algunas piezas de aquella época, esta es una de ellas, es una de las que empecé en mis épocas de estudiante.
 Que una talla  se haga en muchos años no es malo, hasta tendría que ser lo normal, una buena pieza tiene que tener por lo menos 4 años de trabajo, y se podría decir que esta escultura tiene 18 años de elaboración.
Hagamos un poco de historia: me acuerdo que corría el año 1995 y fuimos con mi padre a buscar los troncos de quebracho colorado y blanco en una venta de leña en la calle 71 y 18, para lo que sería la entrega final de Escultura y así lograr la Licenciatura en Artes de la Facultad de Bellas Artes, (Me recibí de Licenciado el año 1996).
Renté un taller que era una habitación en una casa donde convivíamos varios proyectos de artistas, y durante un año hice 25 tallas, todas a la vez, figurativas y abstractas.

Siempre mi padre me dijo sin decírmelo que el quería que le hiciera un retrato después que no estuviera con nosotros en este pano.
 Nunca pude hacerlo ex profeso, aunque lo veía en muchos personajes de mis pinturas nuca dije : es él. 
Parece que tanta espera tuvo su fruto , porque una vez que termino esta talla, y le pongo la última pincelada del policromado algo pasó.
Como si se hubiera prendido la luz en una habitación a oscuras, vi en la madera a mi padre sentado, como se sentaba él,  con las piernas como las cruzaba él cuando cocía en su taller de sastrería, vi a mi padre sentado mirándome.








“Hombre sentado o retrato de Jose Manuel Rodriguez”, madera policromada, 21 x 25 x 73 cm., 2014

jueves, diciembre 31, 2015

Playa Punta Mogotes 2

En esta pintura he exagerado los gestos de bocas, ojos y la proporción de las cabezas haciendo de los rostros de los personajes los motores de la acción. 
Las cabezas han cobrado mayor importancia y han dejado a los cuerpos de los personajes en segundo plano, que como un baile de marionetas se mueven coreográficamente. 
La fiesta es el baile, el lugar paradisíaco, la acción esta en las miradas y las risas provocadoras. El nudo de la escena pasa por las caras de los personajes, y las miradas que hay entre ellos.
También como repito en varios cuadros de esta serie de bañistas bailarines,  todos están bailando con los cuerpos de frente, como esperando a que alguien de la fiesta situado fuera del cuadro presione un imaginario disparo con su  cámara fotográfica.
Entonces el  espectador de la pintura por un instante quizás se convierta en uno más con traje de baño, que baila y ríe en una fiesta en una  playa con un mar turquesa.


Playa Punta Mogotes 2, 95 x 130 cm, acrylic on canvas, 2015






martes, diciembre 29, 2015

Composición Numero 15

En esta pintura he tratado de hacer una competencia de colores, para ello he aislado los colores para que no se influencien entre sí, luego les he dado todos la misma forma aunque no el mismo lugar, eso sería imposible.
Cuando todo estaba perfecto sólo dispuse los colores improvisando como un músico de jazz. Los colores entonces empezaron a adquirir un protagonismo absoluto, ellos han modificado entonces el dibujo, lo estático se a  dinamizado, han convertido  círculos iguales y estáticos  en esferas que giran a toda velocidad, que cambian su  tamaño, su peso peso, que vuelan hacia adelante y atrás, que se apagan y encienden, que cambian de color




Composición Numero 15, acrylic on canvas, 49 x 65 cm. 2013

domingo, diciembre 27, 2015

Composicion Numero 17

En esta obra he tratado de hacer una pintura absolutamente de dos dimensiones.
Evitando lo narrativo, lo descriptivo, lo representativo, todo lo metafórico que nos lleva lejos de ese plano primordial, de lo que concretamente vemos, de ese objeto que es la obra.
Me he basado en una única figura geométrica perfecta repitiéndola rítmicamente para darle a toda la obra una unidad bidimensional monolítica.
En esta obra como en otras de la serie he tratado de darle a la pintura una corporeidad de objeto, no simulando las tres dimensiones sino por el contrario reforzando la idea de que la pintura en esencia es un rectángulo blanco.




Composición Numero 17, acrylic on canvas, 45 x 65 cm. 2013

Variaciones sobre el plano de La Plata

Además  de ser una proeza de la ingeniería urbanística el famoso plano del casco fundacional de La Plata, ideado por el Ingeniero Pedro Benoit  es muy bello.
Emocionalmente está ligado al orgullo de pertenecer  a la ciudad para la mayoría de nosotros  los platenses y también  se podría decir que es  nuestra primera clase de arte en las escuelas primarias.

A partir de este dibujo cuadrado, con simetrías, con curvas, con las famosas diagonales platenses, trato de establecer un ritmo de  formas y colores repitiendo las formas sencillas de los trazos de las calles del plano, curvas de medio punto, diagonales a 45 grados y líneas ortogonales. Los colores elegidos también en principio son los primarios, un color muy claro en vez del blanco y el azul oscuro en vez del negro.



" Variaciones sobre el plano de La Plata ", acrílico sobre tela, 120 x 200 cm. 2013.

viernes, diciembre 25, 2015

Máquina 2

Como una talla africana aquí construí una figura, un humanoide geométrico, en el medio un gran torso, un bloque macizo que sostiene todo, y luego extremidades con distintas intensidades de movimiento, de gestos. Tres momentos organizados en forma vertical, dos estructuras de volumen arriba de mayor y debajo de menor dinamismo y en el medio un gran espacio más estático, con un solo movimiento circular.
Le puse de título “maquina”, porque es la primera de una serie de esculturas que intento que sean una especie de máquinas de crear volúmenes en el espacio.







“Máquina 2 ”, madera policromada, 20 x 20 x 92 cm , 2015

Edificio

Esta escultura es la segunda de una nueva serie de esculturas abstractas que estoy haciendo donde trato de convertir en volumen todo el trabajo de abstracción geométrica que vengo haciendo con la pintura en los últimos años.
Como  si hubiera sacado un eslabón de las pinturas que yo llamo de estructura de tejido, aquí he rescatado una forma de dos cubos dinámicos que se equilibran en direcciones opuestas, y así he creado una escultura sostenida en el equilibrio y la fuerte presencia de los espacios que contienen y sugieren los volúmenes. Nuevamente tengo que nombrar como inspiración la serie de esculturas llamadas suplicantes , de los pueblos originarios del norte argentino que se encuentran en el Museo de Ciencias Naturales de La Plata.








“Edificio”, madera policromada, 20 x 30 x 47 cm , 2015

Composición Numero 11

En esta pintura hice vibrar los colores  en un trabajo que traté de pintar como si estuviera tejiendo en finos hilos de color atados a una estructura sencilla, en estas obras abstractas, y en esta en especial,  trato de hacer conexión con ese ancestral telar de los pueblos anteriores que habitaron este suelo americano, tantos años yendo a dibujar y a observar por horas las telas bellísimas precolombinas en el Museo de Ciencias Naturales dela Plata me han enseñado a valorar que también se puede hacer una obra guiándonos no por la forma sino los colores. Como si fuera música, los colores me van llevando  hacia un ritmo  atemporal, luego, mucho después de tejer y tejer empieza todo a tomar forma,  a surgir la geometría.


Composición Numero 11, acrylic on canvas, 37 x 75 cm. 2013

jueves, diciembre 24, 2015

Pintura "Amor" de Diego Manuel


“Amor”, acrylic on canvas, 100 x 70 cm. 2005

En esta pintura una de las primeras de la serie hay dos cuerpos que forman un yin y yang, formas y colores que se complementan y que se buscan en dinámico equilibrio. La atracción de los opuestos que genera una inmensa energía de cambio y transformación.
Como el arte , el amor es infinitas cosas pero más que nada es energía de vida.

Gauchos argentinos



En esta serie , trabajo a partir de un mito argentino, el gaucho.
Este personaje nace en la modernista literatura argentina de José Hernández, de Sarmiento, de Borges
El gaucho era un ser románticamente libre y bravo que vivía entre dos culturas, la de los pueblos originarios y la nueva europea.
Este hombre elemental y aguerrido no era de nadie, no tenia dueños, aunque los dos bandos lo querían en sus ejércitos también lo mismo era perseguido de un lado y del otro.
Trato con esta especie de superhéroe argentino, dibujar algo en este ser inventado que podamos reconocer de nosotros mismos, entre otras cosas esa gran sensación de desarraigo con la que llegamos al mundo y nos vamos, por otro lado los profundos deseos de libertad , de aventura que todos llevamos en la vida.

"gaucho a caballo 2", acrylic on canvas, 44 x 30 cm year 2002.

lunes, diciembre 14, 2015

El artista conceptual y el tradicional que habitan en mi


La lucha del arte por separarse de la artesanía se definió en el Renacimiento, allí nació gran parte de la concepción moderna del Arte.
El desarrollo conceptual del arte que en gran medida es más un dominio de los teóricos que de los artistas  triunfó por sobre la presencia misma de las obras. Desde ese momento  en adelante el arte estaría en las obras pero mucho más en lo que decimos de ellas La  calidad artesanal sin un discurso conceptual estético atrás sosteniéndolo,  cada vez más empezó  a ser rechazado, y superado .

Luego siguiendo esta dirección el arte fue convirtiéndose más y más en un hecho intelectual libre de todo. La academia clasicista europea , la primera gran ideologista del arte, que  construiría un andamiaje de ideas estructurado en las enseñanzas de los grandes maestros renacentistas
luego sería el primer gran escollo a desplazar por el Romanticismo y sus derivados las Vanguardias.

 El Romanticismo instalaría un nuevo paradigma, que ya no será la repetición de un lenguaje perfecto como en la antigüedad o en la edad media, sino que deberá estar signado por la ruptura de las escuelas y la novedad.
Entonces luego del Renacimiento vino el  Barroco , el Clasicismo, la revolución idealista del  Romanticismo, y todos los demás ismos, todo fue un camino primero hacia la valorización y luego hacia la liberación de las ideas artísticas de todo preconcepto, de toda guía, incluidas las  artes tradicionales como la pintura o la escultura.
Como el movimiento de las corrientes estéticas suele ser pendular, hoy la pintura y la escultura goza de muy buena salud, en estas ultimas décadas ha habido una reacción de artistas que resistimos al mandato del conceptualismo oficial que reina en los lugares centrales de validación.

Resistimos a dejar  absolutamente los oficios necesarios para crear objetos y pasar a  ser todos artistas conceptuales, artistas absolutamente teorizados que luego de resolver una planificación simplemente encargan a  artesanos o a empresas  el objeto que pensaron.

 De todas formas la fuerte corriente conceptualista de las ultimas décadas, sin duda ha producido cambios en mi, en mi formación como artista. Aunque no he abandonado la pintura y la escultura, siento que mi arte esta profundamente influido por el arte conceptual.

Siento en mi por formación el impulso vanguardista de hacer algo nuevo. Esto  me lleva a una búsqueda puramente  intelectual mas que material. Una búsqueda rupturista tratando de combinar y desarrollar las  ideas y conceptos estéticos .

El mandato vanguardista de buscar lo nuevo lo actual, buscar en la variedad , en la profundidad y la necesidad de un discurso de apoyo para las series que desarrollo  de alguna forma me ha movido hacia el arte puramente conceptual, arte que por años parecía para mi totalmente ajeno y ahora me doy cuenta que no es tan así, que simplemente lo que no aceptaba del arte conceptual era el hecho de que el artista conceptual encargara o se apropiara de objetos, que no los hiciera el mismo, pero en mi  forma de producir así en series temáticas "conceptuales", casi como un abanico de ideas, hay sin duda una forma de ver el arte como artista conceptual.

Soy un artista conceptual que hace pintura y escultura? Sí, hay algo de eso.
En el principio o en el final del proceso creativo soy un artista  muy teórico, muy "conceptualizado" que luego de diagramar todo un discurso le encarga un objeto bien determinado a otro artista  que vengo a ser yo mismo , el artista más tradicional  que también hay en mi.

“Máquina 2 ”, madera policromada, 20 x 20 x 92 cm , 2015

domingo, noviembre 01, 2015

El arte vive en el conflicto de las distintas miradas.



 El arte son ideas expresadas en imágenes , la lectura libre y subjetiva de esas ideas es el arte,  que sólo en ese momento existirá único en las pupilas de un público irrepetible.

El arte  mas que de un artista necesita de un lector, la obra es un libro lleno de ideas , pero no es más que algo muerto sin los ojos del espectador.  El arte existe en ese instante cuando lo vemos y lo leemos, tanto es así que obras que  nunca fueron hechas con una intención  artística sino religiosa , mágica, o decorativa, con un nuevo espectador cambian el sentido y se convierten en obras de arte, y viceversa, obras que fueron pensadas para expresar ideas muy complejas, para los que sólo buscan ver un objeto decorativo se convertirán en eso, en algo decorativo.

Como para la mayoría de las personas es más facil comentar sobre la obra de un artista  o un estilo de arte con palabras más que directamente con las imágenes desde el principio lo artístico se definió con palabras , con ellas podemos más facilmente dejar grabada nuestra mirada, nuestra visita a ese nuevo mundo que nos presenta una obra,  podemos dejar escrito qué comprendemos sobre la intención del artista , cómo situamos esa obra dentro de la historia. Entonces  podemos decir que quizás sea más fiel registro de lo que fue una obra de arte en su tiempo los escritos que hay sobre ella más que la obra misma. Y que una obra sea  arte sublime o un objeto excéntrico de la historia lo decide la acción artística y la intención positiva  del publico en cada momento. Y que esto puede variar según transcurran las generaciones .

Tan importante es la teoría y lo escrito sobre el arte que vemos como las diferentes ideologías artísticas han luchado entre sí  por siglos con la palabra como espada , por ejemplo  las batallas teóricas entre los afines al Gótico contra los afines al Renacimiento o las de los académicos clasicistas contra los intelectuales románticos, largas luchas ideológicas entre lo ya aprobado y lo nuevo por aprobar.

 Una lucha de miradas, una lucha de públicos sobre lo que son las obras para unos y otros. El arte vive , perdura y florece en ese conflicto de las distintas miradas.

La pelea del siglo, acrylic on canvas, 98 x 86 cm. 2015










sábado, agosto 29, 2015

La nueva sustancia


En el taller trato de unir materias contradictorias y de esa forma producir una nueva sustancia.
A veces quiero decir algo en especial  y luego busco la forma o  por el  contrario, hago primero una forma y luego busco que decir o que puedo decir decir con ella.

Mezclo la tesis con su antítesis , el resultado es luego la obra, la síntesis.

La  primera materia que trabajo es formalista, son los estilos formales que desarrollo a manera de herramientas,  una abstracción sobria geometrizada, una abstracción automática desbordada y lúdica o una figuración basada en un icono pop, del comic, del cine industrial o de lo popular.

La segunda materia es  narrativa o descriptiva. Es lo temático, no lo que finalmente quiero decir sino un tema general que funciona como marco, como escenografía donde luego va a pasar lo importante, la acción que me interesa.

 Así puedo hacer un paisaje de una ciudad futurista con algo de mis obras abstractas, o contrariamente hacer una obra absolutamente formalista pero que tenga algo narrativo o descriptivo aunque sea solo en el título.

Como un  alquimista en el taller  mezclo materias contradictorias de distintas graduaciones, así de pronto me encuentro con resultados explosivos o que tocan una fibra sensible en mi. Así produzco  nuevas sustancias y la aleación resultante  siguiendo mi instinto va a estar aprobada o desechada.

Composición Número 21, acrílico sobre tela, 65 x 44 cm. 2015


sábado, julio 11, 2015

Nuevas esculturas, maderas policromadas

En el ultimo año  terminé nueve esculturas , todas de madera policromada.
Trabajo  los volúmenes en varias  maderas durante meses, luego hago el policromado y por último lustro con cera la pieza.

La madera policromada es una de las técnicas tradicionales de la escultura, quizás sea la más antigua, las fotos nunca hacen justicia a la sensación de ver la obra personalmente.
La obra va apareciendo poco a poco, la escultura necesita de muchas vistas simultáneas y efectivas, todas que de alguna manera sumadas nos relatan algo.  

Figurativa o abstracta la escultura nos debe tener un equilibrio  de los volúmenes, de los espacios. La búsqueda de armonía  obliga a sacar todo lo que molesta de la pieza hasta que ya está hecha , siempre hay  tiempo de cambios necesarios, muchas veces después del policromado y lustrado, quizás luego de meses, hay que retocarla,  tallar lo que molesta  y volver a pulir, policromar y lustrar.

La escultura  nos da ese placer atávico de sentir a través de las manos la densidad del material noble, las superficies perfectas y pulidas,  los cortes de un plano y las curvas de una voluptuosa forma.





jueves, abril 16, 2015

El Arte nos ilumina.

La historia del Arte, es la historia de una palabra de mil significados.
Su historia nos cuenta  de como el Arte se fue liberando de distintas servidumbres, de la magia, de la religión, del estado, de la academia, del mercado, para ser fuerte, para ser más puro.
El Arte  siempre se ha movido del lugar que todos los contemporáneos esperaban, para  mostrar sus luces en el futuro, porque el arte es  la intención de trascender el propio tiempo en un mundo  inmaterial y eterno, el de las ideas.
Vivir el Arte  es caminar   un camino sin llegada, no tiene final porque es la utópica búsqueda de lo inalcanzable.
El Arte es una lengua eterna que une todos los tiempos y los lugares. Es la única lengua que puede decir la verdad sin lastimar, que  cura las heridas con la belleza.
.

Composición con rectángulos concéntricos 3, acrylic on canvas, 70 x 95 cm. 2013


domingo, diciembre 07, 2014

Algunas ideas sobre el arte y la cultura.



La cotidianidad.
Vivir la experiencia del arte no  tiene que ser sólo  una vez por mes  en los museos, el arte que nos influenciará es el que está en las casas, el de los museos puede ser muy bueno como una referencia de excelencia, pero como pasa con la buena cocina y el comer bien , se debe vivir el arte todos los días en nuestra casa.
Por supuesto no sólo viven el arte los artistas, fundamentalmente se disfruta del arte cuando ya está hecho, entonces incluso el mismo artista desfrutará del arte cuando ya es uno más del público.

Entonces sólo es necesario elegir las obras que nos acompañarán en nuestra vida. Vivir el arte y que sea una experiencia que  desarrolle nuestra persona, como cualquier ejercicio, tiene que ser un acto diario.

El arte es un logro de todos.

 El arte es un mensaje que empiezan los artistas y que luego se convertirá en un bien cultural en cuanto sea colectivo. 
La  elección del público es el momento más importante para el Arte, porque será  finalmente el publico el que  subirá y bajará carreras y estilos, definirá la verdadera importancia de una obra, si un estilo es una vanguardia superadora o un mal intento.

El arte en general y todos sus géneros y lenguajes, los nuevos y los de siempre, son el resultado de la actividad  de toda la sociedad, parece algo obvio, pero todavía se escucha hablar del artista genio, de la excepción. Toda actividad de un pueblo, sea la ciencia, el deporte, lo que sea, es el resultado del esfuerzo conjunto, es imposible que nazcan no digamos 200 , sino 20 artistas de alto nivel, si la sociedad no consume arte, si la sociedad no tiene una actitud crítica y participativa, si el público no asiste a las inauguraciones de los artistas de su ciudad, si no alientan a los artistas y a su producción de arte.

La mejor forma de promover al Arte y los artistas es promover un mercado interno de arte.
Las becas del ministerio, los concursos ayudan pero... El público es el actor principal del cambio, de ese salto de calidad necesario,  el coleccionismo no es una actividad snob, sino que es la forma hasta mas económica de enriquecer la cultura de la sociedad y a la vez nuestra cultura personal, que es convivir con el arte en nuestras casas, no hay mejor profesor de arte que ver todos los días una buena obra en vivo , todos los días aprenderemos algo nuevo de ella. Sumemos todo lo que nos costaría  ir en forma recurrente a  museos y exposiciones, o asistir a una clase diaria con un buen profesor de arte y verán que comprar arte es lo más económico.

Como se compra buen arte? es cuestión de seguir el propio instinto, al gusto se lo enriquece  de a poco, para eso los muesos, los libros, las exposiciones. Y luego de un tiempo cuando uno ve la obra indicada va a sentir un flechazo, nos tiene que deslumbrar, elegir las obras que nos acompañarán, es algo parecido a elegir pareja, solamente hay que confiar en nuestro propio gusto y no dejarse llevar por influencias interesadas, imagínense que si para encontrar nuestra pareja tuviéramos que preguntarle a un "critico de amor", o buscarla en una "galería de parejas"? Escuchemos a todos, los que dicen saber, los que saben, vayamos a todas las galerías, las comerciales y las estatales, pero la última palabra tiene que ser la de nuestro corazón.

Que nos da el arte?
El arte y la cultura en general son la principal fuente de la fuerza interior y de soluciones  inagotables que necesita un pueblo para su desarrollo.
No es de casualidad que los países líderes del mundo promueven en forma directa e indirecta a sus artistas y su cultura,  cuidan su mercado interno de arte, lo alimentan, dan facilidades impositivas y crediticias para su estimulo, hacen campañas publicitarias, participan en las bienales más importantes. Usan sus cañones de propaganda para validar y posicionar a nivel internacional  a sus artistas y su arte. 

Además yendo a lo más pragmático y materialista, tener una cultura propia sin duda tiene un rápido retorno económico, visitar una ciudad u otra , un país u otro muchas veces lo decide una pequeña pintura en un museo o visitar el taller de un artista.

El arte , la cultura en sus muchas manifestaciones hace que una sociedad sienta que tiene cosas comunes por las que pelear y refuerza sus anticuerpos.


Composición cromática 6, acrylic on canvas, 66 x 100 cm. 2013

martes, noviembre 04, 2014

La alegría


Los cuadros de fiestas y bailes, escenas teatrales donde los personajes dialogan con gestos y ademanes, en cada nuevo cuadro se fueron reduciendo a una pequeña franja de gestos, los de la alegría.

Las risas son levemente distintas en cada personaje, pero no dejan de provocar una sensación de repetición del gesto, quizás una repetición que provoca el eco de un  movimiento cinematográfico o de video. Una escena coral de risas que como suele pasar también en la realidad es una reacción en cadena.

Carcajadas, risas, sonrisas, miradas alegres y entusiasmadas. En los últimos cuadros de bañistas, los cuerpos bailan sueltos y coreográficamente acompañan a los rostros.
Como si fuera inevitable siempre reírse del mismo chiste los personajes pasan sin esfuerzo ese momento trascendente de su existencia en que son felices.







Playa Punta Mogotes , 95 x 130 cm, acrylic on canvas, 2015